CINEMA INFERNO : Arrástrame al Infierno

Volvió Sam Raimi?

TITULO ORIGINAL: Drag me To Hell

AÑO: 2009

DIRIGIDA POR : Sam Raimi

ESCRITA POR: Sam e Ivan Raimi

ELENCO: Alison Lohman, Justin Long, Adriana Barraza y la terrorífica Lorna Raver

Algunos fanáticos del horror saltaron de alegría cuando se supo que Sam Raimi dejaba de lado por un momento el traje azul y rojo de Spider Man y el cine mainstream de Hollywood para tomar una película de "poco presupuesto" (comparada con Spider Man, por supuesto) más acorde a sus inicios cinematográficos, como las gloriosas Evil Dead o Darkman. Pero también saltaron los talibanes que decían que esta película era solo los últimos estertores de manierismo autoral de un director que simplemente se vendió al sistema por unos cuantos..bastantes... millones de dólares. Sinceramente creo que ambos tienen razón, Sam Raimi ya no es el enfant terrible de Evil Dead, mal que mal tiene ya 50 años, edad en la que mi padre se convirtió en abuelo, entonces ya no debe andar con ganas de llenarse las manos de gore barato, pero por otro lado creo que tenía muchas ganas de hacer algo en lo que se sintiera más como en casa. Algo como esta película, una fusión entre el cine comercial actual con interesantes toques de un autor con un sello propio.

En Arrastrame... el viejo y querido Ash (Bruce Campbell, que por primera vez no hace al menos un cameo en una película de Raimi) es reemplazado por una virginal, bella y angelical Christine Brown (Alison Lohman) que le pasan las de quico y caco por haberselas dado de ejecutiva ruda y recibir la maldición de una vieja gitana, dicha maldición indica que será acosada, torturada y violentada sicológicamente por un demonio que la llevará literalmente, arrastrando al infierno, al cabo de 3 días de presiones variadas, que incluyen ataques escatológicos con viejas putrefactas, moscas, ataques demoniacos a lo "El Ente" y penaduras del viejo cuño, con sombras rondando la casa, pasos en el techo y muchas otras cositas que harán asquear, saltar y temblar hasta al espectador más avezado en horror. Además la pobre Christine tiene que lidiar con el hecho de que era una muchachita campechana y que su suegra opina que "nuera" la mujer indicada para su hijo, aparte que su compañero de trabajo le está aserruchando el piso y más encima, nadie le cree que la están penando y por ende, nadie le ayuda.
Sin duda es un gran giro el ver a una guapa mujer sufrir lo indecible, en un entorno más real que en la trilogía Evil Dead, pero la gran gracia radica en que desde el principio de la película nos encontramos con la raíz del terror, el viejo y querido "si te portas mal, el diablo te va a llevar" . Christine se pone ambiciosa, por lograr un ascenso pasa a llevar a una vieja que le tira una maldición, en el fondo esa maldición es un castigo por su arribismo, por tratar de cumplir el sueño americano y aunque en esos tres días ella sufre lo suficiente como para purgar todas sus culpas....ah, que canalla soy, cai les cuento el final. Pero sin revelar detalles que arruinen la grata sorpresa que es ver esta película, aparte de asustarte y tenerte tenso durante mucho rato (en el cine había un par de damiselas que de verdad estaban al borde de la crisis de pánico) y asquearte, matarte de la risa y asombrar tus sentidos como solo Sam Raimi es capaz de hacerlo; la moraleja es clara, si pisoteas a alguien, serás pisoteado de vuelta.
Para los que creían que esto es la vuelta de Sam Raimi, acá podrán ver los segunditos gore que a todos les gustan, lasp erspectivas distorsionadas, los ángulos angustiantes y la cámara que gira ante el desesperado protagonista, el ritmo visual y la acción sin pausa a que nos tiene acostumbrado, así que no creo que mi tío Sam haya vuelto, simplemente, nunca se fue.

Star Trek: The Motion Picture (1979) vs. Star Trek (2009)... El Eterno Retorno...

Es raro el efecto de Star Trek o Viaje a las Estrellas, como es conocida en estos reductos. Se trató originalmente de una serie que tuvo tres escasas temporadas en TV a fines de los 60 y que sólo gracias a su reposición en horarios muertos, logró concitar una tremenda cantidad de adeptos que, en gran medida, son los responsables del salto de la serie a la pantalla grande, a fines de los 70. Un camino que tuvo no pocos obstáculos, pero que logró llegar a buen puerto para convertirse en una de las sagas más exitosas de la historia de cine.

Pero esto también se debe, por otra parte, al talento de creador de Star Trek, Gene Rodenberry quien, en pocas líneas y pocos personajes principales, logró gestar toda una mitología. Después de un capítulo piloto en donde la mayor parte del elenco fue reemplazado, por fin en 1966 la serie vio la luz con los viajes de la nave Entreprise, cuya misión era llegar donde nadie había ido antes, en un mundo futurista regido por la Federación, formada por diversas culturas y razas alineadas, y los no alineados, entre los que destacab klingons y romulanos. La tripulación de la nave estaba formada por el Capitán James Tiberius Kirk (William Shatner), siempre intrépido, impusivo, rebelde y espontáneo; , el Comandante Spock (Leonard Nimoy) de origen vulcano, raza que se caracteriza por su estricta lógica; el doctor Leonard "Bones" McCoy (DeForest Kelley), la contraparte más racional y hasta amargada de Kirk; la Teniente Nyota Uhura (Nichelle Nichols); el Teniente Hikaru Sulu (George Takei); el Navegante Pavel Chekov (Walter Koenig) y el ingeniero Montgomery Scott (James Doohan). En torno a estos personajes, sus fortalezas y debilidades, códigos de honor y una que otra moraleja, se desarrollaron los 80 capítulos de la serie original, en la que Rodenberry corrió riesgos, basándose en su visión del futuro sin discriminación ni divisiones y en la que por lo tanto, incluso extraterrestres, afroamericanos y... ¡soviéticos!, podían compartir la cabina de una nave en total armonía. Porque para Rodenberry, los vicios y las virtudes, el bien y el aml, estaban en el corazón de sus protagonistas o antagonistas, como demostró se demostró tantas veces en diversos capítulos de la serie, en especial aquellos que tenían que ver con la venganza...

Pero luego de su cancelación, el público quería más. Mucho más. Es por eso que viendo un mercado posible bastante atractivo y luego del éxito de cintas de sci fi como Star Wars, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo y 2001, es que la Paramount se puso en campaña para llevar el proyecto a la pantalla grande, aunque en reiteradas ocasiones anteriores, había tratado de hacerlo, sin llegar a puerto. Entre otros, se había dejado fuera guiones como el del capítulo doble In Thy Image (que no deja de tener relación con el guión que finalmente se vio en el cine) y una historia de Harlan Ellison titulada The Planet of Titans y en la que una raza de lagartos inteligentes viaja al pasado para cambiar la historia de la Tierra y convertirse en la raza superior. Ni lo uno ni lo otro.

Lo que al final se llevó a la pantalla grande fue una historia que puso a los personajes principales de la serie de TV con uno años más en el cuerpo. Kirk ya es almirante, aunque la mayoría de sus compañeros se siguen desempeñando en el Enterprise. El asunto es que en medio de este equilibrio, aparece una enorme masa de materia que se dirige a la Tierra, destruyendo todo a su paso. Es aquí cuando Kirk, que ya está en disputas con el Capitán Dekker (Stephen Collins) que se siente pasado a llevar por la presencia del legendario personaje de la Flota, toma las riendas y encamina al Enterprise al encuentro con esta nueva amenaza en lo que representa el reencuentro de todo el equipo original.

La peli fue dirigida por el premiado Robert Wise, un tipo talentoso y que no temía enfrentar desafíos. Se nota el pulso y la mano firme que tiene al momento al momento de generar acción, suspenso y comedia, mezca un tanto difícil de lograr pero que es parte fundamental de Star Trek y las relaciones entre sus dispares protagonistas. Los FX estuvieron en manos de otro monstruo, Douglas Trumbull quien además se hizo acompañar por uno de los cerebros de Star Wars (John Dykstra) para lograr, en el poco tiempo que le dieron, secuencias de efectos especiales más que dignas y hasta sorprendentes. Si a eso sumamos la aparición de la bellísima Persis Khambatta en el rol de Ilya (eso es para placer mío no más), una historia sencilla pero bien construida, con correctas dosis de suspenso y acción, y a un reparto familiarizado con sus roles, amigos todos en una especie de reunión de ex-alumnos, tenemos un producto bien hechito, que dejó contentos a los fanáticos de la serie original y que sumó una nueva generación de adeptos que permitió no sólo la creación de cinco películas más, si no que el surgimiento de una nueva generación de series y spin offs (The Next Generation, Deep Space 9, Voyager, Enterprise...) y cuatro largos más ahora con la tripulación comandad por el Capitán Jean Luc Picard (Patrick Stewart). Y cuando ya todo parecía agotado, cuando hasta los mismos fanáticos ya no sabían cuál sería la nueva vuelta de tuerca, aparece el señorJ.J. Abrams con una propuesta arriesgada: una nueva entrega de Star Trek, pero esta vez a modo de precuela en la que descubriríamos cómo Kirk y Spock se conocen y cuál fue su primera misión.

La gracia de la labor de Abrams y de los guionistas Alex Kurtzmann y Robert Orci es que se mantuvieron bastante fieles a las características de los personajes originales. Así, concemos el conflicto interno de Spock, que es mitad humano y mitad vulcano, como también el comportamiento rebelde de Kirk, atribuido a la falta de una imagen paterna. Homenaje a parte merece la aparición del Capitán Pike (Bruce Greenwood), nombre del capitán del Enterprise en el capítulo piloto que nunca salió al aire y que estaba a cargo, en aquellos años, del actor Jeffrey Hunter. También se menciona el ejercicio del Kobayashi-Maru, uno de los hitos del Kirk adulto de la saga original por cómo fue capaz de superar una prueba de entrenamiento que se suponía, infalible. Aquí, se dan algunas pistas de cómo el apenas cadete, logró similar hazaña... Y bueno, suma y sigue con algunos guiños más a la serie y películas antecesoras, incluyendo el delicado y nostálgico toque de los uniformes. Pero Star Trek no se queda ahí.

Esta nueva entrega comienza con la aparición desde el futuro de una nave romulana comandada por Nero (Eric Bana). En los primeros minutos de la peli, se despacha a la nave USS Kelvin que alcanza a ser comandada por breves minutos, por Geroge Kirk (Chris Hemswoth), el padre de James Tiberius. 25 años después, Jim Kirk (Chris Pine) es un muchacho rebelde aunque muy inteligente que es convencido por el Capitán Pike de entrar a la flota. Aquí conocerá a los que serán los miembros de su tripulación: "Bones" McCoy (Karl Urban), Sulu (John Cho), Uhura (Zoe Saldaña) y Chekov (Anton Yelchin). Y también, por supuesto, se enfrentará a un joven Spock (Zachary Quinto) que será su contraparte y hasta su antagonista durante gran parte de la cinta, en parte, por la tosudez del vulcano al momento de hacer coincidir su lado lado humano, encarnado en su madre Amanda (Winona Ryder) con toda la educación, costumbres y cultura que ha recibido de Sarek (Ben Cross), su padre vulcano.

La dispar tripulación, bajo las órdenes de Pike, deberá acudir a un llamado de urgencia del planeta natal de Spock y es ahí donde se reencontrarán con Nero y descubrirán sus oscuros planes de venganza.

Este interferencia en la línea de tiempo que los fanáticos conocían, abre las puertas para algunos cambios revitalizantes en la saga, pero también posibilitan mantener una historia fiel al carácter de cada personaje. No es fácil tomar una historia que los fanáticos manejan al revés y al derecho, pero en este caso, la prueba es superada por Abrams y su grupete con bastante dignidad en una peli que maneja con efectividad la acción, el humor y la emoción... todo muy gringo, eso sí (algunas dosis de heroísmo demasiado empalagosas), pero con más aciertos que errores. Eso, sin contar con el uso de efectos de sonido de la serie original y bastante mesura en el uso de efectos especiales, lo que a estas alturas se agradece bastante.

En suma, una entretenida película de sci fi que rinde homenaje a sus antecesoras con sencilles, pero que al mismo tiempo, abre las puertas de par en par para una saga que, a simple vista, podría tener mucho que entregar y qué decir y que respetando fielmente lo ya sabido, dilucida y contribuye con la mitología inolvidable de Viaje a las Estrellas...

LAS PELICULAS

Viaje a las Estrellas: La Película

(Star Trek: The Motion Picture)

1979

136 minutos

Dirigió Robert Wise

Produjeron Gene Rodenberry y Jon Zovill

Escribieron Harold Livingston y Gene Rodenberry basado en el capítulo doble de la serie "In Thy Image" de Alan Dean Foster

Fotografía de Richard H. Kline

Editó Todd C. Ramsey

Música de Jerry Goldsmith

Actuaron William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, James Doohan, Walter Koenig, Nichelle Nichols, George Takei, Stephen Collins, Persis Khambatta, Majel Barrett, Grace Lee Whithney, Mark Lenard y un montón de extras con trajes apretados...

Viaje a las Estrellas

(Star Trek)

2009

127 minutos

Dirigió J.J. Abrams

Produjeron J.J. Abrams y Damon Lindelof

Escribieron Robert Orci y Alex Kurtzmann

Fotografía de Daniel Mindel

Editaron Mary Jo Markey y Maryann Brandon

Música de Michael Giacchino

Actuaron Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Karl Urban, Zoe Saldaña, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin, Bruce Greenwood, Ben Cross, Wynona Rider, Clfton Collins Jr., Chris Hemsworth, Jennifer Morrison y otra vez, un montón de extras con trajes apretados, pero más modernos...

GENERACION VHS: La Colina de los Ojos Malditos (1977)

Ni yo ni ninguno de mia amigos teníamos mucha idea de quién diablos era Wes Craven cuando arrendamos esta peli, para verla en casa de alguno del lote, una tarde de domingo. Claro, a mediados de los 80 recién su nombre comenzaba a sonar rimbombante después del estreno de Pesadilla (1984) y el nacimiento de una de las figuras icónicas del cine de terror, Freddy Kruger. Después vendrían una serie de filmes de irregular y discutible calidad, entre los que prefiero destacar como favoritos a La Serpiente y el Arcoiris (1988), la rarísima Shocker (1989), Wes Craven's New Nightmare (1994) y la primera Scream (1996) que en suma, no es más que una inteligente parodia-homenaje a todos los clichés del cine de terror gringo.

Antes de eso, no había hecho mucho más que algunas peliculitas muy clase Z y un par de cosas para televisión. Y es entre esas peliculitas Z que de repente, en VHS, encontramos La Colina de los Ojos Malditos, con el rostro freakiado de Michael Berryman en la portada. Y claro, eso fue suficiente para arriesgarse a verla.

A estas alturas, una peli como esta causaría risa (aunque no totalmente). Pero en aquellos años, uno se la sufría mucho. Impregnada de influencias (en especial de Texas Chainsaw Massacre), con un reparto clásico de pocos y desconocidos actores y con los elementos mínimos, Craven nos cuenta una historia sencilla: el viaje de una típica familia gringa en busca de una mina de oro en medio del desierto, mismo lugar que por décadas ha sido usado para pruebas nucleares. Con eso ya basta para justificar el viaje de los variopintos personajes de esta familia que se queda estancada en medio del desierto, rodeada, acosada y atacada por una familia de salvajes caníbales (que no deja de tener similitudes con los antropófagos de Sawney Beane). Y eso es todo. Lo demás, es la desesperación de los Carter, sus rencillas internas, el miedo a los desconocido, persecuciones, momentos de quieta y ennervante observación, algunos chorros de sangre, todo en dosis bastante irregulares. Lo digo, porque la peli parte bastante bien, va al grano de inmediato. Nos presenta en 10 minutos a los personajes, los lleva de inmediato al desierto y nos planta una secuencia nocturna de temer. de ahí en adelante, sólo momentos, algunas pasadas de suspenso y nada más, hasta el desenlace que, de verdad, resulta de lo mejor de la peli.

De todas maneras, lo destacable es el tremendo talento de Craven como artesano. Se nota el pulso, el empeño, las ganas de hacer una buena película de terror que si bien no resulta totalmente, se sostiene con dignidad y hasta sirve como manual para todos los que después de Craven, se dedicaron al género en Estados Unidos y otras partes del mundo. Demás está decir que hace veinticinco años, la encontré pulenta. Ahora, claro está, ha perdido algo de su gracia, pero eso no le resta sus méritos originales: la prueba de fuego de We Craven, una correcta puesta en escena, el nervio y es suspenso que, resultando o no, recorre toda la peli y por sobre todo, la utilización del desierto como excéntrico escenario para une peli de terror y más encima, de día. Dato no menor que sirve para justificar, en parte, los baches de la peli. De todas formas, la mejor de toda la saga que incluye dos secuelas malísimas, un par de remakes que alguna gracia tienen y hasta una novela gráfica.

Pero lo más inolvidable, es la cara de loco desquiciado de Michael Berryman. Un deleite. Otro de los tantos actores que en tantas pelis aparecieron quizás sólo por su rostro freak (algo parecido a lo que ocurre con Karel Stuycken y otros)... Aquí en La Colina... se lleva todos los aplausos en sus cortas pero estrambóticas apariciones...

LA PELICULA

La Colina de los Ojos Malditos

(The Hills Have Eyes)

1977

89 minutos

Dirigió, escribió y editó Wes Craven

Produjo Pete Locke

Fotografía de Eric Saarinen

Música de Don Peake

Actuaron Russ Grieve, Susan Lanier, Martin Speer, Dee Wallace-Stone, Robert Houston, John Steadman, James Withworth, Virginia Vincent, Lance Gordon, Michael Berryman, Janus Blythe, Cordy Clark, Brenda Marinoff, Pete Locke y... eso sería, ahí están todos...

Felicidad (1998)... Más allá del baile de las máscaras

Hablar de Todd Solondz es hablar de un director cuya obra (escasa en cantidad pero contudente en calidad) es raramente conocida por estos lares. Ni su premiada Welcome to the Dollhouse (1995) ni Storytelling (2001), quizás su obra más "conocida", ni Palindromes (2004), su más reciente producción, han alcanzado el gran público y con cierta razón, pues no es fácil ver el cine de Solondz, cargado de todas las complejidades, vicios y confictos del ser humano.

Quizás es por eso que se hace difícil ver a Solondz. Claro, no cualquiera está acostumbrado a enfrentarse a personajes que pueden mostrar lo peor de nosotros, donde no hay héroes ni momentos delicados y épicos; donde cada uno esconde secretos tan terribles como la vida misma. Y es ahí donde destaca el magistral talento de este director gringo que saca ronchas con guiones que exploran la soledad, la falta de amor y compromiso, el temor a un mundo que se hace cada vez más inclemente e impiadoso y que, en fin, también atisba con seriedad y crudeza, nuestros peores defectos y vicios.

Todas estas temáticas se aprecian claramente en Felicidad, el tercer filme de Solondz que reúne a un reparto espectacular en torno a un drama coral cuyo trasfondo no es sólo develar qué se oculta tras el irónico título de la peli, que no es más que una careta de las realidades que vamos conociendo minuto a minuto, si no que ahonda en la problemática de las relaciones de pareja, la inestabilidad emocional y la necesidad de ser aceptados tal y como somos. Todo esto, en base a tres tramas principales intercaladas, tratadas con sobriedad y en base a un guión contundente.

A poco andar de la peli, ya conocemos a las hermanas Jordan. Joy (Jane Adams), la mayor, de profesión músico, pero que reparte sus días entre un trabajo serio y estable vendiendo teléfonos y clases para inmigrantes, ocupación que cubre todas sus necesidades espirituales. Es la soñadora del trío y la que aún cree en los príncipes azules. Trish (Cynthia Stevenson), la del medio, abnegada ama de casa, tiene una vida perfecta junto a su marido Bill (Dylan Baker) y su hijo. Una casa hermosa, muebles impecables, no le falta dinero, mantiene todo en orden... en fin, lo que toda mujer de clase media y educación católica sueña desde chiquita. Helen (Lara Flynn Boyle), la menor, es una exitosa y bellísima escritora, adorada y envidiada por todos. Quizás por eso mira al resto del mundo de los hombros para abajo. También parece tener una vida de los más happy... Pero nada es lo que parece...

Joy no tarda en embarcarse en una sórdida aventura amorosa con uno de sus estudiantes llamado Vladimir (Jared Harris), que resulta ser un taxista estafador y manipulador. Trish intenta mantener una realidad que se cae a pedazos cuando el espectador descubre que Bill es un impulsivo pedófilo y Helen que en la intimidad, no es más que una mujer solitaria en busca de amor, que se excita con las llamadas obscenas de Allen (Philip Seymour Hoffman), un vecino tímido que no encuentra mejor manera para demostrar sus sentimientos...

Así, se van sumando sucesivos hechos, algunas otras anécdotas y un par de sabrosas historias paralelas (incluyendo la de un cadáver en un refrigerador), las que redondean uno de los mejores productos fílmicos de los 90, por lo menos, en lo que al ambiente gringo se refiere. Una película llena de elementos que en ves de atropellarse y opacarse, se potencian de la mano de excelentes actuaciones, diálogos sencillos pero contundentes y la firme dirección de Solondz que es capaz, con Felicidad, de ponernos un espejo bastante realista en frente y provocarnos la más variada gama de sensaciones en poco más de dos horas...

Totalmente recomendable, tanto para re-verla, como para deleitarse por vez primera...

LA PELICULA

Felicidad

(Happiness)

1998

134 minutos

Dirigió y escribió Todd Solondz

Produjeron David Lynde y James Schamus

Fotografía de Maryse Alberti

Editó Alan Oxman

Música de Robbie Kondor

Actuaron Lara Flynn Boyle, Jane Adams, Cynthia Stevenson, Dylan Baker, Philip Seymour Hoffman, Jared Harris, Camryn Manheim, Ben Gazzara, Louise Lasser, Jon Lovitz, Molly Shannon y un largo etcétera...

El Chacal de Nahueltoro (1969)... o cómo Miguel Littín cambió el cine chileno para siempre...

No me atrevía a hablar de esta peli, pero tengo que correr el riesgo. Es un monumento del cine chileno y latinoamericano, una de esas escasa obras maestras que ahora se usan para las clases de los jóvenes estudiantes de cine empapados en MTV y Tarantino y/o por otra parte, Haneke, Dogma o Park Chan-Wook. Con El Chacal, con esta obra primigenia de Littín, de verdad se aprende cine.

¿Por qué? Bueno, está hecha con recursos escasos, pero mucho talento. Primero, el guión aprovecha inteligentemente hechos reales. Segundo, Nelson Villagra se manda una actuación de esas que dan escalofríos. Tercero, por el trabajo de fotografía de Héctor Ríos, en un blanco/negro deprimente, cautivante y acusativo. Un perfecto ejemplo de jóvenes creativos en una situación política, social y económica exacta, que hicieron de las suyas.

No sé si El Chacal es una obra maestra, eso deberán juzgarlo ustedes, al historia, hasta los críticos o comentaristas de cine. Para mí, lo cierto es que se demuestra empíricamente que con pocos recursos, un buen guión y un equipo comprometido, se pueden lograr grandes cosas. Y Miguel Littín, a la cabeza, pudo hacerlo. Una historia sencilla, pero cruenta. Jorge Valenzuela (Nelson Villagra), un tipo alcohólico e iletrado, asesina a su pareja y a sus cinco hijos. Va en cana, pasa por juicio, se dicta la condena. Entre medio, el socio en cuestión aprende a leer, de religión, números y otras minucias que le despiertan la conciencia. Cuando se dicta la sentencia final, el asesino brutal ya es otra persona... ¿Tiene derecho esa nueva persona a un juicio justo?...

El Chacal deja abiertas muchas interrogantes respecto a la pena de muerte, el desarraigo social, la pobreza intelectual más que material, del mundo rural. La redención y la reconciliación, con uno mismo y los demás. A través de un tratamiento escrito y en imágenes que parten el alma, El Chacal se convierte en uno de los puntos altos del cine sudamericano de los 60, una obra cuya trascendencia es indiscutible y que, a pesar de paso de los años, marcará pauta en todos los que de alguna u otra manera, estamos relacionados con el cine...

Me daba miedo hacer este comentario, pues sé que a muchos por ahí, no les gusta Littín. Puede ser por su discurso político o por la debilidad patente de sus últimas obras. Pero El Chacal, así como Las Actas de Marusia, bastan para que Don Miguel sea uno de los cineastas chilenos por excelencia. Y lo digo sin ningún asco ni arrepentimiento...

LA PELICULA

El Chacal de Nahueltoro

1969

90 minutos

Dirigió y escribió Miguel Littín

Produjo el Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile

Fotografía de Héctor Ríos

Editó Pedro Chaskel (Grande!!!)

Música de Sergio Ortega

Actuaron Nelson Villagra, Shenda Román, Luis Alarcón, Héctor Noguera, Marcelo Romo y varios actores hippies chilensis...

Distrito 9 (2009)... Matamos lo que tememos, tememos lo que no conocemos...

El hecho que Distrito 9 llegara tan bien catalogada por diversos críticos y fanáticos de otras partes del mundo, me provocaba cierto resquemor. La produce Peter Jackson, otro hecho que podía jugar a favor en contra, aunque Jackson no se arriesgaría con cualquier bodrio, pero también se trataba de un director sudaricano muy joven, Neill Blomkamp, con experiencia más en publicidad que en otra cosa. Eso asusta... Sí, quizás fui un poco prejuicioso, pero más que nada precavido, tratando de no esperanzarme mucho para no pegarme un alcachofazo con otra película de sci del lote... Y no es así. Para nada.

La estética con que nos enfrentamos desde el inicio de Distrito 9 invita de inmediato al enganche, un mockumentary que nos describe a través de un reportaje fictico la llegada de una nave extraterrestre que se emplaza sobre Johanesburgo. Nunca quedan muy claras las razones de este hecho, pero sí que puede tratarse de una nave menor que por problemas técnicos tuvo que desprenderse de la nodriza y fue a parar hasta allá. Primer visto bueno: por fin los extraterrestres no llegan a Estados Unidos. Tampoco se trata de ser fácilmente comprensibles. Con aspecto de langostas y costumbres incomprensibles, son empazados en un ghetto en medio de la ciudad, despreciados, discriminados, condenados, abusados, incomprendidos, humillados, brutalizados y rechazados. Es por eso que después de veinte años y ante el notorio aumento de su población, la poderosa Multi Nacional Unida (una especie de Naciones Unidas privatizada) opta por derivarlos a un sector rural que será llamado Distrito 10, en donde no jodan a nadie. Para eso, designan a Wilkus Van Der Merwe (Sharlto Copley) para encabezar el censo y la firma de acuerdo de los extraterrestres que serán transplantados. Así, conocemos a Van Der Merwe, un tipo común y corriente que busca un ascenso, que quiere quedar bien con su suegro, uno de los capos de MNU, que no es ni chicha ni limoná; un simple burócrata que quiere hacer su trabajo, un personaje que al comienzo se debate entre la comedia y la caricatura, pero que con el correr del tiempo, se convierte en el factor dramático de la cinta.

En el ghetto, nos encontramos con la cruda realidad de los extraterrestres que son despreciados por los humanos y abusados por contrabandistas nigerianos. Wilkus llega a hacer su pega, acompañado por ejército. El espectador comienza a ser testigo de la incomprensión, del temor, de la rabia y la impotencia de ambos "bandos" que no son tales, si no que diferentes razas y culturas que no encuentran puntos en común... Contarles más allá de eso, sería un crimen, porque lo que viene a partir de los 20 minutos de la peli en adelante es de temer, aunque podrán encontrar influencias de V: Invasión Extraterrestre, Alien, Terminator y hasta de Robocop por ahí.

A Blomkamp no le tiembla la mano al momento de juzgar al ser humano en base al temor a lo desconocido. La discriminación, el racismo y la xenofobia son temáticas que cruzan inteligentemente la cinta de un extremo a otro, entroncándose con una odisea tan particular como universal, en medio de un ambiente hostil. Sobrios pero calculados efectos especiales otrogan realismo sin desvirtuar la historia, al igual que cada una de las actuaciones, mucha de ellas breves, pero precisas. Todos, factores que contribuyen a generar una soberbia película de ciencia ficción y sin dudas, uno de los mejores estrenos de año en base a un guión limpio, ideas claras y correctas dosis de drama, suspenso y acción en un tour de force que nos lleva a cuestionar nuestras propias creencias y prejuicios.

En suma, una de esas pelis que usted, asiduo lector, NO puede dejar de ver por ningún motivo y que recordará por largas horas después de haber salido de la sala de cine... Después me comentan qué les pareción...

LA PELICULA

Distrito 9

(District 9)

2009

112 minutos

Dirigió Neill Blomkamp

Produjo Peter Jackson

Escribieron Neill Blomkamp y Terri Tattchel

Fotografía de Trent Opaloch

Editó Julian Clarke

Música de Clinton Shorter

Actuaron Sharlto Copley, David James, Louis Minnaar, Vanessa Haywood, Eugene Khumbanyiwa, William Allen Young, Tim Gordon, varios otros actores y Jason Cope (en el rol de todos los aliens)...

El Secreto del Abismo (1989)... Partes del testamento de James Cameron...

Hay películas que te fascinan en la infancia y/o la adolescencia, pero que después encuentras de lo más estúpidas y chantas. Hay otras, que no pescas mucho cuando eres pendejo y que después, te enamoran. Hay otras que son malas cuando cabro chico y son peores aún cuando viejote. Pero hay algunas (en gusto personal) que te enamoran desde la primera vez que la vez y que mientras pasa el tiempo, te siguen fascinando. Eso es lo que me pasa con El Secreto del Abismo.

A muchos puede haberles desilucionado. Después de Terminator y Aliens, Cameron se arriesgó con una cinta más de suspenso que de terror, con contenidos políticos muchos más establecidos, antibélica pero cargada de magia, muy experimental en cuanto a efectos especiales, ciencia ficción al estilo pacifista (onda Ursula K. LeGuin) y con un tratamientos visual que dejaba boquiabierto, en especial durante las escenas submarinas. A pesar de estos detalles, no es un producto redondo, pero de lo que ha hecho Cameron, desde mi punto de vista, es su magnum opus.

Verla en el cine fue un placer sin ninguna duda. Echar la mirada en retrospectiva, deja como mensaje el interés siempre pionero de Cameron en echar mano de todos los recursos visuales de los que pueda disponer, aunque si hay algo que se agradece en la peli, es el no abuso de los mismos, pero recordemos que aquí, sentó las bases del ahora tan manoseado morphing y todas sus ramificaciones. Hay un tremendo trabajo actoral y un guión que, aunque con fallas, se nota hecho con cariño. Aún así, ni el público ni la crítica la recibieron muy bien, sepa Supertaldo por qué, aunque recuperó su inversión. Quizás, si le hubiese ido mejor, las producciones posteriores de Cameron hubiesen sido diferentes. Y Avatar, que se estrena dentro de poco, hubiese visto antes la luz. Lo menciono porque al parecer, en este nuevo experimento, Cameron retoma algunas de las temáticas que trató en El Secreto del Abismo.

Veamos. Un submarino misilero gringo sufre un grave accidente al toparse con un objeto desconocido. La marina yanqui, sabiendo que los rusos intentan llegar al navío caído, aceleran el rescate usando una plataforma petrolera experimental submarina. Envían a un equipo de Seals encabezado por el teniente Coffey (Michael Biehn) a la plataforma, en donde prácticamente viven Virgil Brigman (Ed Harris), su ex esposa y diseñadora de la planta, Lindsey (Mary Elizabeth Mastrantonio) y los demás trabajadores, entre los que destacan Catfish (Leo Burmester), Hippy (Todd Graff), Jammer (John Bedford Lloyd) y One Night (Kimberly Scott), todos ellos, dispuestos de mala gana a colaborar con la misión. El asunto es que a poco andar, se comienzan a percibir extrañas presencias y sucesos que nos llevan a pensar en la posibilidad de la existencia de una raza extraterrestre radicada en el fondo del mar, mientras Coffey comienza a delirar e imaginar enemigos por todas partes. Todo esteo, en medio del desarrollo in crescendo de un tremendo huracán.

Jugando con el suspenso, algunas dosis de acción, la claustrofobia submarina y medidas dosis de fantasía, Cameron logra construir esta cinta cuya belleza y mensaje son innegables y en la cual traspasa algunas de las precupaciones que todos tenemos. Y aunque nadie haya pescado mucho la peli en su época ni aún ahora, por lo menos dentro de la filmografía de Cameron, es mi favorita y también, uno de los highlights que tengo dentro del género de ciencia ficción.

LA PELICULA

El Secreto del Abismo

(The Abyss)

1989

146 minutos (176 en la versión extendida, que es mucho mejor)

Dirigió y escribió James Cameron

Produjo Gale Ann Hurd (VanLing produjo la versión extendida)

Fotografía de Mikael Salomon

Editaron Conrad Buff y Joel Goodman

Música de Alan Silvestri

Actuaron Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn, Leo Burmester, JC Quinn, Todd Graff, John Bedford Lloyd, Kimberly Scott, Christopher Murphy, Kidd Brewer, Adam Nelson y varios extraterrestres acuosos...

GENERACION VHS: Despedida de Soltero (1984)

Inauguramos nueva sección, esta vez, dedicada a recordar todos esos grandes clásicos, esas películas inolvidables que en nuestra infancia, adolescencia y parte de nuestra juventud, arrendamos en el videoclub de moda, ese que el domingo concentraba a la crema y nata del barrio en torno al arriendo de cintas VHS, o aquel videoclub de la esquina que recibía los estrenos con meses de retraso, que vendía copias de sus cintas y cuya cartelera fuera era el erotismo de Playboy y Vivid.

Por supuesto, comienzo recordando un clásico de culto de los 80, no sólo por la película en sí, si no que también por marcar el inicio de la ascendente carrera de Mr. Tom Hanks, a pesar de no ser su primera película. Despedida de Soltero debe ser una de las películas más arrendadas de aquella época, me parece que por su humor soez, disparatadas situaciones, una que otra mina rica en pantalla, drogas expuestas sin ningún recato y la esperanza de cerrar el ciclo de la soltería de manera monumental.

La historia es sencilla: Rick Glassko (Tom Hanks, de 28 años en aquella añorada época) se va a casar. Sus amigotes le planifican una senda despedida de soltero en la habitación de un lujoso hotel. Glassko manipula la verdad frente a su novia Debbie (la regia Tawny Kitaen) para que ésta no se pase rollos, pero es peor. La fiestoca se desarrolla de todas maneras, con más tropiezos que bendiciones, mientras Debbie y sus amiguis buscan por todos los medios desenmascarar la farsa de Rick y descubrirlo con las manos en la masa.

Nada complicado. Una sencillez abismante. Quizás ahí radica la gracia de Despedida de Soltero. Nada de vueltas de tueca rebuscadas ni disfrazarse de película inteligente. Y eso es lo que permite al espectador ser testigo de a lo menos, un par de secuencias desternillantes: el burro jalando coca en medio de la fiesta y la divertida aparición de Nick The Dick (alfo así como Nico el Pico) entre Debbie y sus amigas en un club nocturno.

A esas aturas, nadie podía siquiera imaginar que Hanks se convertiría en un actor de carácter, premiado con dos Oscar, productor y director de películas y series de TV, un tipo respetado y que ahora cobra 50 millones de dólares por película, todo un ícono pop. De hecho, si no hubiese sido por que a poco de empezar el rodaje, se cambió parte del elenco, es muy probable que Hanks hubiese tenido que esperar unos años para levantar su carrera. Entre otros, Paul Raiser hacía el rol de Glassko y Kelly McGillis el de Debbie. Además, Hanks no fue la primera opción para el rol, si no que primero se sondeó a otros actores desconocidos, que recién hacian sus primeras armas en la gran pantalla (anoten!): Jim Carrey, Tim Robbins y Howie Mandel.

Sé que muchos de mi generación recuerdan con harto cariño y una sonrisa este film, uno de esos grandes estrenos en VHS, una película sin mayores pretensiones, sencilla en todas sus líneas, pero efectiva. No por nada recuadó diez veces más de su costo original sólo en Gringolandia. Y además, significó el puntapié inicial en la carrera de Mr. Hanks que ahora se puede dar el lujo de trabajar en la película que quiera, cobrar lo que quiera, producir y dirigir lo que quiera... y así...

Por último, hay que destacar también la pulenta banda sonora llena de éxitos y bandas top de la época: The Fleshtones, Oingo Boingo, Jools Holland, REM, Wang Chung, The Police, Darlene Love y Torch Song... Un manjar para los fanáticos de la música de la década.

A todo esto, salió una segunda parte el 2007. Prefiero no verla para no matar la magia de la primera, uno de los buenos recuerdos de mi pubertad...

LA PELICULA
Despedida de Soltero
(Bachelor Party)
1984
105 minutos
Dirigió Neal Israel
Produjeron Bob Israel, Ron Moler y Raju Patel
Escribieron Bob Isreal, Neal Israel y Pat Proft
Editó Tom Walls
Fotografía de Han Trussell
Música de Robert Folk
Actuaron Tom Hanks, Tawny Kitaen, Adrian Zmed (sí, el mismo de TJ Hooker), Robert Presscott, Wendy Jo Sperber, Deborah Harmon, George Grizzard, Michael Dudikoff, Gary Grossman, otros tantos secundarios más y el burro jalero...

El Bosque (2009)... Pánico y Locura en Argentina...

Dentro de algunas de las sorpresas que presentó el Festival Internacional de Cine del Norte de Chile, realizado el pasado agosto en Antofagasta, destacó la presencia del film que a la larga, sería el ganador del Premio del Público, el film argentino El Bosque, dirigido por dos jóvenes talentos, Pablo Siciliano y Eugenio Lasserre, con quienes tuve la posiblidad de compartir en tan cinéfila ocasión.

Siciliano y Lasserre son dos tipos bien simpáticos, buenos para la talla. Pablo, mucho más extrovertido, Eugenio, piola pero de palabras justas. Los dos, sin embargo, muy contestatarios y críticos de la realidad del negocio del cine en el Tercer Mundo. Es por eso que durante la semana del festival, nos ensalzamos en entretenidas dicusiones en torno al mentado tema. Y esas críticas y visión del cine se devela, en parte, en El Bosque, una película que si bien no resalta por sobre el común de los filmes, tiene varias gracias.

Dannemberg (Oscar Pérez) es un viejo que vive solo en una casa en medio de un bosque. Durante los primeros minutos de la cinta vemos su diario, rutinario y silencioso vivir, que incluye cacería, recolección de flores para pintar en lienzos hechos de cuero, el típico matecito y la visita a las tumbas de dos personas, una de ellas, la que imaginamos es su esposa. Hasta ahí, un film casi naturalista que retrata la soledad y el visulamente atractivo territorio agreste. La llegada de Martín (Martín Markotic) y Ariadna (Paula Brasca) es marcada por el repentino funcionamiento de un reloj y por la certeza que el viejo siente que algo va a ocurrir. Algo que él sabe desde el inicio debe pasar, cual tragedia griega.

Y no es menor el dato de que la película comienza con un trozo de aquel maravilloso cuento de JL Borges, "La Casa de Asterión", pues el film exuda por todos lados las influencias del escritor agrentino. Es por eso que en base a tres personajes, un destino escrito e irrevocable, un paisaje que poco a poco se torna más oscuro y opresivo, el descubrimiento de alarmantes secretos y algunos toques de suspenso, la sencillez de El Bosque convence y hasta por momentos, sobrecoge. Ya dije que no es una gran película, pero la sencillez con que está hecha y la falta de pretensiones, la convierten en una cinta que a pesar de sus ripios (no muy convincentes actuaciones de Markotic y Brasca, secuencias demasiado largas, etc), se deja ver con agrado y cierta tensión contenida que explota en los minutos finales, cuando todos los cabos sueltos se unen en torno a un círculo inevitable de destrucción.

En fin, una buena película que rompe los esquemas de lo que tradicionalemente estamos acostumbrados a ver y más aún, de lo que en general llega de más allá de la cordillera. Vale la pena echarle una mirada y dejarse llevar por este thriller naturalista, enchapado a la antigua, homenaje directo a Borges y sus oscuros cuentos... Trate de verla si tiene suerte, por si en una de esas se estrena en un festival de cine cerca de su hogar o si Cinemax la compra más adelante para tirarla por el cable porque de otra manera, va a ser muy difícil que la vea...

LA PELICULA

El Bosque

2009

105 minutos

Dirigieron y editaron Pablo Siciliano y Eugenio Lasserre

Escribieron Pablo Siciliano y Gastón Markotic

Produjo Gastón Markotic

Fotografía de Pablo Yanielli

Música de Daniel Soruco

Actuaron Oscar Perez, Martín Markotic, Paula Brasca y un conejo.

La Nana (2009)... El mestizaje del cine chileno...

Luego de dos meses de receso, creo necesario volver a las andadas, para ser felicitado, comentado y muchas veces, vilipendiado por todos los asiduos lectores de estos humildes pero francos comentarios de cine.

Muchas cosas pasan en dos meses y de hecho, jamás había dejado botado por tanto tiempo a mi regalón. Aunque no les interese o ya lo sepan, debo contarles que pasamos por la cirugía de nuestro hijo, por la cirugía de mi pareja y por la cirugía de mi viejo. Entre medio también, una semana de Fiestas Patrias bien bebida y bien comida; otras tantas obligaciones anexas y convexas y nuevos horarios de trabajo. Entre todas esas cosas se me fue pasando el tiempo y ahora recién puedo comenzar a recuperar el tiempo perdido. Y qué mejor que retomar este asunto con el gran estreno nacional del mes de agosto, La Nana, que PRIMERO se vio aquí, en Antofagasta, en el marco del Festival de Cine del Norte de Chile, para luego irse a Santiago... De paso, agradecer Sebastián Silva (su director) que en cada aparición poste Festival, se encargó de dejar en claro que el estreno nacional había sido aquí, en la misma región en donde un grupo de boludos están haciendo mierda los Geisers de El Tatio... Pero eso es otro tema...

La Nana era esperada con ansias por cultos y profanos. Claro, no es para menos ser tan bien catalogado y premiado en Sundance, sin desmerecer la labor de otros festivales dond ela peli estuvo y en los cuales se llevo varios otros galardones. Pero Sundance es Sundance, para qué estamos con cosas. Precedida del cartel ganado en Gringolandia, es que Silva la sometió al juicio del público chileno con gran éxito, por lo menos en cuanto a crítica. No sé cómo le fue en la taquilla, pero espero por el bien de Silva que le alcance para invertir en otra cinta...

Raquel (Catalina Saavedra) es una nana o empleada puertas adentro que ha vivido gran parte de su vida con la misma familia. Todas sus acciones tienen directa relación con el acontecer de una casa que no es suya, pero que ella siente como propia. Pero sus empleadores (Alejandro Goic y Claudia Celedón) insisten en la idea de contratar otra nana que la ayude, considerando algunos problemas de salud que Raquel presenta. Así, van sucediéndose las invasoras, que Raquel combate con sus escasas armas, pero siempre obteniendo lo que quiere: echarlas de su espacio. Hasta la aparición de Lucy (Mariana Loyola), una mujer sencilla, medio pueblerina, que logra rimper las defensas de Raquel y abrirle las puertas a un mundo olvidado tras el peso del trabajo diario.

Debo reconocer que la primera media hora de película me pareció casi una lata. Digo casi, porque gracias al talento de la Cata Saavedra (tristemente encasillada en roles similares) ese pedazo de metraje se sostiene, aunque de todas maneras debemos considerar el tratamiento visual que logra con creces meter al espectador en el claustrofóbico y asumido mundo de Raquel, con mucha vcámara en mano, planos cerrados, imágenes algo grumosas... La aparición de Ana Reeves (genial!) en el rol de una nana fogueada y llena de artimañas levanta la acción cuando esta está a punto de perderse y de ahí en adelante, el film funciona de maravillas, con personajes bien esbozados, situaciones hilarantes o muy dramáticas bien logradas y sobre todo, por el lenta pero irremediable cambio de Raquel que verá florecer su vida nuevamente.

No creo que sea recomendable para todo público. Más de alguna vieja del barrio alto se va a sentir o muy compasiva o muy ofendida. Más de una vieja de la galucha va a soltar sus lagrimones al ver partes de su vida representadas en pantalla. A otros les dará lo mismo pues la acción de La Nana es escasa e irregular. Lo cierto es que en base a elementos muy cercanos al cine de Cassavettes y que rozan Dogma, Silva construye una historia interesante, muy cargada a lo femenino, que aunque por momentos está a punto de caerse, logra salir otra vez a flote con dignidad y sin efecticismos baratos ni lágrimas ni risas fáciles. Y eso, de verdad se aplaude, porque con sus defectos y virtudes, La Nana exuda una sinceridad escasa en el cine nacional...

LA PELICULA

La Nana

2009

96 minutos

Dirigió Sebastián Silva

Produjo Gregorio González

Escribieron Sebastián Silva y Pedro Peirano

Fotografía de Sergio Armstrong

Editó Danielle Fillios (para variar en un film chileno, jejejeje)

Música Ruy García

Actuaron Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Mariana Loyola, Alejandro Goic, Ana Reeves y otros tantos actores chilenos...

El Milagro de P. Tinto (1998)... Las exquisitas rarezas españolas atacan de nuevo...

A fines de los 90, una amiga se me acercó y me preguntó si había visto El Milagro de P. Tinto. Le dije que no tenía idea de qué diablos me estaba hablando. Sólo se limitó a responderme que tenía que verla. Sonrió y me dejó con la duda. Así es que me puse en campaña y me la conseguí. Y vaya qué sorpresa que me llevé.

No soy muy asiduo al cine español que gana Goyas o se pasea por la alfombra de la Academia. Me refiero a Almodóvar y otros de la misma calaña. Pueden tener mucho valor, pero ese tipo de pelis no me llega. Ni me hace cosquillas. En cambio cuando me encuentro con pequeños tesoros como El Milagro de P. Tinto, de verdad gozo a rabiar. Claro, primero porque es una película que se adecua más a mis gustos. Segundo, porque desborda energía, creatividad, vanguardia, diálogos entretenidos y bien construidos. Exuda personajes adorables y memorables. Tercero, sin muchos recursos pero mucho ingenio y talento, plantea una historia muy freak que, sin embargo, se hace tan querible como una fábula infantil. Y cuarto, porque simplmente hace reír con una facilidad envidiable.

Desde pequeño, P. Tinto (Luis Ciges) ha soñado con tener una familia numerosa. En el colegio conoce a una chica ciega llamada Olivia (Silvia Casanova) con la que termina casándose. Pero la inocencia de ambos y uno que otro mal entendido, no les han permitido tener hijos. Hasta ahí, todo más o menos normal. Viven en un casita solitaria en donde la única atracción es el paso del tren cada 25 años, mientras luchan por mantener viva la fábrica de obleas familiar (cuya única función es hacer hostias), cuyo cierre inminente está en ciernes. Es en eso que aparecen dos extraterrestres (Javier Aller y Emilio Gavira), cuya nave (un Fiat 600!) sufre un desperfecto y va a parara a la casa de los Tinto. Olivia adopta a los enanos alienígenas como a sus hijos y estos se dejan querer mientras intentan arreglar su nave, pero P. Tinto tiene una epifanía al ver un comercial en TV y envía una carta solicitando adoptar un niño africano. Es aquí donde la historia de los Tinto se une a la de Pancho José (Pablo Pinedo), un gigante un tanto autista que ha tenido una infancia terrible, marcada por la muerte de su madre aplastada por un container de queso de tetilla. Pancho José encuentra la carta por casualidad (aunque en esta peli NADA es casual) y va a parar a la casa de los Tinto, acmpañado por una maleta y un bidón de gas. P. Tinto lo acoge como a su verdadero hijo, mientras contrata a Usillos (Janfri Topera) para que construya una habitación para el nuevo miembro de la familia. El problema es que Usillos, a parte de ser un maestro chasquilla ultranacionalista, es también un fanático de la ufología y comienza a espiar a Pancho José, convencido que éste es extraterrestre... Y esto es sólo el comienzo...

Los hermanos Fesser, Javier y Guillermo, ya habían sorprendido con sus cortometrajes antes de lanzarse en esta aventura de largo aliento, más que lograda desde mi humilde punto de vista. Además de un trabajo fotográfico impecable, el uso de intersantes tiros de cámara, la presentación de personajes adorables (en especial el genial Usillos) y las elegantes parodias al cine sci fi gringo, la gracia mayor de El Milagro de P. Tinto es construir una historia redonda, muy simple en el fondo, pero llena de superficiales complejidades que desde el primer momento, atraen la atención del público. Se trata de un producto completo en forma y contenido, aunque quizás sólo del gusto de cierto público más dispuesto a recibir una historia desfachatada en muchos momentos, con bastantes toques de humor y surrealismo, que usa delicadamente los efectos especiales y que no desea para nada congraciarse con el espectador que gusta de la simpleza estúpida del mainstream gringo... Sin ofender... Recuerden que también gusto de ese cine en algunos momentos, jejejejeje...

En fin, El Milagro de P. Tinto es una obra sumamente interesante, poderosa visualmente, llena de detalles asombrosos, muy divertida y recomendable para todos aquellos que buscan ver algo diferente de vez en cuando. Una propuesta arriesgada, pero muy atractiva que de seguro, muchos de ustedes van a disfrutar... Ojo, que de repente la pueden encontrar en el I-Sat (como siempre, a eso de las 3 de la mañana) y anda dando vueltas por algunos vidoeclubes... Por último, Javier Fesser este año estrenó su más reciente obra, después de la maravillosa Cándida. Se trata de Camino. Les dejo el trailer de P.Tinto y el de Camino para picarles el bichito por este interesantísimo director y guionista español que, de verdad, se las trae...

LA PELICULA

El Milagro de P. Tinto

1998

109 minutos

Dirigió Javier Fesser

Escribieron Javier y Guillermo Fesser

Produjeron Sogetel y Películas Pendelton

Fotografía de Javier Aguirresarobe

Editó Guillermo Represa

Música de Suso Saíz

Actuaron Luis Ciges, Silvia Casanova, Pablo Pinedo, Javier Aller, Emilio Gaviera, Janfri Topera, Germán Montaner, Carlos Soto y varios extras que igual hicieron bien la pega...

Cabezas Huecas (1994)... La revindicación de los rockeros...

En una batalla entre Lemmy y Dios, ¿quién ganaría?

Hay ciertas películas que se encargan de rescatar y revindicar a ciertos grupos minoritarios, ridiculizados y/o despreciados por el mainstream. En el caso de rock, si no es un documental que relaciona a las estrellas del negocio con drogas, sexo y alcohol, se trata de una que otra biografía decente o rockeros retratados como imbéciles violentos, drogos, motoqueros sin talento, personajes perdidos en un sueño imposible y bien remojado en cerveza y whisky. Bueno, algo de eso hay de todas formas en Cabezas Huecas, aunque en un decente tono de comedia gringa.

Chazz (Brendan Fraser), Rex (Steve Buscemi) y Pip (Adam Sandler) son los miembros de una banda llamada ridículamente Los Llaneros Solitarios. Buscan promocionar su primer single llamado "Degenerated" y para eso tratan de contactar a Jimmy Wing (Judd Nelson), el poderoso dueño de Palatine Records, sin éxito. Así las cosas, no se les ocurre mejor idea que tomar armas de juguete cargadas con salsa de pimienta e irrumpir en KPPX-FM Rebel Radio, la única emisora rock de la ciudad, con la intención de amenazar a sus trabajadores, tocar el demo y salir. Un trabajo rápido y sencillo que los ayudará a llegar al estrellato. Pero las cosas se complican cuando la cinta se arruina y aquella inocente irrupción es confundida con un secuestro con rehenes, lo que desencadena el resto de la cinta con todas las cómicas (y no tan cómicas) situaciones que se suceden.

Hay que decir que Cabezas Huecas no es una gran cinta, ni siquiera una gran comedia, pero cumple con el objetivo de sacar un par de sinceras carcajadas sin abusar del humor grosero y grotesco, si no más de situaciones y personajes estereotipados, entre los que destacan varios comediantes que pasaron por el legendario Saturday Night Live, varios cameos a famosos (incluyendo a Lemmy y White Zombie, y Mike Judge haciendo las voces de Beavis y Butt Head en un divertido llamado tele´fonico) y una decente banda sonora con harta guitarra eléctrica.

Y claro, como uno es medio rockero, claro que se alinea por la película y sus personajes porque hasta cierto punto, es lo que a uno le hubiera gustado hacer en algún momento de la vida y ahí esta el jugueteo constante de la película con el deseo irrefrenable de fama y reconocimiento que sacude las ansias de Los Llaneros Solitarios, inmersos rápidamente en un sistema que apuesta por el consumo rápido, la música masticable, la venta de imagen por sobre calidad... un sistema que los chicos de la banda combaten con sus escasas armas, pocas pero férreas convicciones y un espíritu de adolescente eterno que se hace entrañable.

A eso, hay que sumar los chistes relativos a la música y sus íconos y la añoranza por el espíritu rockero original que recorre todo el metraje, sin contar con la participación de Joe Mantegna como Ian The Shark, el DJ de Radio Rebel cuya alicaida pasión es levantada por Los Llaneros Solitarios, mientras los malentendidos y el caos se desarrollan en torno a ellos, llevando a un desenlace predecible, pero no por eso menos crítico del negocio musical. Y por ahí va el valor de esta peli que, sin mayores pretensiones, se hace querer y deja más de un mensajito dando vueltas por ahí al ritmo aguardentoso de "Born to Raise Hell" en la voz inmejorablemente carreteada de Lemmy... Con eso, un rockero ya se siente pagado...

LA PELICULA

Cabezas Huecas

(Airheads)

1994

92 minutos

Dirigió Michael Lehmann

Escribió Rich Wilkes

Produjeron Mark Burg y Robert Simmonds

Fotografía de John Schwartzmann

Editó Stephen Semel

Música de Carter Burwell

Actuaron Brendan Fraser, Steve Buscemi, Adam Sandler, Joe Mantegna, Amy Locane, Michael McKean, Nina Siemaszko, Ernie Hudson, Chris Farley, Judd Nelson, David Arquette, Michael Richards y un montón de extras rockeros...

Cinema Inferno: REC

Horror, Terror, Gore..pero a lo Dogma

Título original : REC
Año: 2007
Dirigida por: Paco Plaza y Jaume Balagueró
Escrita por: Paco Plaza, Jaume Balagueró y Luis Berdejo
Elenco: Manuela Velasco, 3 chinos, un viejo argentino, una vieja histerica, 2 bomberos, 2 pacos, un doctor, un enfermero, dos abuelos, una colombina, una sorpresa al finaly un camarógrafo con cámara

Hace rato que tenía ganas de hablar de esta película, pero mi socio omnipresnete había dejado como chaleco de mono a su remake gringo, que de hecho es un bodrio...así que decidí esperar un poco como para desmarcarme de ese comentario pero, se me anduvo pasando el tiempo, me cayó trabajo, mudanzas y otras cosas y llevo casi dos meses sin escribir!

Podría partir diciendo que es una muy buena película de terror, que viene de España, qu efue un éxito internacional y que, lamenteblemente para los amantes del género y afortunadamente para los dueños de los derechos de la película, fue rehecha en Gringolandia de mala forma. Pero, me quiero detener en el hecho que sea española.

Cinematográficamente Chile y España tienen ciertas similitudes respecto al cine, más allá del lenguaje. en la madre patria hubo una dictadura extensa que afectó a las artes y la cultura popular, por supuesto, cuando esta acabó comenzó el "Destape" o la "Movida" española, de los cuales el niño símbolo es Pedro Almodovar y varios más salidos de esos años reprimidos yq eu necesitaban gritar a los cuatro vientos que tenían historias que contar, algo muy similar a lo que surgió acá en Chile. Con el tiempo el cine español logró levantar su calidad artística obteniendo premios internacionales y lo más importante, obteniendo el beneplácito del publico, similar a lo que ocurrió en Chile. Lamentablemente el romance del público español con su cine comenzó a acabarse y las producciones locales comenzaron a arrojar números rojos, el número de producciones comenzó a decaer y se empezaron a hacer películas de fácil consumo y dudosa calidad...tal como está ocurriendo en Chile hoy.

Pero, Julio Fernandez, un mexicano buen ojo paa los negocios que tenía una compañia cinematográfica de poca monta en USA decidió abrir una franquicia en España y decidió aportar por el cine de género y para eso llamó a un tipo que no solo sabe de cine de horror, sino que trabajó en Hollywood, además de hablar perfecto castellano, el ciudadano del mundo Brian Yuzna. Este hombre, de padre militar, ha viajado por todo el mundo en su infancia de base en base norteamericana y fue estudiando cine, luego de hacer algunas películas de terror de viejo cuño y tener affaires con el cine industrial (escribió películas para Disney) se ha dedicado a levantar industrias cinematográficas como en Filipinas, Indonesia y por supuesto, España con una sola fórmula. Películas de miedo y franquicias tributarias.
En la Madre Patria se encontró con que existía la tecnología, los conocimientos técnicos, personal capacitado y mucho talento así que decidió traer actores y hasta directores norteamericanos. Con eso empezaron a producir y filmar en ingles, en España con el apoyo del gobierno, punto que el mismo Brian Yuzna destaca en una carta que le envió a mi amigo personal Patricio Valladares, director de Currículum.
"No se puede iniciar una industria cinematográfica sin el apoyo del gobierno locla, pero tampoco se puede hacer películas sin proyección comercial internacional" ...O algo más o menos así.
De esa época nacen películas como El Maquinista de Brad Anderson, Darkness de Jaume Balagueró, Romasanta de Paco Plaza, Los sin nombre de Jaume Balagueróy un laaargo etc. Resultado, el cine español logró inflar sus alicaídas arcas, Filmax se pudrió en dinero y en España empezaron a lanzar dinero a producciones como Promedio Rojo de Nicolás López y..uf..Santos.
La guinda de la torta de Filmax es REC, para ello reunió a dos de sus directores más exitosos, Plaza y Balagueró, toma la versión de los zombies de Danny Boyle en 28 días después y en una ingeniosa puesta en escena creó una película escalofriante.

Ángela Vidal, es una periodista aburrida en una estación de bomberos con su camarógrafo en espera de una noticia cuando reciben el llamado de una emergencia menor, una persona atrapada en su departamento, llegan al edificio y la mujer en un estado alterado, ataca a un policía y lo deja herido, pradójicamente, al intentar salir las autoridades han aislado el edificio y nadie puede abandonar el edificio, de ahí comienza la tensión a subir minuto a minuto, hasta un climax de verdad escalofriante. Lo mejor es la puesta en escena, para ello se utiliza el truco de la cámara de prensa y un camarógrafo que nunca sale en pantalla, simulando realidad (afírmate Matías Bize) y otras argucias interesantes, como el hecho de que Ángela es interpretada por una más o menos conocida notera española y su instrucción era reaccionar como si estuviera de verdad haciendo una nota y en muchas situaciones a algunos actores se le daban indicaciones de lo que iba a suceder y a otros no, así que muchas reacciones son improvisadas o naturales.
La promoción de la película también es notables, más que mostrar lo mejor de la peli, se dedicaron a mostrar las reacciones del público presente..resultado. Un éxito de premios en festivales epecializados y un éxito de público.
Háganse el ánimo de ver una película tensa, claustrofóbica y atemorizante pero por sobre todo, una muy buena película de terror, con hartos sustos y sobresaltos, si no me creen vean esto,

Dr. Strangelove (1964)... A estas alturas, la bomba atómica vale hongo

Kubrick fue y es un maestro. Sí, algunos lo negarán, pero por lo menos a mí no me cabe duda que el viejo Stan tomó lo mejor de los grandes anteriores a él, le puso su cuota notoriamente personal, y de esa mezcla, logró por lo menos, un par de obras maestras.

Desde mi punto de vista, la peli que ahora comento no es una de las que los críticos catalogarán como la cúspide de Stan, pero tiene su gracia. El título original de esta peli es Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb. Largo y divertido, en una época oscura y conflictiva que en lo personal, comparo con el periodo de la Inquisicón. Y hasta fue peor. Si ustedes mal no recuerdan, en los años 50, el paranoico senador McCarthy encabezó un comité para descubrir a los "comunistas infitrados", en especial en el mundo del cine. El señor Kubrick, como venía de Inglaterra, rescató a varios de ellos para hacer sus películas. Y le fue rebien.

Hasta donde yo sé, esta es la única película en tono de comedia que ha hecho Stan. Y lo hizo bastante bien, con el apoyo de un guión sólido y las geniales interpretaciones de Peter Sellers. Sí, porque este compadre se manda tres papeles principales y en cada uno, luce irreconocible. Pero para eso, mejor contar un poquito de la historia.

Plena Guerra Fría. Cuertel gringo con general a la cabeza demasiado mesiánico, onda Bush (padre o hijo, da igual). Sterling Hayden es este personaje cuyo nombre ya es para la risa: Jack. D. Ripper. El tipo es un paranoico redomado que ante la más mínima alerta de ataque, desencadena una ofesiva en masa contra la Unión Soviética. Mientras los bombarderos vuelan, el pobre oficial Mandrake (Sellers) trata de volver a sus casillas al general, pero es casi imposible. En tanto, el Presidente de Estados Unidos, Merkin Muffley (otra vez Sellers) se reúne con el Alto Mando en una base subterránea en busca de una solución al conflicto que parece llegar de la mano del Doctor Strangelove (otra vez, Sellers), un científico de pasado nazi que hace de guardián consejero.

En tanto, los aviones atacantes son detenidos a excepción de uno cuyo sistema de radio fue jodido por un misil. Por lo tanto, sigue su fatídico rumbo cargando una bomba atómica en contra del enemigo imaginario...

Las tres historias paralelas se desarrollan con total aromonía. Sellers aquí, demuestra ser el tremendo actor tantas veces despreciado por los críticos, representando tres importantes y a la vez, diferentes roles, en especial el de Stragelove con su pasado nazi, brindando algunos de los momentos más hilarantes de esta peli. Pero también tenemos a Slim Pickens como el comandante del avión gringo perdido, el mismo gordito que muchos han visto montando la bomba "H" como un tejano arriba de un caballo encabritado... Otra de las escenas memorables que Kubrick nos dejó de esta peli.

Y hay más. El salón subterráneo en donde se reúne el presidente son sus colaboradores ha sido repetido e imitado hasta el hartazgo. El belicoso General Turgidson ha sido repetido y parodiado hasta el hartazgo debido a sus ansias destructivas y mínimamente éticas (APLAUSOS para George C. Scott por este rol), mientras el Doctor Strangelove lucha, en su silla de rudas, por no levantar su brazo en señal de saludo a Hitler...

En esta peli, Kubrick hizo maravillas para la época. Se despachó una peli antibélica cuando el mundo estaba al borde de una guerra. Se rió de todos los bandos en cuestión sin asco, pero sin faltar el respeto. Logró que un actorazo como Peter Sellers diera un paso más allá (o quizás varios). Se mandó un pedazo de película antibélica que hasta hoy, tiene un valor único...

LA PELICULA

Doctor Strangelove

(Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb)

Por ahí también se llama "¿Teléfono Rojo?... Volamos a Moscú"

1964

94 minutos

Dirigió y produjo Stanley Kubrick

Escribieron Stanley Kubrick y Terry Southern sobre la novela de Peter George

Fotografía de Gilbert Taylor

Editó Anthony Harvey

Música de Laurie Johnson

Actuaron, Peter Sellers, Peter Sellers, Peter Sellers, Sterling Hayden, Slim Pickens... y todos los demás...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Andrei Rublev (1966)

Me costó decidirme no sólo por cuál película de Andrei Tarkovsky incluir primero en este blog, si no que también por empezar a hablar del mismo Tarkovsky, un tipo que a pesar de la censura soviética en tiempos de la Guerra Fría y de la falta de recursos para producir sus películas, se las arregló para crear algunas de las cintas más memorables de la historia del cine.

Su carrera la empezó con La Infancia de Iván (1962) que dejó la tendalá en Cannes y que lo puso bajo la férrea y tiránica mirada de las autoridades soviéticas que, en cierta forma, le hicieron la vida imposible desde ese entonces, cortándole fondos, obigando nuevos cortes más ad-hoc a lo que el Kremlin quería mostrar al resto del mundo. De hecho, Andrei Rublev, la cinta que nos convoca en esta ocasión, fue exhibida en Cannes el año 67, pero a la hora del níspero para que el jurado no pudiera verla y así, pasar inadvertida, aunque a pesar de estas medidas, la peli se ganó el Premio de Crítica ese año. Sólo el 71 tuvo distribución internacional después que el gobierno le metió mano y obligó una nueva edición, ganando otros tantos premios en varios festivales europeos.

Tarkovsky es un poeta de las imágenes, un simbolista etéreo que instauró escuela. Si se hace un listado de los mejores cineastas de todos los tiempos, de seguro Tarkovsky estaría siempre entre los primeros diez. Amigo de los planos secuencia de larga duración, de oscuros juegos fotográficos, de guiones enrollados y extremadamente cuidadoso al momento de hacer cada cuadro, sus obras resultan un deleite para el paladar cinéfilo de inicio a fin, tanto por el tratamiento visual como por la poética inherente a cada uno de sus diálogos, elementos que mantuvo con firmeza a lo largo de toda su obra en la que destacan JOYAS (sí, con mayúsculas) como Solaris (1972), Stalker (1979) y El Sacrificio (1986), estrenada el mismo año de su deceso.

En Andrei Rublev relata de forma bastante particular y personal, los momentos culminantes de la vida de este poco conocido monje-artista del siglo XIV. Desde su infancia hasta su muerte, Tarkovsky nos sumerge con mucho cuidado en la vida de este genio de los vitrales que recorrió gran parte de Rusia no sólo desarrollando su arte, si no que también compartiendo e incrementando sus conocimientos religiosos. Pero no es una biografía a secas. Tarkovsky rescata sólo los momentos más relevantes: la turbia relación con su maestro, su relación con la gente, su contribución a la decoración de la catedral de la Asunción y otros momentos más íntimos y místicos. Filmada en cuidadoso blanco y negro, el espectador se llevará una agradable sorpresa al momento de develar en color el trabajo vitralístico de Rublev...

A través de estos pasajes, conocemos a Rublev, su pasión, su trabajo, sus dudas. También conocemos el mundo oscurantista que lo rodea y el paisaje rural de todo un país. Las pinceladas de Tarkovsky son fuertes y a la vez tenues, y cada escena rodea a Rublev con misericordia u opresión de acuerdo a cada etapa de su vida, convirtiendo el metraje de la peli en una alucinante muestra de buen cine y envidiable tratamiento de la imagen, el tiempo y el espacio fílmico.

Un manjar. Lástima que no sea tan fácil de conseguir, pero vale la pena hacer el esfuerzo. Les dejo un pedacito de la peli aquí para que se tienten...

LA PELICULA

Andrei Rublev

(Андрей Рублёв)

1966

186 minutos (el corte original era de 205 minutos)

Dirigió Andrei Tarkovsky

Produjo Tamara Ogorodnikova

Escribieron Andrei Tarkovsky y Andrei Konchalovsky

Fotografía de Vadim Yusov

Música de Svyatcheslav Ovchinnikov

Actuaron Anatoli Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Irma Rausch, Nikolai Burlyayev y un montón de extras rusos...

TARDES EN EL REX: El Regreso de los Muertos Vivientes (1985)

"Al parecer, duele mucho estar muerto..."

Cuando quisimos ir a ver esta peli a los cines de Chilefilms (léase Gran Vía y Colón), no nos dejaron entrar. Claro, se suponía que El Regreso de los Muertos Vivientes era muy gore y fuerte para un montón de pendejos que, por cierto, estábamos sedientos de películas pertenecientes a tan denostado género. Así que como en tantas otras ocasiones, tuvimos que esperar como seis meses para que llegara al Cine Rex.

Ya habíamos deglutido películas similares, partiendo por las obras primeras de Jackson y Raimi y otras tantas que andaban dando vueltas por ahí o que algún conocido traía de Santiago: mucho terror italiano y otras joyitas como El Vengador Tóxico (Kaufman y Herz, 1984) y por supuesto, un par de cosas de Hopper y Craven. Pero El Regreso... tiene sus gracias. Y muchas.

En primer lugar, la dirección y el guión están a cargo del, a estas alturas, "cult" Dan O'Bannon, el cerebro (como director y/o guionista y/o productor) detrás de Alien, Dark Star, Total Recall, The Resurrected, Lifeforce y parte de Heavy Metal. Un genio tan creativo como aberrante que de seguro será recordado por los fanáticos del cine más asiduos al género B, al Z y a las rarezas del Séptimo Arte. En esta ocasión, convierte La Noche de los Muertos Vivientes de George Romero en un hecho verídico a través del relato de un viejo encargado de farmacia de Louisville. Frank (James Karen) le asegura a su saltamontes Freddy (Thom Matthews) que la toxina Trioxin existe, que fue ocupada con nefastos resultados por el ejército y que en base a esos hechos es que Romero hizo el film. Para demostrar que dice la verdad, lo lleva a la bodega de la farmacia donde hay algunos contenedores en cuyo interior, vemos un par de muertos congelados. El problema es que para comprobar la resistencia de los tarros, Frank los golpea y libera la toxina que lo contamina a él y a Freddy y que se mezcla con la atmósfera hasta llegar a las nubes y volver a la tierra en forma de lluvia, reviviendo a todos los muertos del cementerio.

El sheriff del pueblo, la novia de Freddy, un lote de punketas y el encargado de la morgue serán los protagonistas de esta nueva paranoia en la que los muertos vivientes buscarán alimentarse de cerebro de los vivos, en medio de soberbias dosis de humor negro, la constante oscuridad de la ciudad asolada por hordas de zombies muy bien logrados y una notable agilidad en la edición y el guión. Nada que criticarle a los notables efectos especiales que logran convencer hasta al espectador más inmutable y que se despacha una secuencia de antología cuando los acosados vivos logran entrevistar a un muerto vivo luego de capturarlo. Memorable.

Una tremenda película B, imperdible por donde se la mire. Además, posee una genial banda sonora a cargo de algunos monstruos del punk como The Cramps, Damned y SSQ. Otra razón más para conseguirte esta joyita ochentera, un verdadero festín de sangre, tallas pesadas, pequeños homenajes a las grandes antecesoras del género y muchos, muchos muertos...

LA PELICULA

El Regreso de los Muertos Vivientes

(The Return of the Living Dead)

1985

91 minutos

Dirigió y escribió Dan O'Bannon (basado en una historia original de Rudy Ricci, John A. Russo y Russell Steiner)

Produjeron Tom Fox y Graham Henderson

Fotografía de Jules Brenner

Editó Robert Gordon

Música de Matt Clifford y Francis Haines

Actuaron Clu Gulagher, James Karen, Don Calfa, Thom Matthews, Miguel A. Nuñez Jr., Beverly Randolph, Jewel Shepard, John Philbin, Brian Peck, Linnea Quigley, John Venturini y un montín de zombies muy asquerosos...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: El Rey de Nueva York (1990)

Para muchos, puede que Woody Allen sea el cineasta neoyorkino por excelencia. Quizás lo es, pero del lado de Manhattan, porque Ferrara es el cineasta neoyorkino por excelencia, pero del lado del Bronx.

Ferrara se ha convertido en un director de culto con el paso de los años y a pesar de sus altibajos, la verdad es que sus obras mayores son tan contundentes que uno se olvida fácilmente de sus fiascos, que generalmente han sido aquellos en los que ha contado con más presupuesto. Cuando hace de las suyas junto a su equipo regular (donde destaca el guionista Nicholas St. John) y con pocos dólares en el bolsillo, es cuando Ferrara la rompe.

Para eso, tenemos como ejemplo la turbia The Driller Killer (1979), su debut como largometrajista. Más adaelante, asombraría al contado público que disfruta de sus obras con monumentos como Ms. 45 (1981), China Girl (1987), Bad Lieutenant (1992), The Funeral (1996), New Rose Hotel (1998) y Go Go Tales (2007), además de otras joyitas por ahí y un par de programas de televisión, incluso en colaboración con Michael Mann, siempre acopañado por algunos de sus actores fetiche (Christopher Walken, Willam Dafoe, Forest Withaker y Matthew Modine, entre otros) y tocando los temas con los que se siente más cómodo. la mafia, el juego, la venganza, el poder del dinero, la traición, la lealtad, la redención y la muerte.

El Rey de Nueva York es el mejor y más logrado ejemplo de lo que pasa por la mente de Ferrara. Hasta hoy, aún de culto y alabada por la crítica y el público que se enamoró del cine del viejo Abel. Aquí, nos encontramos con Frankie White (Christopher Walken en una performance memorable), un mafioso que viene saliendo de la cana para rehacer su vida, incluso con intenciones de dejar atrás su pasado delictual y dedicarse a la política. Entre reencuentros con sus compinches, abogados y media docena de amantes, el bueno de Frankie esboza un plan para acabar con la competencia, hacerse unos buenos morlacos y convertirse en un hombre de bien, aunque eso requiera cometer una serie de violentos y brutales crímenes, al mismo tiempo que dos policías a los que les gusta jugar fuera de la ley (David Caruso y Wesley Snipes), le siguen muy de cerca cada paso.

No voy a ahondar más en la trama que, por supuesto, es más oscuro y turbia que la mente retorcida de Spiniak. Se trata de un film atrapante, muy cercano a los parámetros de los mejores films noir de la época dorada, con personajes brillantemente interpretados, entre otros, por Laurence Fishburne y Steve Buscemi. Una puesta en escena decadente que nos devela una ciudad tan grande como grotesca, siempre mal iluminada y en donde la traición está instalada en cada esquina. Walken se muestra perfecto como un mafioso que busca la redención de una manera bastante particular, pero redención al fin y al cabo, un camino del que conocemos el final desde los primeros minutos de la cinta, pero que esperamos ocurra algo que cambie el destino nefasto de un protagonista cruel, salvaje y calculador, pero aún así entrañable. Un film mayor que no hace concesiones con la pureza del alma ni con las buenas intenciones y que despliega una serie de personajes ambiguos, llenos de rabia y codicia, en medio de una atmósfera decadente y gélidamente infernal.

De verdad, una tremeda película que todo fanático del cine debe ver en algún momento de su vida. La obra cumbre de Abel Ferrara que lamentablemente, no es conocida por muchos. Por eso los invito a conseguírsela de alguna manera y disfrutar y sufrir de una de las mejores películas de mafia que puedan encontrar y por supuesto, de una de las mejores actuaciones del gran Christopher Walken que, en la secuencia final de El Rey de Nueva York, se luce al punto de sacar lágrimas... Un manjar...

LA PELICULA

El Rey de Nueva York

(King of New York)

1990

106 minutos

Dirigió Abel Ferrara

Produjeron Augusto Caminito y Mary Kane

Escribió Nicholas St. John

Fotografía de Bojan Bazelli

Editó Anthony Redman

Música de Joe Della

Actuaron (y cómo actuaron!) Christopher Walken, Victor Argo, Janet Julian, Laurence Fishburne, Steve Buscemi, David Caruso, Wesley Snipes, Paul Calderon, Harold Perrineau, Giancarlo Esposito, Theresa Randle, entre otros...