CINEMA INFERNO: Excálibur

El tan manoseado mito del rey Arturo, por fin tuvo una buena versión.

Título Original: Excalibur

Año: 1981

Director: John Boorman

Escrita por: Sir Thomas Mallory (basada en su libro "La Morte D`Arthur" del siglo XV) Guión de Rospo Pallenberg y Jogn Boorman

Reparto: Helen Mirren, Nicol Williamson, Nigel Terry y unos para ese entonces desconocidos Gabriel Byrne, Liam Neeson, Patrick Stewart, entre uno que otro campesino medieval huyendo de la plaga

Desde que tengo memoria que la imagen del Rey Arturo anda rondando mi cabeza, debe ser porque mi papá se llama Arturo y en mi cabecita infantil siempre lo vi como un caballero de brillante armadura que no le temía a nada...eso más o menos hasta como los 13 años. Pero la verdad es que esta historia, mito, leyenda o verdad, ha sido mil veces contada y creanme que será contada mil veces más.

Si mal no recuerdo hay versiones en dibujos animados para la televisión, salió en los Thundercats, hay una novela de Mark Twain llamada "Un Yanky en la corte del Rey Arturo", que esa sola ha sido adaptada como 40 veces a película (mayoritariamente como telefilm) y ha tenido versiones rarísimas como "La Espada en la Piedra" de Disney, el film musical "Camelot", la mamona y cebollera "El primer caballero" de Frank Oz, sátiras como la de los Monty Pythons "Los caballeros de la mesa cuadrada" y hasta una versión XXX que llegó a los cines de mala muerte de Chile llamada "Los caballeros de la cama redonda", obviamente tijereteada hasta quedar softcore...originalísimos.

Pero sin duda la peor de todas es "Rey Arturo" de Antoine Fuqua, que antes se había despachado la respetable "Día de entrenamiento"...acá el Rey Arturo se convierte en una versión mutante de un Rambo pre-medieval con algunos tintes democráticos y políticamente correctos que no tiene nada que ver con la leyenda medieval que la inspiraba.

Por suerte para los amantes de las buenas historias bien contadas a John Boorman le falló la compra de derechos de "El señor de los Anillos" y como ya había empezado a construir castillos y hacer trajes inspirados en la época más oscura del medioevo inglés, tomó el libro "La Morte d`Arthur" de sir Thomas Mallory y la adaptó en la morrocotuda "Excálibur".

Le lleva de todo, brujería, combates sangrientos, incesto, violaciónes, música grandilocuente, caballos y por supuesto la leyenda del Rey Arturo bien contada, esta vez centrada en la espada mágica más famosa de todos los tiempos. Claro que para ser honestos, el título de Excálibur es básicamente porque la cinematografía no aguantaba otro "Rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda" dando vueltas por ahí,(en imdb encontré 255 películas directamente inspiradas o relacionadas con el tema) además el solo título te decía que la película no era fácil de tragar, si ya decir el título requería algo de concentración al pronunciarla y la presencia siempre intrigante de la X en medio cambia todo.

La primera vez que vi esta película, bueno, solo la vi, porque tenía una otitis horrible y como un tío buena onda me había prestado su VHS durante mi recuperación y no habían más películas que una versión pirata de "El Ultimo Emperador" y "Excálibur" grabada de la tele, con comerciales y todo...no me quedó más que solo verla, pero así y todo me atrapó la historia y con el correr de los años logré verla en perfecto cine 35mm en uno de esos ciclos hermosos que a veces aparecen en algunos cine arte y poder escucharla en mono, porque sii...esta película fue terminada en Mono ya que a Mr. Boorman no le gustaba como sonaba en Dolby, parecía muy moderna para la imagen que presentaba y para darle mas antigüedad se terminó en mono.

La película abarca la vida terrenal del Rey Arturo, desde su concepción hasta su muerte y partida a Avalón y por supuesto todas las linduras de en medio como la espada en la piedra, una que otra batalla sangrienta, la traición de Guinivere y Lancelot, el incesto con Morgana, la búsqueda del Grial por Percival y la batalla final, que es increíble...la verdad no se ve nada porque está todo cubierto por una niebla pero el trabajo de sonido y el montaje hacen creer que hay cientos de soldados matándose a sablazo limpio. Sin duda la inmundicia de la época queda muy bien plasmada en esta película, la música incidental y la iluminación aportan la grandiosidad, apoyada en el notable uso de colores primarios como apoyo estético y por supuesto aprovechando el bello entorno natural en donde se sitúa, uno ve la película y parece que llovió casi todo el rodaje, debió ser realmente complejo con tanta agua, armaduras oxidándose, pero lo logrado es una obra maestra del cine.

En suma, una película buena buena pero de a de verás, en donde hasta el más intelectualoide crítico se rinde a los pies de John Boorman y le alaba, de una forma u otra, su película como ícono de la cultura popular actual. Incluso fue Excálibur la que puso de moda colocar Carmina Burana para las ocasiones memorables o de aroma épica, de hecho se le conoce popularmente como "El tema de Excálibur" (aunque acá se le conozca más como el tema de las galas de Rojo, pero bueno...). Es una película que uno siempre quiere ver de nuevo, que está bien hecha aunque uno sabe que es vieja, que cuenta una de las mejores leyendas que nos ha legado la edad media y que es referente narrativo en muchas pero, muchas historias, más encima la talentosa Helen Mirren sale lolita y guapa a rabiar, qué más se puede pedir!

Yo por ahora ando buscando una versión en calidad decente para coleccionar (y de seguro remezclada en stereo) porque aún tengo ese VHS que de seguro ya ni se ve, sobre todo porque no tengo un VHS donde reproducirlo.

y afírmense que para la próxima semana viene "Mal Gusto" de Peter Jackson

TARDES EN EL REX: La Mosca (1986)

No sé si esta es la mejor manera de comenzar a hablar de David Cronenberg en el blog, pero La Mosca es una de esas películas que considero imprescindibles en mi dvdteca, aunque no es una de sus obras mayores, comparada con la traumática y conmovedora Dead Ringers (1988), la suculenta y depresiva A History of Violence (2005) o la reciente Eastern Promises (2007), pero por todos los dioses! Es una tremenda cinta y quizás las más recomendable, junto a Videodrome (1983), para adentrarse en el extraño y oscuro mundo de este director canadiense.

La película data de 1986, pero debo haberla visto más de un año después. Su crudo contenido, nos vetó el ingreso a las salas establecidas, por lo que tuvimos que esperar su llegada al alicaído pero siempre confiable Cine Rex para deleitarnos con esta obra etéreamente basada en la versión del mismo nombre, dirigida por Kurt Neumann en 1958. Mientras esperábamos, arrendamos en VHS las inolvidables Videodrome y Scanners (1981), en copias desgastadas que dejaban bastante que desear pero que eran suficiente para despertar el apetito por el cine orgánico, degradante y profundamente psicológico de Cronenberg.

La historia comienza con el encuentro del brillante y excéntrico científico Seth Brundle (Jeff Goldblum) y la periodista Veronica Quaife (Geena Davis). Además de involucrarse sentimentalmente, Brundle le muestra a Veronica sus investigaciones en torno a la teleportación humana, para lo cual ha diseñado dos telépodos (de impresionante, frío y crudo choque visual) conectados a un computador que no sabe qué diablos hacer para dar con la fórmula perfecta para transportar células vivas. Luego de dar con la clave para la teleportación de seres vivos y en medio de una borrachera provocada por los celos, Brundle decide experimentar con él mismo, sin darse cuenta si no hasta mucho más tarde, que sus genes se han mezclado con los de una mosca. La película de verdad, comienza en este punto, cuando el espectador comienza a ser testigo privilegiado de la degeneración física y mental de Brundle, a través de escenas demasiado explícitas y diálogos cortos pero muy efectivos.

El cine de Cronenberg ha pasado por varias etapas. Desde la exposición obscena de la violencia y la degradación humana de sus primeras películas, hasta la exposición poética de la violencia y la degradación humana de sus filmes en la última década. Es un tipo con cojones que no ahorra efectos ni tomas ni secuencias que despabilen al pobre espectador tan acostumbrado a la sangre a borbotones sin razón alguna o a la violencia excesiva por taquilla. En Cronenberg, esos eventos cárneos y sanguinolentos adquieren una dimensión y un significado mayor, siempre relacionados con historias de profundo contenido y poderosos conflictos emocionales. Así, cuando las escenas violentas son escasas en cantidad, su impacto es superior que en el otras cintas, de la mano de otros directores menos talentosos. Además, cabe mencionar que Cronenberg muchas veces ha señalado que le fascina contar la historia desde el punto de vista del protagonista que sufre los embates de estos cambios muchas veces dísicos y crudamente orgánicos, pero también, obsesivamente mentales.

A Cronenberg también lo avala el hecho de trabajar casi siempre con las mismas personas, además de realizar casi todas sus películas en su natal Canadá, con escasas excepciones, signadas por los momentos en que ha trabajado para productoras del mainstream gringo, ocasiones en las que ha salido victorioso, incluyendo La Mosca que, a pesar de ser una de las películas que realizó con mayor presupuesto, la filmó en Canadá y destinó la mayor parte de éste a los notables efectos especiales que acentúan y hacen aún mas chocante y dolorosa la transformación de Bruñidle en una mosca que, por que no, se manda sus frases para el bronce, como cuando comenta que será la primera mosca de 85 kilos de la historia o que pretende ser la primera mosca político, aunque reconoce que las moscas no tienen otra política que el alimentarse para vivir. Y es en ese momento, cuando su cuerpo corrompido parece no soportar más y su mente está al borde de la locura, que enfrenta su particular realidad con el convencimiento de haber sido un insecto que soñó ser hombre… “Pero el sueño terminó y el insecto, despertó” remata ante su sollozante amante.

Insisto, puede que Cronenberg tenga mejores cintas. De hecho, las tiene. Pero a La Mosca le tengo un cariño especial por haber sido la primera película de este notable realizador que vi en pantalla grande y porque fue uno de los que me abrió los ojos al buen cine, ese que te deja boquiabierto, pensando, tratando de comprender lo que acabas de ver mientras los créditos todavía pasan frente a tus ojos… Bueno, Cronenberg fue uno de esos y hasta hoy, uno de los directores que más me asombran y agradan…

LA PELICULA
La Mosca
(The Fly)
1986
95 minutos
Dirigió David Cronenberg
Produjo Stuart Cornfield
Guión de Charles Edgard Pogue y David Cronenberg, basado en la historia corta de George Langelaan
Música de Howard Shore y Nile Rodgers
Fotografía de Mark Irwin
Editó Ronald Sanders
Actuaron Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz y varios secundarios canadienses que casi ni se ven…

Batman, el Caballero de la Noche (2008)… Estamos medios oscuritos, o no?

Una vez fuera de la magia del Festival de Cine del Norte de Chile, era obvio que mi lado pop necesitaba volver a las salas de cine, pero esta vez con la poco sana intención de refocilarme con una película con tan cabezona ni densa… Algo un tanto más comercial, sencillo, suave y de consumo rápido y fácil. Por lo tanto, la opción lógica era sacarme una de las espinas que tenía clavadas desde hace algún tiempo y siguiendo las indicaciones de aquella parte de mi ser dominada por los instintos nerds infanto adolescentes, la opción lógica fue dejarme caer en la sala que proyectaba Batman, the Dark Knight…

Así fue que junto a Cindy partimos al cine, aunque primero calentamos motores con unos schopitos, mientras tratábamos de imaginar cómo sería la película, tratando de olvidar comentarios y prejuicios para enfrentar de buena forma esta película, secuela de Batman Begins, que se ha convertido en una especie de revisión del héroe gótico, bastante más oscura y pensante que la anterior mini saga de Tim Burton, pues prefiero no recordar lo que Joel Schumacher hizo con la imagen de Batman, convirtiéndolo en casi un modelo de calzoncillos, con el culo y los pezones demasiado remarcados… En fin, Christopher Nolan y sus secuaces nos entregaron en Batman Begins una imagen del Detective un tanto más oscura y cavilante, un héroe acosado por traumas y dramas personales, muchas veces inseguro y en constante pugna con su lado más turbio, imagen que se refuerza en The Dark Knight, asumiendo los manierismos y estilo del brutal Frank Miller, para entregarnos un Batman que sufre y reniega de su propia persona, que se cuestiona y busca iluminación y redención sonde ya escasamente existe algo de esperanza. Con breves retazos que conectan esta historia con la anterior cinta de la saga, incluyendo una breve aparición de Scarecrow (Cilian Murphy), el espectador continúa tras las andanzas de Bruce Wayne (Christian Bale), un excéntrico millonario que por las noches se convierte en un discutido justiciero enmascarado amado y odiado por partes iguales, incluso por le mismo Wayne. Con el apoyo del Capitán James Gordon (Gary Oldman, siempre sólido) y de su fiel mayordomo Alfred (Michael Caine, también en su punto), ha logrado concretar un plan que le permitirá terminar de una vez con todas con la mafia que ha sometido en el miedo a Gotham City. A esto se suma la aparición de un correcto e insobornable fiscal de distrito llamado Harvey Dent (Aaron Eckhart) que, supuestamente, llevará este plan a buen término, a pesar de las iniciales reticencias de Wayne. Sin embargo, nadie cuenta con la aparición del Joker (Heath Ledger), un sicótico asesino de rostro malamente pintarrajeado para ocultar horrendas cicatrices que le desfiguraron el rostro. Este villano de antología, sin ética ni conciencia ni asomo alguno de arrepentimiento por sus violentos actos, es quien logrará convencer a la mafia de apoyarlo para cumplir con el macabro plan de terminar con la vida de Batman y así, volver a dominar la ciudad. Pero como con el Joker nunca se sabe, este plan original se alterará de tal manera, que llevará al espectador a un final que si bien no resulta tan sorprendente, si es bastante crudo y escalofriante.

A estas alturas, prefiero no tomarme la molestia de analizar qué se tomó del cómic original y qué cosas se las han pasado por cierta parte, porque al fin y al cabo, por lo menos en este caso, no vale la pena. Sí merece una mención particular la notable influencia de una de las mejores historias del Murciélago en papel, titulada La Broma Asesina, y de la que estoy seguro los guionistas se nutrieron para perfilar tanto la detestable personalidad del Joker como su macabro plan.

Las dos horas y media de la película se pasan con una rapidez abismante, teniendo presente que no hay tantas secuencias de acción gratuita, como sería de esperar en películas de este tipo. Al contrario, las secuencias más contundentes corren por cuenta de los enfrentamientos verbales entre Batman y el Joker, en especial aquel interrogatorio en la estación de policía y por supuesto, el del enfrentamiento final. Hay que reconocer que Heath Ledger llevó al Joker a un nivel difícil de alcanzar. En sus manos, los gestos, postura, voz y actitud del Joker resultan tan creíbles como atemorizantes y los trazos del clásico humor negro de este aterrador personaje, resultan del todo agradables, si es que esa es la palabra adecuada. Porque hay que reconocer que Ledger le imprimió al Joker aquel estilo brutal que caracterizó al personaje en la mayor parte de sus apariciones en el papel.

A excepción del mismo Bale y de Maggie Gyllenhaal (que reemplazó a Katie Holmes en el papel de la atribulada Rachel Dawes), las actuaciones están de lujo, incluyendo a los ya mencionados Caine y Oldman, y sumando a ellos a Eric Roberts, Morgan Freeman y Aaron Eckhart que llegando el final de la película nos brinda una breve pero soberbia representación de Dos Caras.

Me gustó. No era el tipo específico de película comercial que esperaba ver. Por suerte. Es una cinta oscura desde la concepción de la fotografía y decorados hasta las constantes dudas de cada personaje respecto de su devenir en la historia, misma que se convierte en una tragedia de la que ninguno de sus personajes puede huir del destino triste o heroico que les espera. No me atrevería en ningún momento a comprar lo que Nolan tan brillantemente está haciendo con aquellas dos obras maestras de Tim Burton, pues me parece que si bien ambos han rescatado la esencia del personaje, supieron explotar vertientes distintas de su historia y hacer sólidos filmes adecuándose a las exigencias del público de cada época. Y este Batman, violento, conflictuado, depresivo y desilusionado es un resultado de nuestros tiempos. Y quizás ahí radica el mayor valor de esta cinta, el ponernos en el lugar de dos personajes como Batman y el Joker, que siendo muy parecidos, están en lados distintos de la línea de la cordura, aportando cada uno su propio y valedero discurso acerca del ser humano como héroe o villano y de cómo el límite que los separa es tan endeble y difuso… No es una película de Tarkovski ni de Fellini, y por supuesto el espectador avezado en las artes cinematográficas no encontrará el nivel artístico de Kurosawa o Truffaut, pero si es una película decente, que aprovecha bien el presupuesto y los efectos especiales, que logra momentos de real emoción y que no cae en la truculencia de otras cintas del género.

No sólo para los fanáticos de Batman, si no que para todo aquel interesado en conocer un poquito más acerca de los turbios rincones del alma humana…

LA PELICULA
El Caballero de la Noche
(Batman: The Dark Knight)
2008
152 minutos
Dirigió Christopher Nolan
Produjeron Emma Thomas, Charles Roven y Christopher Nolan
Guión de Christopher y Jonathan Nolan, de la historia original de David S. Goyer y Christopher Nolan y basado en el personaje creado por Bob Kane
Música de Hans Zimmer y James Newton Howard
Fotografía de Wally Pfister
Editó Lee Smith
Actuaron Christian Bale, Heath Ledger, Michael Caine, Aaron Eckhart, Gary Oldman, Maggie Gyllenhaal, Eric Roberts, Néstor Carbonell, William Fichtner, David Banner y una larga lista de extras vestidos de cuicos en las fiestas de Bruce Wayne o como matones del Joker…

Satanás (2007)… Quién esté libre de pecado, que dispare la primera bala…

Segunda noche del Festival. 21.30 horas. Ya no quedan muchas butacas disponibles, así es que con Cindy nos aseguramos dos que están demasiado cerca de la pantalla, pero no importa, total no hay que leer subtítulos. A ninguno de los dos nos gustan mucho las películas latinas. Una cuestión de prejuicios, supongo. O la terrible, insana y persuasiva influencia del mainstream gringo que nos ha lavado el cerebro. Quién sabe. A lo mejor es hasta la ridícula idea de encontrarse con una especie de telenovela donde todos hablan cantadito… O quizás sea esa sensación de ver historias repetidas, donde los latinoamericanos tendemos a mirarnos el ombligo, a tocar los mismos temas de siempre: la marginalidad, nuestros traumas relacionados con múltiples y cruentas dictaduras militares, las drogas y la violencia que siempre se desarrolla en calles oscuras y barrios de baja estofa, con garabatos, coa ininteligible y mujeres desnudándose hasta por si las moscas…

Comienza la película y me doy cuenta que el estado de la copia es menos que regular, pero a poco andar, no importa. Es verdad, la violencia, el sexo, los excesos morbosos del cine latinoamericano en general están presentes. Los barrios bajos, las calles oscuras, la desesperanza y la desilusión se palpan, se huelen, se sienten, engrifan la piel en cada escena y secuencia. Pero Satanás se deja ver con interés, con furia, con cierta pasión. Satanás está presente en cada segundo del metraje, en la condena predestinada de cada uno de los personajes, en sus actos, omisiones, venganzas y emociones. Desde la primera notable secuencia de la iglesia, cuando el padre Ernesto (Blas Jaramillo) intenta consolar a la acongojada Alicia, madre de tres hijos hambrientos que luego de los consejos del padre, decide asesinarlos y regresar a la iglesia, embadurnando de sangre la imagen de un santo. De ahí en adelante, se desencadenará una vorágine de hechos que se desarrollarán tres líneas paralelas. Por una parte, Eliseo (Damián Alcázar), un profesor de inglés con un oscuro pasado como militar en los Estados Unidos, que vive con su madre y es un obsesivo por la limpieza. La negativa a colaborar con una colecta del edificio donde vive y el enamorarse puerilmente de una de sus alumnas, serán los detonantes de una espiral en mortal descenso. Por otra parte, el padre Ernesto que comienza a dudar de su fe y buenas intenciones luego del crimen de Alicia y por último, Paola (Marcela Mar) una joven que seducida por el dinero, acepta trabajar con un par de estafadores, conquistando tipos con dinero para luego drogarlos y robarles.

Si bien las historias de Eliseo y Ernesto tienen ciertos puntos en común, lo que hace bastante interesante la trama, la aventura de Paola corre en solitario paralelo, convirtiéndose casi en otra película hasta que casi forzosamente se une con las otras dos historias casi al final de los 90 minutos de esta película que sorprende por sus excelentes actuaciones, especialmente la de Damián Alcázar que nos da una brillante interpretación de Eliseo, quien lentamente va convirtiéndose en un monstruo con todas sus letras. Una magnífica performance de este actor mexicano que logra imprimir al principal personaje de la cinta el peso que requiere. Esto, sin desmerecer el trabajo de Blas Jaramillo (recientemente fallecido a los 39 años) y de Marcela Mar, además de algunos secundarios que logran hacer creíble estas historias atravesadas por la desilusión y la violencia, representada en secuencias que logran sensibilizar al público, aunque no sé hasta qué punto eran tan necesarias.

Ahora, que el título no asuste a los ateos ni adherentes de otras religiones menos represivas que la católica. Se trata simplemente de una representación de la suma de nuestras decisiones, de cómo nuestro destino puede cambiar con simples cambios en el camino, los que a veces no tomamos, dejándonos llevar por el instinto puro que muchas veces, nos traiciona, en medio de una vorágine llamada vida en la que en general no hay redención ni vuelta atrás; sólo nos queda avanzar hasta el final y aceptar nuestro destino, por cruel, oscuro y triste que este sea, como en una buena tragedia griega.

No es una película para tener en un panteón, pero si vale la pena verla. Por lo menos, sales del cine con un nudo en el estómago y la sensación certera de haber visto algo que te conmovió, que logró hacerte pensar un poquito acerca del bien y el mal, sin importar cuál sea nuestra ética o moral ni de qué lados nos pongamos de acuerdo a conveniencias momentáneas.

Bien por el cine colombiano. Una interesante película que a pesar de seguir los mismos parámetros de sus contemporáneas, logra aportar algunos interesantes y prometedores detalles en un film que de seguro, no deja a nadie indiferente.

LA PELICULA
Satanás
(Satanás)
2007
95 minutos
Dirigió y escribió Andrés Báiz (basado en la novela homónima de Mario Mendoza)
Produjo Rodrigo Guerrero
Música de Ángel Milli
Fotografía de Mauricio Vidal
Editó Alberto del Toro
Actuaron Damián Alcázar, Blas Jaramillo, Marcela Mar, Teresa Gutiérrez, Martina García, Marcela Valencia, Andrés Parra, Isabel Gaona y varios extras colombianos haciendo de vagabundos infelices…

Desierto Sur (2007)… Hablando de búsquedas personales…

Es difícil dar en el clavo al momento de elegir una película para inaugurar un festival de cine. La verdad es que se corre el riesgo que la película en cuestión sea juzgada como la que dará la pauta de lo que resta del evento y si es mala, dará la impresión de un evento mediocre, pero si es buena y el público sale contento de la sala y la comenta con los amigos giles que se la perdieron, es muy probable que la percepción del festival en cuestión sea de los más positiva y cachilupi…

Esto último fue lo que ocurrió con el estreno de Desierto Sur en el Festival Internacional de Cine del Norte de Chile, ayer no más, pasaditas las 21 horas, después de los consabidos discursos y reconocimientos de la ceremonial inauguración del evento que contó con la presencia de parte del staff del film que ya había arrasado con los premios en la anterior versión del Festival de Cine de Viña del Mar y que también había obtenido el Premio del Público en Mannheim-Heidelberg. Un currículum nada de malo para regresar a la tierra en donde se realizó una buena parte de las filmaciones, hecho que como el mismo Shawn Garry reconoció en su breve intervención ante el público antofagastino la noche de ayer, representó “cerrar un círculo” y un regreso para agradecer los lazos de amistad y cooperación establecidos durante las filmaciones.

El asunto es que no se trata de una película totalmente chilena. Es más bien un híbrido que comienza muy españolísimo con Sofía, una joven que se dedica a la natación, sufriendo por la repentina muerte de su madre. Esto genera un serio conflicto en su interior que se verá magnificado por el descubrimiento de una carta que relaciona a su madre con un antiguo amor que vive en un pueblo casi mítico llamado Desierto Sur, aquí, en Chilito. Para resolver sus dudas existenciales y desenmarañar el misterio que porta esta misiva, es que toma la impulsiva decisión de partir a Chile y descubrir quién es el personaje que oculta la tinta del puño y letra de su fallecida progenitora. Es así que comienza una singular aventura que la unirá a Nadia (Carolina Varleta) y Gustavo (Alejandro Botto) quienes se convertirán en sus casuales compañeros en este viaje de descubrimiento personal y en el que se topará con nuevas sorpresas relacionadas con las vidas y los secretos de sus amigos.

No es un tema nuevo, para nada. Las road movies que llevan a epifanías o cumplir con augurios autoimpuestos no son de mi preferencia, pero si hay algo que destaca y se valora en Desierto Sur es su sencillez (no confundir con “pobreza”) al momento de tratar una historia sin manierismos ni excesos, sin cebolla fina ni ridículas vueltas de tuerca. La historia es limpia, salpicada de diálogos ágiles y personajes entrañables, no cae en los vicios de muchos filmes chilenos de pretender ser más de lo son y eso se agradece, porque Desierto Sur es eso, una road movie sin otra pretensión que contar una historia con pocos pero efectivos recursos, dignas actuaciones (en especial de Etura y Varleta) y mucho corazón. Y eso se nota, cada plano y secuencia exudan el compromiso de todo el equipo con esta historia que en base a su simpleza, se te queda grabada en la memoria.

Lo único que me provocó cierto rechazo es el excesivo uso del hand held que en ciertos momentos desconcentra y hasta arruina excelentes planos, en especial del desierto. A parte de este detalle, la película se ve con agrado, interés y no cuesta nada involucrarse con la protagonista en esta aventura que, al fin y al cabo, es la aventura de la vida, de todos y cada uno, esa del descubrimiento personal que muchas veces ni siquiera necesita de una viaje a lugares distantes o de una larga carretera, si no que de una sana y crítica introspección personal.

Por supuesto que también se agradece la presencia de Shawn Garry, Carolina Varleta, Andrea Garry y Mauricio Arriagada en la inauguración del Festival lo que de seguro, le dio al estreno de este film en Antofagasta la categoría que se merece.

Es de esperar que el público antofagastino acuda en masa al estreno comercial del film, a fines de agosto. No se arrepentirán y serán testigos de una interesante y atractiva película que no los dejará indiferentes.

LA PELICULA
Desierto Sur
(Desierto Sur)
2007
100 minutos
Dirigió Shawn Garry
Produjeron Mauricio Arriagada, Karina Díaz y Andrea Garry
Guión de Trinidad Jiménez
Música de Eduardo Caces
Fotografía de Pau Monràs
Editó Francesc Sitges
Actuaron Marta Etura, Carolina Varleta, Alejandro Botto, Ernesto Malbrán, Héctor Morales, Héctor Noguera y en roles pequeños, Pedro Arturo Zlatar, Jorge González, Omar Awad y varios otros actores y extras nortinos.

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Doble de Cuerpo (1984)

Desde que comencé a navegar por el fantástico mundo del Séptimo Arte, creo que he conocido pocos directores tan alabados y al mismo tiempo vapuleados como Brian De Palma. Alabado y odiado por partes iguales y dependiendo de la película que haga, no cabe duda que el tipo maneja las películas de suspenso como pocos, aunque ha tenido sus caídas de vez en cuando. Sin embargo, es innegable que es un artesano capaz y arriesgado, artífice de algunas de los mejores thrillers de las últimas décadas, aunque criticado muchas veces por meterse en las patas de los caballos por tocar temas un tanto complicados parta la industria, incluyendo la violencia, la pornografía y la misoginia.

Dentro de sus highlights destacan las inolvidables Scarface (1983), Phantom of the Paradise (1974, una revisión bastante ácida de El Fantasma de la Ópera), Carrie (1977), Dressed to Kill (1980), Casualties of War (1989) y Carlito’s Way (1993). Entre sus desastres, me atrevería a nombrar las rara vez bien ponderadas Fury (1978), Blow Out (1981), The Bonfire of Vanities (1990, basada en el libro de Tom Wolfe), Raising Cain (1992) y la inexplicable e intrascendente Mission to Mars (2000) que motivó su partida a Francia en donde ha seguido produciendo. En fin, entre estas cintas y al año siguiente de Scarface, De Palma se mandó una de esas películas de factura barata, pero poseedora de todos los encantos, gracias y maravillas de una decente película de suspenso. Se trata de Body Double o Doble de Cuerpo, un film que es derechamente un homenaje al maestro Alfred Hitchcock, y que a diferencia de otros riesgosos experimentos similares, sale bastante bien parada tanto como apología al rey del suspenso y también como un digno film de suspenso por si mismo.

El actor Jake Scully (Craig Wasson) no lo ha pasado bien últimamente. Su esposa lo engaña con otro y en plena búsqueda de una nuevo lugar donde vivir, acepta el trato que le ofrece su amigo Sam Bouchard (Gregg Henry) y se queda cuidando su mansión con vista al valle. Es aquí que, para matar el aburrimiento, Scully utiliza un telescopio para espiar a los vecinos, en una obvia referencia a Hitchcock. Así, será testigo de la erótica forma de acostarse que tiene Gloria (Deborah Shelton), una de sus vecinas a la que terminará conociendo y hasta enamorándose. Pero esto es sólo el inicio de las tribulaciones de Scully que también será testigo de la muerte de la chica en manos de un desconocido de rostro desfigurado, convirtiéndolo a él en sospechoso y a la vez en investigador del caso, pues no tarda en descubrir que ha sido engañado y que la chica que veía bailar no era Gloria, si no que una doble de cuerpo famosa en la industria porno conocida como Holly Body (Melanie Griffith) quien también lo ayudará a desentrañar el misterio de la muerte de Gloria.

Con las clásicas vueltas de tuerca que caracterizan el estilo de De Palma, la película agrega al suspenso y la intriga directamente influidos por Hitchcock, sólidas dosis de erotismo y perversión, secuencias memorables generadas por la claustrofobia de Scully (en especial la de la persecución en la playa) y el juego tantas veces manoseado pero pocas veces bien logrado de no saber a ciencia cierta si no hasta el final, qué es lo que realmente está ocurriendo y que nada ocurre por azar. Y más aún, quizás un guiño a si mismo y al cine B que tantas alegrías nos ha dado, a través de la visión de un actor venido menos, la pornografía y los mismos homenajes que plagan la cinta.

La primera vez que vi esta película fue en VHS, hace una chorrera de años. Después la han repetido de tanto en tanto en el cable y aún es posible hallarla en Blockbuster. Si ya la vio, repítasela porque vale le pena y si no la ha visto, tómese la molestia de echarle una mirada porque se llevara varia sorpresas. Definitivamente una de las mejores de De Palma, precisa, bien contada, con un manejo notable de los tiempos, los tiros de cámara y el nervio. Y por supuesto, para lo que gustan de Melanie Griffith, de regalo, un espectacular bailecito erótico que los dejará boquiabiertos…

Ultimo detalle para completar esta nota: De Palma está a punto de estrenar una precuela de The Untouchables titulada Capone Raising… Veremos cómo se defiende de Palma en esta ocasión en un campo que de por sí, no es muy exitoso y creativo…

LA PELICULA
Doble de Cuerpo
(Body Double)
1984
114 minutos
Dirigió Brian De Palma
Produjeron Brian De Palma y Howard Gottfried
Guión de Brian De Palma y Robert Averech
Música de Pino Donaggio
Fotografía de Stephen H. Burum
Editaron Kristina Boden, Jerry Greenberg y Bill Pankow
Actuaron Craig Wasson, Melanie Griffith, Gregg Henry, Deborah Shelton, Dennis Franz y varios dobles de cuerpo.

CINEMA INFERNO: Los Piratas del Tiempo

O como ser fan incondicional de una película que nunca había visto completa... hasta ayer.

Titulo Original: Time Bandits

Director: Terry Gilliam

Escrita por: Michael Palin y Terry Gilliam

Reparto: Sean Connery, John Clees, Shelly Duvall, Katherine Helmond, Ian Holms, Jack Purvis, David Rappaport, Kenny Baker, David Warner, Michael Palin, Ralph Richardson y uf... varios más.

La verdad es que no sé por donde empezar, tengo miles de cosas que decir de esta película así que vayan sentándose porque este post se viene largo. Por respeto debería partir hablando de los Monty Python, quizás muchos no sepan quienes son aunque algo les suene. Algo deben reconocer del ácido humor inglés de Peter Sellers en su primera etapa o de cómicos como Mr. Bean y otros esbirros, pero la verdad que los Monty Python tomaron el ácido humor inglés y lo pusieron más ácido aún, pero en el sentido alucinógeno. Ellos fueron una clara influencia y varias veces homenajeados por programas como "Saturday Night Live" y nuestro "Japenning con Ja". Basados en la improvisación y en el teatro del absurdo de Ionesco, Beckett, Pinter y un glorioso etc... Los Python fueron un grupo de cómicos que hizo las delicias de la siempre extraña Inglaterra a fines de los 60 y 70, que tenían su show de televisión en base a sketch breves y críticos y que incluso tuvieron algunas películas de humor bufo como la censurada en Chile "La Vida de Brian" y "Los Caballeros de la Mesa Cuadrada". De ese grupo salió el realizador Terry Gilliam. 

Terry Gilliam, si alguien me preguntara en Facebook que cineasta me gustaría ser, en uno de esos quiz algo absurdos,sería una mutación entre varios cineastas pero con harto de Terry Gilliam..bueno, Gilliam después de haber dirigido algunas película de los Python y muchos de sus episodios de TV, se lanzó al cine ya más de autor y a poco andar se mandó esta película y, como nó, invitó a varios de sus amigotes a participar tanto en la creación cono en varios papeles y guardando mucho de la desfachatez que los caracterizaba.

La historia: Dios creó al mundo pero no lo hizo solo, entre sus varios ayudantes había un grupo de enanos que hicieron más que nada los árboles, entre ellos un árbol apestoso y rosado que a Dios no le gustó (no les dije que era deschavetada la película?) por lo que los castigó dándoles la pega de mantenimiento, porque al hacer el mundo en solo 7 días, habían quedado varios hoyos sin cubrir y con el Mapa del Destino, ellos debían ir buscando los agujeros e ir cerrándolos, pero a estos enanos se les ocurrió convertirse en bandidos y robar riquezas escapando por esos agujeros a través del tiempo. Huyendo de Dios, llegan por error a la habitación de un niño que sus padres no pescan mucho por estar viendo tele, y se lo llevan a recorrer el tiempo y a robar a Napoleón (Ian Holm), pero se los calza Robin Hood (John Cleese) que les quita el botín para dárselo a los pobres y luego engañan a Agamenón (Sean Connery) con trucos de magia y de ahí... queda la locura máxima porque cuando se hunden con el Titanic van a un lugar llamado el Tiempo de Leyenda y todo puede pasar...y pasa.

La cosa es que yo he sido fan incondicional de esta película desde que una tarde de invierno pillé el cuarto final de la película en Tardes de Cine de canal 13 y quedé alucinando, partí viendo una secuencia en donde un gigante que tiene un barco por sombrero emerge del agua y avanza por una tierra desolada... y de esto habrán sido más de 20 años por lo menos. La busqué en el cable, traté de comprarla, no estaba en Errol`s, no la dieron más en la tele y había perdido las esperanzas hasta que hace poco la encontré!!. La llevé a mi casa y la vi y quedé mucho más orate de lo que estaba antes, es una película delirante y alucinante, no tiene pies ni cabezas y de seguro si postula a los fondos de fomento audiovisual no le dan ni un peso por loca..o por no incluir en el guión una secuencia en donde los enanos van al 73 y se reúnen con Allende (paréntesis, era necesario financiar tanta película sobre Allende en los Corfo, Fondos y otros concursos públicos?, como que se les pasó la mano). Bueno, los enanos se encuentran con la reencarnación del mal (no, no era Pinochet) y en un combate con vaqueros, caballeros medievales, tanques y naves espaciales en un campo de batalla hecho por piezas de lego de piedras en donde hay demonios con cara de vaca y manos de colmillos de elefante, definen el destino del universo.

Al final, uno no sabe si lo que vio fue una pesadilla del niño que le provocaron los absurdos programas de tv que ven sus padres o que, como dice el afiche de la película: "Todos los sueños que has tenido y no solo los buenos".

Aparte el notable trailer, en donde se burlan de Spielberg, Lucas y otras películas taquilla descaradamente, diciendo que esta película es más escalofriante que "Encuentros Cercanos" y que también tienen hombres volando,androides, monstruos vestidos de hombres y hombres vestidos de monstruo Como Star Wars y Superman..literalmente. Bueno, uno de los enanos es quien hizo de R2D2 (Kenny Baker) y Terry Giliam desprecia el cine de Lucas y amigos por considerar que tratan al público como estúpidos entregándole todo en bandeja.

En resumen, una película viejita pero huenona, un tanto desconocida que vale la pena ver por la desfachatez con que se dedican a hacer un cine único e irreverente, tiene todo lo que usó después Terry Gilliam en su gran cinematografía como enanos, gigantes, jinetes atravesando closets y murallas, monstruos demoniacos hechos con desperdicios, encuadres y movimientos de cámara absolutamente fuera de lo académicamente respetable y un ritmo narrativo sin pausa. Un festín visual y una pesadilla argumental, espero que alguien se anime a buscarla y verla.