Entrevista a Jorge Campos, bajista nacional:

"La música en Chile está en estado de coma"

Parece que estaremos musicales esta semana, porque aquí, recién salida del horno y gracias a la magia de la internet, tenemos el orgullo de entregarles esta entrevista con el destacado bajista nacional JORGE CAMPOS, considerado uno de los mejores músicos chilenos a nivel latinoamericano y en cuyo historial se destaca la participación en bandas como Fulano, Congreso y Santiago del Nuevo Extremo, además de una interesante carrera solista y varios side projects que está desarrollando en Chile y el extranjero, convertido en todo un ciudadano del mundo...

Aquí les dejo algunas de sus apreciaciones, vivencias y comentarios que espero, disfruten a concho...

-Tengo entendido que estás en viviendo en Canadá, pero que constantes giras te llevan a diversos lugares del continente, de hecho vienes llegando de México. Después de tantos años creando y tocando, ¿en qué etapa de tu vida como músico te encuentras?

En realidad no estoy viviendo en ningun lugar especifico. He hecho residencias en Toronto y en México, en Querétaro y en el DF. En este momento estoy en Europa, y básicamente he trabajado en generar un circuito para mi música y establecer un vínculo más directo con diferentes personas con las que voy a colaborar en el futuro: endorsers, agentes, músicos, sellos, managers...

-Cuéntame del viaje de Jorge Campos Kuartet a Europa: Cómo nació, dónde tocarán, cuáles son sus objetivos..
Esta Gira a Europa, es un proyecto en el que he estado trabajando durante mucho tiempo, y tiene que ver precisamente con lo comentado anteriormente, tocar en la mayor cantidad de lugares posibles y establecer un vínculo directo con el público de diferentes países en los que mi música pueda difundirse. Mis discos Machi y La Ausencia de lo Sagrado estan distribuidos en Europa por Musea; esto se consiguió a traves de la edición que hice con Luna Negra de México, es decir, toda la red que estoy estableciendo está conectada de una u otra forma. Otro objetivo importante de mi visita a Europa son las reuniones que tuve en Alemania para finiquitar el diseño de mi nuevo bajo eléctrico, con Warwick, la compañía que me patrocina, y agendar un plan de actividades principalmente de promoción y clínicas para el 2008.

-¿En qué están Araukania Kuintet y Global Evasión, tus side projects?
Araukania esta hibernando, por ahora no hay ningún proyecto concreto. Entiendo que hay planes para terminar el segundo disco y editarlo. Este se grabó en la Gira por Italia del 2005. Global Evasión edita su disco en vivo en Noviembre del 2007 y en Enero del 2008 se hará el lanzamiento en Chile.

-Escuchando tu más reciente disco solista, La Ausencia de lo Sagrado, se perciben varios cambios en relación a tu anterior álbum, Machi. Cuéntame cuál fue el proceso creativo de La Ausencia y en qué te inspiraste para hacerlo.

La Ausencia de lo Sagrado es un trabajo en el que reuní todos los estilos musicales que he trabajado a través de mi carrera como compositor, canciones, experimentación y rock progresivo; es un disco exuberante por eso mismo y está reflejada tambien en la idea de reunir músicos que aportaran en la construcción de la música, cosa que no hice en Machi, ya que ahí la idea era darle protagonismo a los diferentes bajos que uso, y experimentar con ellos.

La Ausencia de lo Sagrado se refiere a una idea de insistir en la creación y el arte como un medio potente para estimular la reflexión acerca de nuestra sociedad y de su carencia espiritual y al peligroso doble estándar de los políticos en relación al medio ambiente. Le debo el nombre del disco a Pablo Alibaud quien me regalo libro de Jerry Mander y que recomiendo, por cierto...

-Actulamente, muchos críticos y fanáticos consideran a Fulano como la mejor banda fusión de Chile y una de las más destacadas a nivel latinoamericano. Desde tu punto de vista, ¿cuál crees que es legado de Fulano para la música nacional y latinoamericana?
Difícil pregunta... Fulano desarrolló su musica en una epoca difícil de la historia de Chile, así es que inevitablemente, cuando estábamos en la búsqueda del sonido de la banda y componíamos , creo yo, en forma paralela quisimos establecer nuestro punto de vista, involucrándonos en esa realidad dura y dolorosa de la dictadura. La música sin duda fue nuestro refugio y se advierte en la temática de la banda ese acento irreverente, sarcástico y crítico del momento en el que estábamos.

Con el tiempo, me parece que la musica trascendió esto y se liberó del tema político, y ese puede ser uno de los méritos más importantes de la banda, el haber creado un sonido propio, intenso y demandante, pero sin duda una de las sonoridades más novedosas de las ultimas décadas de la música chilena.

-¿Qué recuerdos y/o experiencias tienes de tu paso por Santiago del Nuevo Extremo y Congreso?

En Santiago del Nuevo Extremo crecí como músico y compositor, puedo decir con certeza que es el origen de todo mi trabajo musical, y tambien siento un orgullo tremendo haber compartido con Luis Lebert y Pedro Villagra esa época, tambien muy difícil, pero valiente, y comprometida. Siento que aún es desconocido el trabajo que hicimos en 3 discos, sólo se conoce el primero, pero en Hasta Encontrarnos y Barricadas hay un material muy bueno y de un desarrollo muy potente para ese tiempo.

De Congreso, solo puedo decir que estuve 20 años, y que fue una buena experiencia.

-Como este es un blog de cine y música, esta pregunta es inevitable, ¿te imaginas a Jorge Campos haciendo música de películas? ¿Está dentro de tus proyecciones o sueños aún no realizados o es un tema que no te precupa?

He trabajado algunos proyectos, hice la música de un par de cortometrajes de animación con Pablo Basualto y con Pablo Alibaud, todos con sendos primeros premios en festivales, y en el primer trabajo fílmico de Quercia tambien hice algunos temas.

Sí me gustaría trabajar una música de película con más recursos, con gran orquesta, pero en Chile eso es imposible.

-Desde tu perspectiva, ¿en qué estado se encuentra la música en Chile?
En estado de coma.

-¿Qué opinión te merecen las bandas chilenas que están haciendo música que no es precisamente comercial, como Akinetón Retard, La Desooorden, Sarax o Exsimio?

Conozco de cerca todos esos proyectos y obviamente, creo que hay allí una propuesta, un interés por realizar una música propia y dogmática, apartada del sistema, una música cercana al estado de arte, y eso es lo valioso de ellos.

-Después de este viaje a Europa, ¿cuáles son los próximos proyectos de Jorge Campos?

Voy a Chile en Enero, a lanzar 3 discos: el de mi Kuarteto en vivo en la ex Cárcel de Valparaíso, grabado en mi gira Bajos y Tambores 2006, el disco de Global Evasión en vivo, y el disco Indian Andean.

Continuare tocando en el Sur y en el Norte de Chile por primera vez mis proyectos solista. Y comenzare la producción de mi quinto disco solista, con el nuevo bajo eléctrico que diseñé y que Warwick me entregará en un par de meses.

Más info de Jorge en

www.eltemplo.cl/html/eng/biografia.htm

www.myspace.com/jorgecamposproject

http://www.graficanimada.cl/gira/gira.htm

www.warwick.de

666 Razones para no escuchar Reggetón

IRON MAIDEN
A MATTER OF LIFE AND DEATH
2006

Para los fanáticos de Maiden este es un álbum hecho a la medida, tiene todo lo que todos los buenos álbumes de Maiden siempre tuvieron: La colorida carátula mostrando el concepto de horrores en los cuales se basarán las canciones, en este caso los horrores de una guerra, tiene las 10 canciones potentes como un himno, las letras grandilocuentes, el tremendo bajo de Steve Harris, la insuperable voz de Dickinson, en suma, todo el estilo de la doncella de hierro, sin embargo es muy distinto a cualquier otro álbum de Maiden.
No es que de pronto estuvieran tratando de reinventarse como banda, simplemente llegaron a un punto evolutivo musical en el que las variaciones de los temas que siempre tocaron se agotan y empiezan a pulir sus viejas herramientas y dan cortes cada vez más finos.
Pero lo que le pasó a Maiden es la envidia de cualquier banda, como todo grupo tuvo un inicio modesto, con algunas formaciones mejores que otras, tuvieron su epítome musical y de popularidad a fines de los 80's y luego vino un declive en el que hubo cambio de vocalistas, migraciones a otras bandas, proyectos en solitario y una no muy buena década de los 90 que veía como el rock pasaba a manos de tipos melancólicos que no se quejaban de los horrores del mundo sino que se quejaban por quejarse, si señores el grunge casi mata el heavy metal, pero el metal puede que se corroa pero con un poco de abrasivo vuelve a brillar. En el caso de maiden, esto ocurrió con A Brave New World, 2000. El álbum reencuentro que juntó a lo que se podría denominar como la selección de las mejores formaciones de la banda, el Iron Maiden All Stars, si incluso se dieron el lujo de poner 3 guitarras sonando al unísono, solo años de tocar juntos lograron que en vez de una cacofonía distorsionada la banda sonara casi como una orquesta filarmónica (guardando las proporciones) con un sonido profundo que se acoplaba a la perfección con el estilo propio de la banda.
Pero bueno, no todo fue miel sobre hojuelas y su siguiente trabajo The Dance of Death, 2003 no estuvo a la altura del anterior trabajo, si hasta la carátula no era buena, con una ilustración digital de bajo nivel. Había que reivindicarse, tal como lo dice el título del álbum, era un asunto de vida y muerte, o satisfaces a tus fans o te mueres. Con este, su más nuevo álbum de estudio lo lograron y con la fórmula más sencilla. Hicieron lo mismo de siempre pero, distinto.
Es decir, la carátula es igual de siempre, pero ahora Eddie no es el centro de la imagen sino un tanque. El bajo de Steve Harris siempre ha sido increíble, pero ahora no se devora las canciones, le devuelve el protagonismo a la melodía y las guitarras. La voz de Dickinson deja de sonar perfectamente aguda en notas largas e interminables, como es la costumbre en lo que un amigo atinadamente llama el rock eunuco; ahora raspa, duele, sufre e incluso desentona en desmedro de una interpretación más humana, llegando a producir una gama de emociones que nunca antes estuvieron en los temas de Maiden. Y para que hablar de la temática, ya no hay mosntruos asolandote en la oscuridad o demonios destruyendo la humanidad (bueno si..en un solo tema The Legacy) ahora se habla de sol, de luz, de el buen Dios, del dolor, de ver el mundo de una forma diferente y por supuesto, de la guerra, el motor de este álbum.
Musicalmente el sonido es impecable, las 3 guitarras disparan su artillería con precisión aunque sin la vertiginosidad de antaño, es decir, ya no es un batallón de metralletas sino un escuadrón de francotiradores. El ritmo y el tempo es mucho más Sabathiano que todos sus trabajos anteriores, aunque en algunas partes el fondo de la garganta siente el sabor del primer álbum de maiden (Iron Maiden, 1980), quizás el más experimental y vanguardista de todo el repertorio. Si hasta los singles promocionales los eligieron bien, la veloz, dinámica y potente A different World dejaba satisfechos a los seguidores de siempre, pero introducía la gran variación del álbum, una mirada optimista (esto en las líricas) de ver el mundo. En el lado B, algo muy B, The Riencarnation of Benjamin Breeg una especie de balada que suena poderosa y melancólica a la vez, en donde Dickinson muestra que ya no es el muchacho melenudo de antes sino un hombre con responsabilidades, tales como pilotear el avión que llevará a la banda de gira por todo el mundo. Como bajativo recomiendo ponerle atención a The Legacy, una obra épica muy al gusto de los antiguos metaleros pero, con una melodiosidad muy dulce y agradable para oídos neófitos, ideal para engrupirse a una pololita media gótica. con grandes contrastes como una guitarra acústica suave y una potencia de batallá medieval..al mismo tiempo, pero sin duda alguna que la totalidad del trabajo se disfruta escuchando el álbum completo.
En suma, una pieza que dajará felices a los más acérrimos seguidores de la doncella de hierro, pero que a la vez puede abrir el apetito de aquellos que buscan algo más refinado, algo así como una doncella de acero quirúrgico, más fino, mas liviano, pero a la larga. Metal!

El dato freak, en el lado inferior derecho de la carátula se puede ver a Mike Myers de la saga de películas "Halloween" muerto ante la marcha del tanque de Eward T. Head, Eddie para los amigos.

A Matter of Life and Death

La Banda: Steve Harris/ Bajo, Bruce Dickinson / Voz, Nicko McBrain/ percusión ; Adrian Smith, Janick Gers y Dave Murray / guitarras

1. Different World (Smith/Harris)
2. These Colours Don't Run
(Smith/Harris/Dickinson)
3. Brighter Than a Thousand Suns
(Smith/Harris/Dickinson)
4. The Pilgrim (Gers/Harris)
5. The Longest Day (Smith/Harris/Dickinson)
6. Out Of the Shadows (Dickinson/Harris)
7. The Reincarnation of Benjamin Breeg
(Murray/Harris)
8. For The Greater Good of God (Harris)
9. Lord Of Light (Smith/Harris/Dickinson)
10. The Legacy (Gers/Harris)

Haciendo click se puede escuchar un demo de cada tema


Rodrigo Muñoz Cazaux

Zidane, el Post Rock y 17 cámaras en un estadio...

Para comenzar con nuestra sección de bandas sonoras, escogí un documental estrenado el año pasado, titulado Zidane, A 21th Century Portrait de los realizadores Douglas Gordon y Philippe Parreno. Es un documental de esos que perfectamente podrían caer en la categoría de filmes no verbales pues se trata, sencillamente, de esto: 17 cámaras Super 35mm instaladas en el Estadio Santiago Bernabeu el 23 de abril de 2005, durante un partido del Real Madrid y el Villarreal. Las 17 cámaras tuvieron como misión seguir durante los 90 minutos de juego a Zinedine Zidane y nada más que a él. La edición del documental está hecha en tiempo real, por lo que durante una hora y media el espectador es testigo desde los más diversos ángulos de lo que Zizou hace dentro de la cancha, cuando tiene la pelota y cuando no, cuando reclama, cuando ríe, cuando piensa, cuando toma agua, cuando se apesta y manda todo a la mierda... Es más, hace un tiempo algunas imágenes de este docu aparecieron en la publicidad de una marca deportiva...

Pero eso es un detalle. Lo importate aquí es Zidane y cómo las cámaras dispuestas por Gordon y Parreno captan el "real game", cómo nos muestran las gracias y maravillas de Zidane, pero también sus momentos de calma, los pases fallidos, la euforia y el cansancio en imágenes, acompañadas por algunas pocas frases explicativas del gran jugador francés y por la música de la banda escocesa Mogwai, en su primera incursión en el ámbito audiovisual.

Los dejaré a ustedes decidir el valor del film: quizás es un fiel documento de un de los más grandes futbolistas de las últimas décadas; quizás sólo sea una especie de largo propagandista y apologético. Probablemente, a largo plazo, un poderoso documento histórico. Incluso, podría ser un desperdicio de celuloloide y tiempo... Lo que es a mí, se me figuró un relato bastante bien construido sobre la figura de Zidane en la cancha e incluso hasta en un manifiesto de cómo el soccer es parte de nuestro diario vivir...

Ahora bien, la segunda parte de este comentario va por el lado de la música. Desde hace un par de años que me he interesado bastante en un género musical propio del siglo XXI, denominado muchas veces Post Rock o Rock Experimental. Debo reconocer que Mogwai es una de mis bandas predilectas en este género, por la fuerza de sus composiciones (casi todas ellas instrumentales), la mayoría de ellas construidas sobre melodías simples y constantes y épicos crescendos. Cómo no mencionar discos maravillosos y de desatada nostalgia como Happy Songs for Happy People o uno de los más recientes de su discografía, el también oscuro y catártico Mr. Beast. Fue justamente después del lanzamiento de este disco que los chicos de Mogwai aceptaron hacer la banda sonora de Zidane, A 21th Century Portrait.

La gracia del disco es que funciona sin necesidad de la peli. Los chicos de Mogwai, sin dejar su estilo, se arriesgaron a construir música que reflejara los diversos momentos de los 90 minutos de juego de un modo más bien aletargado y triste, aunque no carente de momentos de epifánica emoción o bien, piezas oscuras y cargadas de guitarras saturadas. Un ejercicio que en este monento sólo puedo comparar con la bien lograda banda sonora de Friday Night Lights (otra peli de deportes, esta vez de ficción y sobre fútbol americano) de otra banda Post Rock, en este caso, Explosions in the Sky, aunque definitivamente creo que Mogwai sale mucho mejor parado de este desafío.

En fin, sea como sea, disfrute mucho más la banda sonora que el docu. Me parece que a los fanáticos del fútbol y en especial de Zidane, el docu les va a fascinar. Con respecto a la banda sonora, prepárense, por que es un verdadero viaje, muy condimentado y cambiante por lo demás. El docu, puede que lo encuentren en la red o si no, recurran a su tarjeta de crédito para importarlo (no tengo noticias de su estreno en el cable). El disco de Mogwai también pueden encontrarlo en la red y por último, si quieren escuchar otros temas de la banda como para hacerse una idea de la onda, les recomiendo www.progarchives.com donde hay varios mp3 del grupo para escuchar.

Saludos, humanos y de verdad, traten de chequear la música de Mogwai. No los defraudará.

FICHA TECNICA DEL DOCU

ZIDANE, A PORTRAIT OF THE 21st CENTURY

Francia/Islandia

Dirección y Guión: Douglas Gordon y Philippe Parreno

Imagen: Darius Khondji

Edición: Hervé Schneid

Mezcla de Sonido: Tom Johnson

Música Original: Mogwai

Producción: Anna Lena Films and Naflastrengir

Duración: 90 minutos

Estreno: 24 de mayo de 2006

FICHA TECNICA DEL ALBUM

Lista de temas

1. Black Spider (5:02)

2. Terrific Speech 2 (4:06)

3. Wake Up And Go Berserk (4:45)

4. Terrific Speech (4:45)

5. 7:25 (5:11)

6. Half Time (6:49)

7. I Do Have Weapons (4:15)

8. Time and a Half (5:56)

9. It Would Have Happened Anyway (2:34)

10. Black Spider 2 (4:12)

Total Time 49:35

La banda
-Stuart Braithwaite / guitarra

-Dominic Aitchison / bajo

-Martin Bulloch / batería

-John Cummings / guitarra

-Barry Burns / piano, guitarra, órgano

Info del disco
Editado por Wall Of Sound en el Reino Unido y PIAS a nivel internacional

CINEMA INFERNO: EVIL DEAD 2

¿Quién dijo que las segundas partes no eran buenas?

Titulo original:EVIL DEAD 2: DEAD BY DAWN
Año: 1987
Director: Sam Raimi
Escrita por: Sam Raimi / Scott Spiegel
Reparto: Bruce Campbell y sus amigos.

Bueno, en respuesta al requerimiento de nuestro único lector identificado!... acá va una reseña aa esta películita linda... mejor dicho rara.
Esta es una película rara desde su concepción y cuando digo "rara" no me refiero a que tiene demonios, zombies y eso... de hecho es lo único normal de la película.
Cuando Sam Raimi era un joven estudiante de cine, creó junto a sus amiguitos y compañeros un corto llamado Within the Woods que era básicamente un divertimento con el cual hicieron unas funciones privadas y pre-vendieron los derechos de lo que sería The Evil Dead. Una vez hecha esta pelicula, ciertos productores ávidos de buena mercancía le dijeron "loco, tu película está buena pero es como media amateur, así que haznos otra igual pero mejor". Raro, no creen?. Pero bueno, tomando mucho de The Evil Dead que se basa en Within the Woods y en otro corto del escritor Scott Spiegel llamado Attack of the Helping Hand. Se hizo esta película que es un remake/secuela de la primera. O sea, es un remake de su predecesora sacada de dos cortos estudiantiles!. Raro.
Pero que tiene de bueno esta película?, pues es simple, al ver esta película te asustas, te asqueas, te sorprendes y ries a carcajadas y todas esas sensaciones a veces en menos de 30 segundos!!! Al final no sabes si viste una película de horror, una comedia bufa o simplemente algo que estuvo un poco más allá de tu comprensión cinematográfica. Para quien tuviera un poquito de visión, podría ver que detrás de las cámaras había un tipo que sabía como sorprender en una época en que según muchos todo estaba hecho y solo quedaba esperar la inevitable muerte del cine en beneficio de la TV y el video. Sam Raimi hizo todo lo que el manual del buen cineasta decía que no se debía hacer, forzaba perspectivas, distorsionaba imágenes, introducía giros argumentales en un argumento minúsculo, utilizaba efectos de sonido grotescos y eso que la mezcla original era mono!, obligaba a los actores (en su mayoría aficionados y que después de esta película casi nunca más actuaron) a sobreactuar como verdaderos muñecos, exagerar la corporalidad y la gesticulación, además de las concebidos litros y litros de sangre putrefacta (falsa, por cierto) en un maquillaje que no tiene nada de realista pero si muy expresionista. El resultado: una pieza audiovisual más que destacable, una película entretenida y sorprendente que no deja a nadie indiferente.
Mal que mal este y otros trabajos (The Quick and the Dead, Un Plan Simple) fueron los pergaminos necesarios para que los grandes estudios le dijeran a Raimi "Compadre, aquí tiene 400 millones de dólares, haga Spider-Man 1, 2 y 3 ...y bueno, ya se viene la 4". Claro que con el tiempo nuestro amigo Sam se ha ido domesticando un poco, mal que mal tiene que dejar contento a los jefes y no escaparse con los tarros como lo hacía antes. Pero aún hay algo en las últimas películas de Raimi que aún tienen esa desfachatez y el buen manejo de un ritmo visual apocalíptico. Me gustaría destacar la secuencia donde los tentáculos del Doctor Octopus se festinan con el equipo médico de emergencia.
Volviendo a Evil Dead 2, lamentablemente, como muchas de las películas que aquí mencionaré, solo puede ser vista si uno tiene suerte de pillarla en el cable con la poco honrosa mención de "severamente editada para televisión" o bien en versiones pirateadas de dudosa calidad, aunque también puede darse el lujo de comprarla vía web con su gloriosa tarjeta de crédito o incluso, poder encontrar alguna escasa tienda que la tenga en buenas condiciones.
Haganme caso y veanla con una disposición "chacotera" se reirán, se asombrarán, se asquearán, se asustarán... aunque no sé en que orden ocurran dichas sensaciones.
Se viene el remake del remake... The Evil Dead esá anunaciada para el 2009, se basará en esta película y no en la anterior, escribe y produce Sam Raimi con su yunta Bruce Campbell en la producción... mención aparte el personaje de "Ash", un ícono de la cinefilia B. Tan amigos son con Sam Raimi que "Ash"incluso hace cameos en todas las películas que él hace, o que produce como la de sus otros amigos, los hermanos Coen (Fargo, Educando a Arizona, Barton Fink). Quién dirige este remake? aún no se sabe, algún rumor cochino decía que podía dirigirla Jorge "sangreterna" Olguín. Por favor, no... por el bien de una buena película... no.

Emocionarse o No: ¿Esa es la Cuestión?

Una de las preguntas más difíciles de responder –acaso imposible de manera tajante- a la hora de valorar una película, el ser o no ser, para algunos –para mí- del cine, es la siguiente: cuando entramos a una sala, ¿debemos esperar salir emocionados al final de la proyección, ya sea llorando, extasiados de esperanza o amor, aterrados, conmovidos o perturbados, o basta con que se nos narre un buen argumento servido de una prolijidad técnica que además permita que compenetremos con la historia de tal modo que la experiencia se convierta en un genuino divertimento, aunque exento de emoción?

Qué enredo, ¿no? En resumen: ¿qué le pedimos a una película? ¿Qué deberíamos pedirle? ¿Que emocione o que se conforme con entretener nada más? ¿Las dos cosas? ¿Qué sea un vehículo de denuncia social, acaso, sin importar que sea fome y fría? Quizás la única que descarto de plano es esta última, pues para denuncias a secas ya están las noticias (que, dicho sea de paso -¿como mal periodista que soy?-, no veo jamás, a menos que estén transmitiendo en un lugar público donde no me puedo abstraer de ellas: un escritor, no recuerdo cuál, contestó una vez que no mira las noticias, que el mundo está jodido, okey, pero que no le hace falta enterarse de cada uno de los detalles; además -agregaría yo-, de las cosas verdaderamente importantes uno se entera de todas formas, por angas o por mangas).

En fin. Pero a lo que iba. Un claro ejemplo de entretención pura y dura en el cine, y para ceñirme a la cartelera reciente, es Transformers. O, no sé, Una Pareja Explosiva 3 ¿Entretienen? Sí. La animación digital de los robots ochenteros es notable, el sonido igual. Es tan impresionante a nivel visual que resulta, al final, imposible añorar a los antiguos juguetitos con que me pasaba horas absorto hace años. Pero igual se te queda la boca abierta con ciertas escenas. Está bien, es una película para un público, en su mayoría, infantil, que no exige a lo mejor otra cosa que estímulos básicos (aunque no soy partidario de subestimar a los niños, cada vez más astutos). Pero ¿y la tercera parte (¡madre mía!) de Una Pareja Explosiva?: Una serie de gags a la altura de un Checho Hirane gringo hilvanados con patadas voladoras, más una trama en poco superior a una porno setentera, ¿hacen de esta propuesta una suma en el terreno cinematográfico? “Pero si lo pasé muy bien”, dirá buena parte de los espectadores. Bien, no tengo nada en contra de eso. Es más, defiendo la diversión por la diversión. Pero si voy al cine –yo al menos– no puedo dejar de sentirme un poco estafado si me inyectan un cóctel de estímulos de esta naturaleza, con la misma perdurabilidad en mí que el gusto que me deja zamparme una bolsa de papas fritas, lo cual no tiene nada de malo… a menos que te acostumbres tanto a ellas que ya no seas capaz de probar y, sobre todo, apreciar, otra cosa distinta. Ahí el riesgo.

Y todo esto para hablar de otras dos películas, muy distintas entre sí, que he visto recientemente: La Vida de los Otros, que en lugar de emocionarme, como esperaba, me entretuvo mucho, y Supercool, a la cual sólo le pedía al principio que me divirtiera –cosa que sí consigue- y acabó emocionándome.

La alemana, ganadora del Oscar al mejor filme extranjero, tiene como protagonista a un espía de la Stasi algunos años antes de la caída del muro de Berlín. Wiesler –así se llama– debe escuchar cada sonido proveniente de la casa de un escritor atormentado de derecha que vive junto a su mujer, una actriz igualmente atormentada entre el amor y el arte, el adulterio y el ego –al final el mejor personaje de la historia, lejos. El asunto es que, en la medida que más va conociendo a la pareja, el aséptico espía socialista termina siendo capaz de contravenir las órdenes de sus superiores –y la patria– no queda muy claro si por amor a la actriz o porque las circunstancias lo han hecho cambiar de ideales. La historia se teje con ritmo, atmósfera, cuidados silencios, un guión de primer nivel, actuaciones potentes y una dirección muy correcta (más méritos al tratarse del debut del treintañero Florian Henckel von Donnersmarck). Por todo lo anterior, la película engancha, entretiene, se disfruta a nivel argumental, pues está tan bien engranada cada una de sus piezas que obliga al espectador a realizar un ejercicio intelectual totalmente placentero. Pero a mí –y acá cabe considerar mi absoluta subjetivad, arbitrariedad de juicio incluso- no me logró conmover. No conseguí que “me tocara”, que me iluminara ese rincón oscuro que yo pensé que iba a iluminar. Y ¿es esto un problema? No creo, pues lo pasé bien; me deleité con una buena historia. Pero ¿qué pasó con la emoción? No sé.

En este punto cabe preguntarse qué genera, qué produce al final de cuentas emoción en cualquiera de sus formas. Al repasar cada uno de los personajes de La vida… veo que no conseguí conectar con ninguno de forma personal. ¿Con la actriz adúltera? No, además es demasiado secundaria para lo que podría haber dado un personaje así. ¿Con su esposo, el poeta de derecha? Tampoco: es muy correcto, perfecto y consecuente, es muy “bueno” ¿Con el espía? Esta es la opción por la cual se la juega el director, pero el hombre que vemos al comienzo de la historia es igual de aséptico que al final de ella, entonces ¿dónde el cambio, dónde las dudas y las heridas que siempre provoca en uno cuestionarse? Resulta tan impenetrable que cuesta meterse en el corazón de él. Y yo creo que por ahí va la cosa: en ser capaz de meterse en el corazón de un personaje, que es también el propio. En sentir que a uno, dadas las circunstancias, podría pasarle también algo como lo que le ocurre al personaje. En reconocer que ese también podría ser uno.
Identificarse. Esta sería quizás la palabra. Y claro, cada uno se identifica con quien le plazca, pero ¿hacerlo con un robot que se convierte en camión, con un bobalicón norteamericano de origen oriental bueno para los combos, con un poeta que no deja de defender “el arte” ni aunque eso le cueste su matrimonio, o con un espía que no es capaz de espiarse muy adentro de sí mismo? Si tuviera que elegir, me quedo con el robot. Pero, como es una cuestión tan personal, no digo mucho más al respecto… Sin embargo, me llevé una tremenda sorpresa al ver hace un par de días Supercool, una comedia trágica adolescente a lo American Pie pero que no se queda entrampada en la onanista estupidez gringa; a lo Ghost World, pero en versión masculina. Yo sólo quería, esta vez, divertirme un momento. Con lo que no contaba era con que, además, los tres perdedores a punto de salir del colegio que protagonizan esta película, Evan, Seth y McLovin, iban a quedarse adentro mío por un buen tiempo seguramente. Porque yo también me sentí uno de ellos. Porque yo también tuve que lidiar –tengo que lidiar todavía en la pega, en la calle, en el metro, en todos lados– con los matones del curso. Porque más de alguna vez –casi todas– no fui capaz de encontrar las palabras adecuadas para decirle a la chiquilla que me gustaba otra cosa que no fuera una imbecilidad vergonzante. Porque no es fácil ser hombre, y que te lo vengan a demostrar unos mocosos con espinillas por lo menos te hace bajar la guardia un momento para preguntarte por la amistad, por el paso del tiempo, por los cambios que debemos enfrentar en cada etapa y por el significado del amor y del sexo. No voy a contar el argumento –para eso hay mil páginas más en Internet–, pero si les voy a advertir que tras su apariencia de comedia juvenil, se esconde un drama adulto, y tras cada personaje, nos escondemos muchos de nosotros… y las más auténticas emociones siempre tienen que ver con algo que está adentro de uno mismo, tan adentro que cuando sale puede hacerte daño, pero también hacerte bien.

Alejandro Aliaga

FICHAS:
SUPERCOOL
Titulo original: Superbad
Dirección: Grez Mottola
País: USA
Año: 2007
Género: Comedia
Elenco: Jonah Hill (Seth), Michael Cera (Evan), Christopher Mintz- Plasse (Fogell), Bill Hader (Oficial Slater), Seth Rogen (Oficial Michaels), Martha MacIsaac (Becca), Emma Stone (Jules), Aviva (Nicola), Kevin Corrigan (Mark)

Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg
Duración: 114 minutos
Calificación: Mayores de 14 años

LA VIDA DE LOS OTROS
Titulo Original: Das Leben Der Anderen
Dirección y guión: Florian Henckel von Donnersmarck
Origen: Alemania
Año: 2006
Elenco: Ulrich Mühe (Capitan Gerd Wiesler), Martina Gedeck (Christa- Maria Sieland), Sebastián Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (Antón Grubitz), Thomas Thieme (Ministro Bruno Hempf)
Duración: 138 minutos
Género: Drama
Calificación: Mayores de 14 años

Cuando Cindy Conoció a Alien...

Esta película la vi cuando tenía 8 años y creo que nunca se lo perdonaré a mi tío ( jajajaja). Personalmente, la considero la mejor historia de Terror-Ciencia Ficción que he visto, como muchos, y quizás por esa razón su estructura ha sido imitida hasta la saciedad. La he visto más de veinte veces y no me canso... una obra genial de un genio del cine como es Ridley Scott. Alien, el Octavo Pasajero inició una saga que abarca tres películas más y si a ello sumamos las nuevas aventuras de estas criaturas junto a Depredador y hasta con Batman (por lo menos en los cómics) , deberíamos tomarle el peso a la importancia en el inconsciente colectivo de este film y de esta criatura, que se ha colado en la cultura popular de nuestro tiempo.

Sobre la trama no hablaré, porque me parece que la mayoría ya debe conocerla. Si quiero mencionar algunos datos curiosos e interesantes que quizás no sean de conocimiento tan público:

-El guión original fue escrito por Dan O'Bannon y se titutalaba Star Beast (Bestia Estelar). Pocos años antes, O'Bannon había guionizado junto a John Carpenter otra película de ciencia ficción titulada Dark Star.
-Un dato un poquito más conocido: El diseño de la criatura, sus diversas manifestaciones, las naves, sus interiores, el relieve del planeta fueron creados por el pintor surrealista Suizo Hans Ruedi Giger (Grande Giger!!, debo reconocer que soy una fanática de su arte)

-Originalmente la tripulación era completamente masculina

-El extra quien personificaba a la criatura era de origen nigeriano

-El efecto de corrosión inmediata en la enfermería (cuando estudiaban el parásito adherido al rostro de Kane) fue logrado con una mezcla de cloroformo, acetona, ciclohexilamina y ácido acético que se derramó sobre styrofoam (algo parecido a lo que tomo los fines de semana en los bares de Moe, jajaja)

-Ripley no era mujer si no TRAVESTI! (noooo!!! eso es broma)

-Cuando los tripulantes despiertan del sueño criogénico, el guión especificaba que debían estra totalmente desnudos, pero el estudio le exigió a Scott que estuvieran vestidos. De ahí la ropa interior sexy de Sigourney Weaver que la hizo tan famosa...

Hay muchas otras curiosidades y anécdotas, pero me faltaría blog para enumerarlas.

Saludos desde la Estrella de la Muerte.

C.-

Ficha Técnica

Director: Ridley Scott

Guión: Dan O'Bannon

Musica: Jerry Goldsmith

Reparto: Tom Skerrit, John Hurt, Sigourney Weaver, Ian Holm, Yappeth Koto, Veronica Carthwrigth, Harry Dean Stanton y por supuesto, el bicharraco...

Un Verdadero Holocausto Sinfónico

MORTE MACABRE
Symphonic Holocaust (1998)

Como este blog es un humilde aporte al cine y la música, dos ámbitos estrechamente relacionados, más tarde que temprano se debía hacer una alusión a las bandas sonoras... o algo parecido. Es este caso, se trata del álbum Symphonic Holocaust, realizado en 1998 por una banda que no es precisamente una banda sino más bien una mezcla esporádica de miembros de dos de los grupos suecos más influyentes del género progresivo. Por una parte, el talento de los señores Nicklas Berg y Peter Nordins (Anekdoten) y por otro lado el genio de Stefan Dimle (Landberk y más recientemente, Paatos) y Reine Fiske (Landberk), quienes en base a guitarras, bajo, mellotrones, batería y esporádicos waves y voces, arman un disco de antología, de esas delicias tan escasas en el mundo de la música actual y que más encima, homenajea a las bandas sonoras de aquellas nunca bien ponderadas películas del género B, es decir, esas de horror barato, sangre a borbotones, generalmente muy mal vistas por los académicos, pero cuya factura artesanal ha servido como fuente de inspiración para algunos de los más cotizados directores de la actualidad (léase Tarantino, Peter Jackson o Sam Raimi).

En fin, así como que no quiere la cosa, estos muchachos se reunieron para hacer covers de algunos temas aparecidos en las bandas sonoras de estos filmes de bajo presupuesto, pero cada vez más influyentes entre los amantes del cine de culto y los realizadores novicios. Es así como el disco abre con una pesada versión aunque muy atmosférica y apasionante de Apoteosi del Misterio del film La Ciudad de los Muertos Vivientes de Lucio Fulci (1980). Una pegadísima y aterradora versión de la Sequenza Ritmica e Tema del largo E Tu Vivrai Nel Terrore! L'Aldila (más conocida en estos lares como El Más Allá, cuyo autor también es Fulci y que data de 1981). La famosísima canción Lullaby de la también famosísima El Bebé de Rosemary del nunca bien ponderado Roman Polanski (1968), quizás una de las canciones más melancólicas pero a la vez aterradoras de la historia del cine y también, una de las que más ha sufrido de covers, especialmente de bandas alternativas y metaleras en el más amplio sentido de la palabra. El Opening Theme de Holocuasto Caníbal (Ruggero Deodato, 1980) también es parte de esta compilación, un tema suave y evocador que en base al magnífico sonido del mellotron se convierte en una pieza tan simple como flotante. La magnífica Quiet Drops del film Más Allá de las Tinieblas de Joe D'Amato (1979) en una versión construida sobre guitarras, con un inicio quedo y calmo que lentamente se ve convirtiendo en un épico de proporciones, que para nada desentona con la versión original de los legendarios Goblin, autores de la banda sonora de este film así como de tantos largos italianos del género. Por último The Photosession del film Golden Girls (que no es precisamente de terror), en una versión de electrónica atmósfera, rica en pequeños detalles.

A estas canciones se suman dos temas creados por estos muchachos especialmente para el disco. Se trata de Threats of Stark Reality, una especie de improvisación en teclados, y el magnífico Symphonic Holocaust, una pieza de 18 minutos con bastantes influencias de King Crimson; una verdadera pequeña sinfonía cargada de horror y angustia, emociones que van construyéndose sob re un constante crescendo armado sobre armonías de guitarra a las que lentamente se van sumando más instrumentos hasta llegar a un clímax caótico, pero aún así sinfónico y casi catártico.

Para los fanáticos de las bandas sonoras, este disco sin duda será un gran aporte. Para los fanáticos del rock progresivo y subgéneros, un álbum imprescindible, poderoso, poseedor de todos los elementos del género. Para los primerizos en el cine y la música, una buena forma de descubrir un pedacito de la historia de las bandas sonoras de aquellas legendarias pelis de terror y también, el genio y el talento de esta banda de probeta que contiene los elementos esenciales de dos de los mejores grupos progresivos de las últimas dos décadas.

El disco
1. Apoteosi del Mistero (4:16)
2. Threats of Stark Reality (2:59)
3. Sequenza Ritmica e Tema (7:02)
4. Lullaby (8:02)
5. Quiet Drops (6:43)
6. Opening Theme (2:50)
7. The Photosession (7:10)
8. Symphonic Holocaust (17:51)

La banda
Nicklas Berg / mellotron, guitarras, bajo
Stefan Dimle / bajo, mellotron, moog
Reine Fiske / guitarra, mellotron, violín,
Peter Nordins / batería, percusión, mellotron
Invitados: Yessica Lindkvist (voz) y Janne Hansson (waves)

Datos del disco
Mellotronen (MELLOCD 008)

Snake Eyes

CINEMA INFERNO: LA COSA

Un pequeño recuento de las películas que me abrieron los ojos cuando chico.

La Cosa
Director: John Carpenter
Escritores: John W. Campbell Jr./ Bill Lancaster
Año: 1982
Reparto: Kurt Russel, Richard Masur y una manga de giles que nadie conoce.

Está película llegó a mis ojos a mediados de los 80, cuando yo era un pre-puber que veía películas de susto sin permiso de los papás. en ese tiempo la mayor vitrina pra ver películas era más que nada la televisión, con sus famosos segmentos "Cine en su Casa", "Tardes de Cine" "Cine Nocturno", "Grandes Eventos", "Best Seller", "Noche de Estreno"..etc,etc. Esta película en particular la vi en "Cine Nocturno" de canal 13 un día viernes, una noche de invierno en que el viento sacudía las hojas del árbol que crecía frente a mi ventana, en un viejo y querido televisor Sanyo blanco y negro de mas o menos 10 pulgadas de pantalla que emitía sus nocivos rayos catódicos a mis temblorosos ojos. Ahora ya saben porque uso lentes... La estaba viendo a volumen moderado, porque como decía antes, para un niño que no tenía aún una decena de años estaban prohibidas tales películas. En realidad no sé si era el miedo que tenía de que me pillaran desobedeciendo una orden directa o bien la película, pero como sea, la sensación que me provoca evocar esta cinta es de una terrible angustia.
Bueno, para los que quizás no tengan idea de que se trata la película, un pequeño resumen. A una estación polar llega un perro siberiano que era perseguido por un frenético sueco trastornado que termina pegándose un tiro, los de la estación polar no saben que el lindo perrito en realidad era un extraterrestre que se metía dentro de los cuerpos vivos tomando su forma y lo más divertido es que el "anfitrión" no se daba ni cuenta. Esta cosa iba aniquilando a los miembros de la estación polar uno a uno y nadie sabía quien era...ni siquiera quien estaba infectado. Recuerdo con especial agustia una secuencia en que están todos mirándose las caras tratando de averiguar quien es el monstruo, más encima mi papá podía abrir la puerta en cualquier minuto, insoportable angustia.
A quien guste de un buen sustito a la antigua, sin efectos digitales, con monstruos hechos de latex (pero bien hechos) con efectos especiales que al ser explicados parecen ser un segmento de "Art Attack" (a mis hijos les encanta) ya que hacían efectos especiales con papeles, bolsas de basura, unas mangueras y alambre...sin duda que "La Cosa" les gustará, tiene la particularidad de las viejas películas de terror de nunca mostrar por completo al monstruo, si se suman todos los segundos que aparece no alcanza a durar 10 minutos para una película que se encumbra por sobre las dos horas. Otro punto que vale la pena destacar es la inquietante banda sonora del inigualable Ennio Morricone y el manejo de una tensión que crece a pasos agigantados de un Carpenter que con trabajos como este se labró la chapa de "autor de culto" , bastante bien para alguien que partio dirigiendo "Gorgo versus Godzilla" no creen?
Esta película la pueden encontrar en DVD en tiendas especializadas quizás con el no tan sugerente título de "El enigma de otro mundo", incluso en algunos Blockbuster está disponible al arriendo, en la seccion Terror. O quizás tengan la suerte de pillar una función de trasnoche en algún recóndito canal de televisión.

Rodrigo Muñoz Cazaux

Cuando los Dinosaurios Gobernaban la Tierra

YES

Close to the Edge (1972)

Por Snake Eyes

Decidí comenzar mi intervención en este blog comentando uno de mis discos favoritos. Se trata de Close to the Edge (Cerca del Abismo), para muchos, el disco clave del movimiento progresivo de los '70.

Reconozco que hay cierta ambición en este género que tanta fama tuvo entre 1970 y 1977, más o menos; una época de experimentación en todos los sentidos, que entre otras cosas, dio como fruto a bandas como Yes, King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Jethro Tull y Genesis, por solo nombrar a algunos de los más notables exponentes del género que se caracteriza hasta hoy por composiciones intrincadas, canciones épicas de larga duración, letras excesivamente metafóricas y la gran calidad estilística de sus músicos. Close to the Edge es sin lugar a dudas un disco que refleja fielmente estas características, comenzando por esa memorable pieza de 19 minutos que lleva el título del disco y cuya letra es una observación metafísica y compleja del sentido de la vida, que en la voz suave y celestial de Jon Anderson se convierte en un bello y mágico poema. A eso, hay que sumar la notable presencia de Steve Howe (guitarras) y Rick Wakeman (teclados) que son capaces de crear atmósferas que a lo largo de este épico viaje se convierten en secciones extremadamente caóticas y en bellos pasajes sinfónicos de exquisita y relajada atmósfera. Definitivamente, un gran clásico que hasta hoy conserva su valor musica y estilístico erigiéndose como una de las mejores piezas musicales de la época y por qué no, de nuestros días.

En la cara B del vínilo encontramos los temas Siberian Khatru y And You and I (es decir, los temas 2 y 3 del CD, jeje). En Siberian, encontramos un Yes un poco más amigable y melódico, con un tema cuya fuerza radica en constantes y épicos riffs de guitarra y en un sólido trabajo rítmico de Chris Squire (bajo) y Bill Bruford (batería). And You and I por su parte, se levanta como una de las más hermosas canciones de la banda y de los '70, un mini épico de 9 minutos de duración aderezado por las hermosas letras de Anderson, constantes cambios rítmicos, poderosos pasajes sinfónicos y un entrañable sentido de ensoñación y vuelo constante.

Bueno, cuando los dinosaurios gobernaban la tierra las cosas eran muy diferentes. Es más, todos recordarán cuántas veces se catalogó a las bandas de esta época de pretenciosas... Más que eso, el término sería ambiciosas y al escuchar Close to the Edge, me doy cuenta que la ambición no tiene nada de malo; que puede ser fuente de superación e ingenio para crear discos como ste, llenos de talento, ideas y con un arrollador sentido musical.

Peace.

El disco

1. Close To The Edge (18:50)

2. And You And I (10:09)

3. Siberian Khatru (8:57)

La banda

Jon Anderson / voz, percusiones ocasionales

Chris Squire / bajo, voz

Rick Wakeman / teclados

Bill Bruford / batería

Steve Howe / guitarras eléctrica y acústica, mandolina, voz

Datos del disco

LP Atlantic #7244 (1972)

CD Atlantic 7567-82666-2 (1994)

CD Elektra 73790 (2003 remaster)

Bienvenidos, Cinéfilos y Melómanos!

Estimadísimos/as navegantes de la red... Quien les escribe junto a un grupo de amigos hemos decidido abrir este nuevo espacio para comentar y debatir acerca de dos temas que son parte de nuestra vida: CINE Y MUSICA. Qué mejor que comenzar con una poderosa imagen, en esta caso del gran Dziga Vertov y su clásico, El Hombre de la Cámara para sentar las pautas generales de lo que será este blog, una mirada ojalá más entretenida que académica de nuestras dos grandes pasiones...

Habrá de todo un poco: películas y música pop, grandes clásicos, rarezas, filmes y discos de culto o también esas joyitas desconocidas que queremos compartir con todo el mundo... Lo importante es que podamos abrir un pequeño espacio en el que mostrar todas esas cosillas que nos gustan o detestamos para compartir impresiones o bien, abrir los ojos, los oídos y la mente de vosotros/as, desprevenidos navegantes de la red que andan en busca de distracción, algo nuevo que ver/escuchar o simplemente un pequeño espacio donde encontrar a otros personajes con gustos similares...

Saludos entonces, desde el mundo de las imágenes y el audio y comencemos este nuevo viaje audiovisual...