7.29.2008

Tardes en el Rex: ROBOCOP (1987)


Recuerdo haber quedado boquiabierto al ver por primera vez la sinopsis de Robocop en televisión. No era para menos, pues todas las imágenes aparecían pixeladas y sólo se escuchaba claramente el sonido incidental: gritos, tiroteos, palabrotas, sonidos mecánicos… y la típica voz en off ochentera aclarando que no mostrarían imágenes de la película por tratarse de la más violentas exhibidas en el cine hasta la fecha, gancho suficiente para cualquier chileno normal que recién veía como la censura previa comenzaba a quedar en el pasado. Eso ya era suficiente para tentarme a ir al cine para ver Robocop.

Por supuesto nos reunimos con todo el lote de fanáticos de aquellos años mozos, pero no pudimos entrar a ninguno de los cines que podríamos llamar oficiales, los gloriosos Gran Vía y Nacional. Así las cosas, tuvimos que esperar hasta unas semanas después de su estreno en Antofagasta, llegara al legendario Cine Rex. Ahí no importaba la edad que tuvieras y la censura era un maní. Lo único que valía era pagar la entrada que en esa época y si mal no recuerdo, no pasaba los 300 pesos. Así las cosas, nos acomodamos como pudimos en las butacas derruidas, rogando que las pulgas no nos desangraran y que los ratones no se cruzaran por la pantalla. Y esa fue la primera vez que vi Robocop y más aún, que supe de la existencia de Paul Verhoeven, porque su película anterior, Conquista Sangrienta, llegó mucho después, obviamente luego del batacazo del policía cyborg en la taquilla más asidua a la sangre gratuita, a las escenas violentas y las muertes grotescas.

La trama ya la conocen. El idealista Alex Murphy (Peter Wheeler) arriba Detroit para integrarse al cuerpo de policía de esa ciudad, sobrepasada por el crimen y la delincuencia, razón por la cual la misma ciudad ha concesionado la policía a la poderosa compañía OCP, cuyo interés por limpiar las calles también radica en levantar la nueva Delta City sobre Detroit, proyecto que debería ser el de una ciudad modelo. Lejano a estos intereses económicos, Murphy trata de cumplir su misión de buen defensor de la ley hasta que cae en manos de la banda de Clarence Boddicker (Kurtwood Smith) y es asesinado de manera brutal -un espectacular tiroteo que incluye un disparo que destroza la mano de Murphy en primer plano. Apenas vivo, se convierte en el conejillo de indias perfecto para el proyecto de Bob Morton (Miguel Ferrer), que pretende crear el policía perfecto, un cyborg mitad máquina, mitad humano, que limpie de una vez por todas Detroit. Así nace Robocop, que a poco andar, también tendrá conflictos internos y tratará de recuperar lo poco y nada que recuerda de su vida anterior, siempre acompañado por la fiel oficial Lewis (Nancy Allen) y con la idea fija de destruir a aquellos que le quitaron su vida, sin sospechar que la venganza lo llevará a descubrir algo mucho más grande.

Fascina el gusto y el detallismo intenso de Verhoeven en las secuencias más violentas, una característica implacable en gran parte de su filmografía. A estas alturas, aún impresiona el fresco retrato de una sociedad consumida por la delincuencia y el crimen, en donde las mega corporaciones tienen el poder sobre la palabra y la acción y aunque la caricaturización excesiva es el sello del film, no es para nada despreciable el interés de Verhoeven por retratar una distopia aberrante, quizás ejemplo exacerbado de lo que pasa por la mente del gringo promedio lleno de miedo después del 9/11.

Pero hilando más fino, y para uno que siente cierto apego a la violencia en el cine, hay un par de muertes impecables, como la de Emil (Paul McCrane), uno de los secuaces de Boddicker, que luego de ser prácticamente disuelto en ácido, es atropellado por Lewis… realmente, memorable. Y para qué hablar de la notable secuencia final, el enfrentamiento entre Robocop-Murphy y Dick Jones, en el edificio de OCP… Nada más cliché, pero tampoco más efectivo, por lo menos en el desarrollo de esta película.

Y hablando de Paul McCrane, a lo mejor muchos lo recuerdan porque también protagonizó por un par de temporadas la serie ER, y también fue muerto de manera cuática, cuando un helicóptero le cae encima… ¡De antología! Y para que hablar de su participación en 24, como el hermano de Jack Bauer que termina siendo asesinado por su propio padre.

Demás está recordarles que tuvo dos secuelas: la segunda todavía salva, tiene su encanto y su crudeza propia, pero la tercera… por lo más sagrado de la humanidad, no la vea y si ya lo hizo… arrepiéntase. Tampoco voy a adentrarme en el mercadeo decadente que surgió en torno a la figura de Robocop que hasta fue convertido en un blanqueado, feble y mamón dibujo animado carente de gracia y de la violencia que enamoró a sus fans.

En fin, Robocop no es una película para todos los gustos, pero cumple a cabalidad la función de entretener, de desatar la violencia que llevamos dentro, de resarcirse en sangre y tiroteos sin remordimiento ni asco, sin pensar en críticos mamones ni en toda esa manga de cinéfilos que reniegan de todo ese tipo de cine que no “arte”… Y eso se agradece, en especial porque gracias a películas como esta, aprendí de chico que los clásicos son intocables, sin importar su género. Y Robocop es un clásico del cine de acción por donde se lo mire.

Ah! Y para los más amigos de las curiosidades, terminaré esta nota con sus nunca bien ponderadas directivas:

1. Servir a la verdad pública
2. Proteger al inocente
3. Hacer que se cumpla la ley
4. No desobedecer la orden de un oficial de OCP

LA PELICULA
Robocop
(Robocop)
1987
102 minutos
Dirigió Paul Verhoeven
Produjo Jon Davison
Guión de Edgard Neumeir y Michael Miner
Música de Basil Poledouris
Fotografía de José Vacano
Editó Frank Urioste
Actuaron Peter Wheeler, Nancy Allen, Ronny Cox, Miguel Ferrer, Kurtwood Smith, Daniel O’Herlihy, Ray Wise y los pobres extras que hacían de habitantes de Detroit…

7.24.2008

666 Razones para no escuchar Reggetón


R.E.M.

Automatic For The People

1992


Es invierno, para los que vivimos en la congestionada capital ya nos hemos aspirado varias preemergencias y las gargantas están un tanto averiadas y los pulmones ya no responden a nuestras exigencias como antes, así que como lo recetó mi doctor de cabecera, debo bajar las revoluciones y calmarme un poco.

Es por eso que tomo uno de los discos que han llegado a mis manos de las formas más raras posibles y me pongo a escucharlo, ya no con el ánimo de relajarme sino con el ánimo de comentarlo en esta columna.

A modo de confesión, el nombre de esta sección nació con el primer post, en el cual revisaba el último álbum de Iron Maiden y me parecía atinado, pero ahora ya no lo es tanto así que si alguien tiene una sugerencia para cambiar el nombre de esta columna, bienvenido sea.

Automatic for the People era algoque estaba en una fuente de soda en Estados Unidos en la cual alguien miembro de R.E.M. pasó y se le quedó grabado, una frase que deshumaniza la palabra gente (claro que people también se utiliza en inglés para "Pueblo"). Algo absolutamente opuesto al concepto que cruza este disco en cada uno de sus tracks, porque éste es un álbum absoluta y totalmente humano. Es melodioso, es dulce, es fácil de escuchar, pero a la vez es doloroso y triste y a la vez esperanzador, alegre y potente, en suma... humano.

R.E.M. es una bandita gringa que nació en los 80 tocando en universidades y en lugares alternativos, se podría decir que son la versión yanky de un grupo izquierdista chileno, siempre protestando, llenándose la boca con palabras grandilocuentes como "memoria histórica", "Libertad de expresión" o que se yo, con la diferencia que estos muchachitos lo hacían tocando buena música. Si bien llevan sus buenos años tocando, recién a comienzos de los 90 se hicieron famosos con el álbum Out of time y su mega hit Losing my Religion que los convirtió de perfectos desconocidos a estrellas del rock en menos de 4 meses, y los chicos se tomaron la pega en serio y cada vez fueron buscando nuevas formas de satisfacer a un público cada vez más exigente y es por eso que todos y cada uno de sus discos no tienen nada que ver con los otros.

"Automatic for the People" viene justo después del super ventas Out of time, 1991 y entre medio del apoteósico y dinosaurístico Monster, 1994 (que también son notables piezas musicales, pero que no refiero porque mi ánimo apuntaba a algo más calmo) y es un claro intermezzo entre ambos estilos esgrimidos, el primero es un álbum fácil de vender, con algo de rap incluso, canciones pegajosillas y al vocalista saltando, bailando y sonriendo, claro que en sus canciones hablaban del colapso del mundo, los amigos que se van y la pérdida de la fe, pero nosotros ingenuos consumidores, nos comprábamos el edulcorante. Monster en cambio va directo al hueso, es duro, es monstruoso y potente, no toma rehenes y no pone anestesia, con una instrumentación dura y potente.
Cosa que si hace AFTP, te adormece, te relaja, con melodías prodigiosamente orquestadas por un monstro del rock como John Paul Jones de Led Zeppellin y con un toque de neo folk urbano que le permite revisitar clásicos populares como "The Lion sleeps tonight" y la revisitan tan suavemente que no te das ni cuenta, o lanzarte de cabeza con una melodía simple y dulce que habla del dolor humano en "Everybody hurts".
Capítulo aparte merece el tema "Man on the moon" que habla exactamente de lo mismo que la película homónima de Milos Forman, es decir del comediante o mejor dicho, "performista", Andy Kauffman, aquí la pregunta es quien vino antes, el huevo o la gallina? la canción o la película? pues la canción, la película es de varios años después y tomó el título y la canción, con permiso de los chicos de R.E.M.
En resumen, un disco humano y suave que permite despejar tus oídos y tratar de mirar un poco hacia el interior, con melodías simples y bien orquestadas que te harán bien....que además cuenta con unos muy buenos video clips.

Automatic for the People
R.E.M
1992

La Banda: Mike Mills, Bill Berry, Michael Stipe y Peter Buck, orquestaciones por John Paul Jones

1.- Drive
2.- Try not to breathe
5.- New Orleans Instrumental N°1
6.- Sweetness follows
9.- Star me kitten


Se viene el Festival Internacional de Cine del Norte de Chile !!!



Quedan menos de dos semanas para que comience la quinta versión del Festival Internacional de Cine del Norte de Chile y, como buen regionalista y fanático del cine que soy, no podía dejar pasar la oportunidad de invitarlos a este evento que se realizará aquí en Antofagasta del 5 al 9 de agosto y que tendrá extensiones a las ciudades de Calama, Tocopilla, Mejillones, Taltal, María Elena, Sierra Gorda y Baquedano, convirtiéndose en un evento que por sobre todo, hace llegar el cine a las comunidades de la zona que no tienen la posibilidad de disfrutar del Séptimo Arte con cierta regularidad.



Hay que felicitar también a la organización por mantener el espíritu independiente y alternativo- alterativo del Festival, con estrenos e invitados totalmente fuera del mainstream, hecho que se agradece en estos tiempos de tanto interés en atraer público más por las malas que por las buenas. Demás está decir que todas (TODAS!) las exhibisones, foros y encuentros son gratuitos, así es que no excusa alguna para perderse esta inmejorable oportunidad de disfrutar de buen cine...



Bien, estimados/as, aquí les dejo el programa de la Competencia del Norte (cortometrajes nacionales) y de la Muestra de Cine Internacional y Nacional, ambas categorías llenas de excelentes realizadores, interesantes propuestas y novedosas alternativas para ver el cine con otros ojos y, como reza uno de los slogans del festi, "hacer visible lo invisible, y presente lo ausente"...





COMPETENCIA DEL NORTE

Elena de Juan Cortés Mancilla (Ficción)
Elena (55) padece un cáncer terminal y se haya sola con su hija autista de veinte años. Son sus últimas semanas y busca desesperadamente una solución para asegurar el futuro de su hija. Su familia las rechaza, no tienen dinero y están agobiadas por las deudas. La enfermedad le afecta vez más, la búsqueda parece no dar resultado y Elena observa angustiada como las puertas se le van cerrando.



Las Hermanas Quispe de Octavio Meneses (Documental)
A partir de la extraña muerte simultánea de tres hermanas de la etnia Colla durante la dictadura y en un recorrido por la precordillera de Atacama, el documental se adentra en los ritos de adoración a la tierra y el sol de un pueblo originario que está a punto de extinguirse, con la consecuente pérdida de su cosmovisión y costumbres. Utilizando fotografías del expediente y tecnologías de animación en 3D, junto a los relatos de testigos presenciales y familiares de las hermanas Quispe, se indaga sobre la causa y la forma en que murieron colgadas desde una roca en el sector de La Tola en la cordillera de la III Región de Atacama. Suicido colectivo, asesinato, rito de muerte ancestral son las interrogantes que aborda eesta interesante obra.



Mírame de Macarena Cortés y Carolina Cué (Animación)
Con la simpleza de dar vida a personajes inanimados, se desarrolla la historia de una pequeña niña que quiere ser vista por todos quienes la rodean.



Mujeres de Bolivia de Erick Aeschlimann (Documental)
Documental que retrata el diario de vivir de tres mujeres con oficios distintos, pero con un mismo fin: terminar con la desigualdad de un pueblo sumido en la pobreza y dominado por los intereses extranjeros. Flora vende carne de charqui en el mercado de Yungas en la Paz; Celia es pescadora en el Lago Titicaca, y Marina extrae los últimos gramos de estaño en el relave de la Mina Huanuni.



Niños de Papel de Carolina Quezada (Documental)
Matías y Abraham son dos niños que a sus cortos años ya se deben enfrentar al mundo real. Su inocencia se ve afectada ante la necesidad de trabajar en la recolección de papel. Mundo real que por esos días vive la vorágine de la festividad más grande del consumismo, la Navidad.



Noviembre de Andrés Tello (Documental)
En el Cementerio General de Antofagasta se narran pequeñas historias llena de ritos, plegarias, rezos y flores.



El Peso de Vivir de Roberto Avaria (Animación)
Acumulamos tantas presiones para parecer exitosos, que olvidamos darnos un respiro.

Quiero Volver a Besarte con los Ojos Cerrados de Rodrigo Muñoz Cáceres (Ficción)
María José y Nicolás, joven pareja, usan drogas, alcohol y se designan penitencias radicales a diario, lidiando con su ingreso al mundo laboral. María José, cansada de un vida sexual insatisfactoria, decide marcharse del departamento que comparten, desencadenando situaciones inimaginadas.



Santa María, Historia y Leyenda de Juan Luis Fábrega y Christian Duque (Ficción)
Son dos historias paralelas, una de ellas es real y grabada in situ, y la otra una ficción con dos personajes. En la primera una médium entrega pistas de lo ocurrido en un recorrido al interior de la abandonada Escuela Santa María de Iquique. En la segunda, a través de una investigación, el periodista Sergio Zambrano llega a conocer a un historiador y un antiguo portero de esta escuela.



Suerte de Eduardo Sánchez (Animación)
Un dragón desea mover una roca, pero como son las cosas, a veces ocurren pequeños detalles. Así, algo sencillo se hace difícil, y de allí viene la ironía.



Tortigeisha de Nicolás Ramírez (Documental)
Heterosexual, homosexual, transexual, travesti, MARACAIBA, TRAVESTONI, TORTIGEISHA. Estos viejos y nuevos conceptos sobre identidad sexual serán definidos por Carlos/Xily, un(a) porteño(a) que nos abrirá una ventana a su vida, su imaginación y a la estética de su mundo transformista, para que demos un vistazo y aprendamos con este híbrido de documental, ficción y diccionario humorístico.



La Tradición de los Bailes Chinos de Daniel Evans (Documental)
Los Bailes Chinos de la Virgen de la Candelaria llevan más de doscientos años venerando a María en la ciudad de Copiapó. El sentido testimonio de Pascual Castro nos sumerge en la intimidad del baile de los Chinos Tradicionales y de su propia historia, como humilde servidor de la fe bajo esta forma tan particular de sincretismo religioso.





MUESTRA DE CINE INTERNACIONAL Y NACIONAL

199 Recetas para Ser Feliz de Andrés Waissbluth (Ficción, Chile)
Una pareja de chilenos en Barcelona languidece bajo el influjo de un húmedo y caluroso verano. Mientras él intenta conducir la campaña promocional de un libro que promete la felicidad, ella no logra sacarse de la cabeza a su hermano menor recién muerto en Chile. Sus días se agitan con la inesperada visita de una perturbadora chica.


Amistades Inconvenientes, Alejandra Claro (Ficción, Chile)
Tres historias. Tres triángulos amorosos. Tres conflictos. Tres desenlaces inesperados. Miguel y Gonzalo son dos jóvenes universitarios viven juntos y mantienen una relación amorosa. En medio de las fiestas mechonas, Miguel conoce a Sole una estudiante amorosa y atractiva, que se interesa en él. Esto lo hace pensar y darse cuenta de que la única realidad que hasta ese momento conoce no es la que desea llevar, lo cuál acarreará impensados conflictos con su compañero. Lucho y Poncho viven en una pensión del centro de Santiago. Poncho es un tipo alegre y experimentado, y Lucho un joven de 23 años con un grave problema: es virgen. Lucho se lo cuenta a Poncho, él se lo cuenta a su novia Pati quién le cuenta a una amiga Enriqueta, y todos se concertan para terminar con el calvario de Lucho, aunque sin imaginar que el asunto se les escapará de las manos y hará flaquear sus propias convicciones. Por último, tenemos a Beto, un hombre que ve amenazada su libertad al enterarse que va a ser padre y Nibaldo, un profesor que anhela una familia. Ambos traman un plan en el que la sexy Tina, ahora embrazada de 8 meses, será el botín. Cada cual parece estar usando al otro para lograr sus propios fines, y creen conseguirlos. Pero no cuentan con el hecho que Tina es desde el principio la más astuta y es ella la que los está haciendo jugar su propio juego.



Curundú de Ana Endara (Documental, Panamá)
Kenneth es un carismático personaje que tiene por oficio hacer fotografías a sus vecinos del barrio de Curundú. “Un maleante casi retirado” y también, un hombre con talento para contar historias. A través de Kenneth y de sus fotos, el documental nos habla de Curundú; uno de los barrios más pobres y marginados de la Ciudad de Panamá.



Otra Pelea Cubana Contra Demonios... y el Mar de Tupac Pinilla (Documental, Cuba)
Carahatas, un pueblo de pescadores, está sometido al rigor de los huracanes que periódicamente barren con una buena parte de las casas. La solución propuesta periódicamente se basa en el desplazamiento del asentamiento poblacional lejos de la primera línea de costa, pero Carahatas se aferra al mar. Otros factores sociales dificultan la transmisión generacional de una tradición, un modo de vida que es la base de su resistencia.


El Pejesapo de José Luís Sepúlveda (Ficción, Chile)
Daniel SS es un personaje des-adaptado, que tras un fallido intento de suicido vuelve a reiniciar su vida, desde el Río Maipo hasta el centro de Santiago. En este recorrido no descubre ninguna emoción que restrinja la decisión de terminar con su existencia.



Satanás de Andrés Báiz (Ficción, Colombia)
Inspirada en hechos reales y basada en el best seller Satanás de Mario Mendoza. Una hermosa rebuscadora que estafa hombres ricos en procura de una mejor vida. Un sacerdote, enamorado y apasionado de su ama de llaves es atormentado por cargar con el peso del secreto de una mujer de su comunidad. Un profesor, veterano de guerra, resentido con la vida y las circunstancias, quien, de la mano de una de sus estudiantes, anhela salir del tedio de su vida ¿Pueden ellos sostener la presión de ser tentados por una prueba de sus más profundos deseos? Sus acciones tendrán consecuencias devastadoras.



Una República en Exilio de Cheikh Djemál (Documental, Francia)
Desde hace tres décadas, se encuentran refugiados 160 mil Saharuies en campos situados al suroeste de Argelia, que se han convertido en lugar de asilo. El pueblo saharaui está prisionero y desgarrado, el único de África que espera que su derecho a la autodeterminación le sea reconocido en la práctica. Este documental muestra la realidad que viven mujeres, hombres y niños confrontados cotidianamente al exilio forzado con dolor y sufrimiento, que guardan la esperanza de una paz y de un regreso a su tierra ocupada por Marruecos.



Una Temporada Sin Palomitas de Maíz de Gaël Mocaër (Ficción, Francia)
Este film nos sumerge durante un año en los bastidores del cine independiente de Bayona. La Atalante es una mentalidad, la lucha contra la industrialización y el merchandising del séptimo arte; la sala de proyección está acompañada de una taberna donde los espectadores se encuentran entre las escenas de las películas y hablan de cómo arreglar el mundo o vienen para buscar simplemente un poco de humanidad. No es un cine no como otros… En el curso del año, descubrimos a Ramuntxo, su director, frente a sus responsabilidades. A su lado, Jean-George, un proyeccionista buenazo, en medio de sus bobinas en la penumbra de una cabina minúscula de proyección. Alrededor de ellos, una multitud de personajes coloridos y atractivos los acompañan en su combate para una cierta idea del cine...


Vía Láctea de Lina Chamie (Ficción, Brasil)
Heitor y Julia son novios. Atardece en la ciudad de São Paulo y la pareja tiene una violenta discusión por teléfono. Heitor decide ir al encuentro de Julia para resolver las cosas cara a cara. Angustiado, coge el coche y va a casa de la novia. Durante el trayecto por las calles de São Paulo, en la hora punta del inicio de la noche, Heitor se pone a observar la ciudad y la ciudad empieza a interferir en sus pensamientos.

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Bueno, muchachos/as, los esperamos en CineMundo Shopping para las exhibiciones de este año... Estoy seguro las van a disfrutar... Para más información, visiten la página del Festival Internacional de Cine del Norte de Chile que este año, se viene con todo!!!!!!!!!!

7.21.2008

LAS PELICULAS QUE DETESTO: Gladiador (2000)

La maldición de Ridley Scott
No entiendo a Ridley Scott. Ha realizado filmes mayores, de esos de culto y con una trascendencia difícil de lograr, y por otra parte ha hecho pelis detestables, carentes de alma, absurdamente aburridas… como si de verdad no fuera más que un buen artesano por encargo, mal que se ha esparcido por el mundo del cine comercial como una plaga de mal gusto y peores resultados.
Tampoco puedo comprar a Ridley con tipos como Brett Ratner o Jon Turtletaub. Por lo menos Scott ha demostrado con creces que tiene talento y que aunque le encarguen hacer una mierda, la mierda le quedará medianamente decente… Bueno, a excepción de G.I. Jane (1997) que no se salva por ninguna parte, ni siquiera pasándome rollos con la postura sexualmente ambigua de Demi Moore. Pero si hay una peli de Scott que detesto, es Gladiador y antes que me crucifiquen (o mejor dicho, me tiren a los leones), déjenme explicar por qué.
Me encantan las películas con tintes históricos, por lo mismo, he aprendido a obviar y olvidar esos detalles dramáticos que rompen absolutamente con lo que podríamos llamar la “historia oficial”. En eso, Gladiador no tiene ningún problema. Es más, siempre luce relativamente creíble, con correctas reconstrucciones de escena (obra y gracia de la tecnología) y vestuario, aunque a estas altura me suena cada vez más increíble y jocoso ver a un gladiador hablando en perfecto y correcto inglés considerando lo brutales e ignorantes que eran muchos de los generales romanos de la época, en especial los de extracción de regimiento, como parece ser Maximus, interpretado por un nada tragable Russell Crowe.
Se destaca la escasa pero siempre correcta participación de los veteranos Richard Harris y Oliver Reed, además de la presencia de secundarios bastante dignos como Djimon Hounsou y Ralf Moeller. Más que digna y potente es la aparición de Joaquin Phoenix como Comodus. Sin embargo, por otra parte tenemos a Derek Jacobi con los mismos manierismos de actor de teatro a los que nos tiene acostumbrados y la desabrida Connie Nielsen que no logra en momento alguno, darle algo de peso al importante personaje femenino de la trama.
Por otra parte, está la fotografía que al común de los mortales le puede parecer espectacular y magnífica, pero que a mí me molesta, quizás por esa tendencia al video clip tan inherente a tantos filmes gringos actuales. Mucho filtro, demasiado color retocado; demasiado efecto bombástico en la edición para darle mayor efecticismo a las secuencias de acción, demasiado discurso de baja estofa y frases que pretenden ser para el bronce. Demasiada sangre generada por computadora… bueno, esa crítica es por una cuestión romántica más que nada, pues prefiero la vieja salsa de tomates de las películas B.
Pero lo que menos me convence es la actuación de Crowe. Es una especie de maniquí con armadura, con el ceño fruncido como si sufriera estreñimiento. Me da la impresión que el Oscar se lo entregaron simplemente para saldar la deuda que tenían con él desde El Informante (Michael Mann, 1999), cuando realmente debieron premiarlo como Mejor Actor. La cosa es que comparado con Joaquin Phoenix, Crowe luce como un primerizo mamarracho de actor, más parecido a Clint Eastwood o a Steve McQueen en sus peores momentos. Es más, creo que aparte de las apariciones de Phoenix y los breves papeles secundarios de Oliver Reed y Richard Harris, no es mucho lo que rescato de esta cinta aburrida, predecible, hecha a la medida de lo que gusta y prende entre los críticos gringos que, desde mi perspectiva, se conforman con expectativas bastante bajas y rutinarias en lo que a películas de calidad se refiere, ateniéndose siempre a las mismas viejas y archiconocidas fórmulas formales y de contenido.
Es inevitable también comprarla con otros épicos históricos, como Espartaco de Stanley Kubrick (1960), la notable Quo Vadis (Mervyn LeRoy, 1961) o 300 (Zack Snyder, 2007) que, por último, adopta una estética definida y fantasea libremente sobre la batalla de las Termópilas, caricaturizando sin asco ni remordimiento a sus personajes. Quizás eso es lo que falla en Gladiador, la intención de hacer un épico trascendental y quedarse a medio camino, plagada de personajes estereotipados y secuencias grandilocuentes que fascinan a la platea, pero que son fácilmente olvidables.
No sé qué le pasa a Ridley Scott. A veces, es un tremendo director y otras, un vulgar realizador de esos de matiné, de mal gusto y escasa creatividad. Por lo menos su hermano Tony hace bodrios de películas sabiendo lo que hace, sin tratar de engañar a nadie. Gladiador en cambio, trata de pasar por película inteligente y seria, y no le alcanza ni para función de trasnoche. Y aunque esto también se debe a un mal guión (en este caso, entre tres cerebros no hacen uno), lo cierto es que lamentablemente la marca de la deshonra recae en el pobre tipo que debe poner su nombre al final de la frase “A film by”, en este caso el malogrado Ridley que se llevó aplausos, premios y nominaciones por una película que como tantas otras que se han hecho de la condenada estatuilla, pasará al olvido más temprano que tarde.

LA PELICULA
Gladiador
(Gladiator)
2000
150 minutos
Dirigió Ridley Scott
Produjeron David Franzoni, Branco Lustig, Laurie McDonald, Ferry Needham, Walter F. Parkes, Douglas Wick y Ridley Scott
Guión de David Franzoni, John Logan y William Nicholson
Música de Hasn Zimmer y Lisa Gerrard
Fotografía de John Mathieson
Actuaron Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen, Richard Harris, Oliver Reed, Derek Jacobi, Djimon Hounsou, Tommy Flanagan, Ralf Moeller, cientos de extras digitalizados en los palcos del Coliseo y otros tantos gladiadores que mueren como mosquitos...

7.17.2008

Sebastián Badilla, director de Virginidad Sangrienta: "Soy un adolescente común y corriente que quiere hacer películas"

A Sebastián Badilla comencé a ubicarlo por comentarios de terceros, de amigos y conocidos del ambiente audiovisual que lo catalogaban como un nuevo Nicolás López, tanto por sus temáticas, como por su pinta de nerd medio zafado, con un par de tornillos sueltos, aficionado a todo aquel tipo de cine despreciado por el común de los mortales y de los críticos que se las dan de “serios”.

Fue así como enteré de la preproducción de la nueva obra de Sebastián. Se trata de Virginidad Sangrienta, un mediometraje que se centra en la figura de un adolescente que debe comenzar a asistir regularmente a un gimnasio para combatir el sobrepeso. Es aquí donde su entrenador personal tratará de convencerlo de perder la virginidad, invitación que también lo llevará al oscuro submundo del vampirismo.

Quizás lo que pueda sorprender a muchos es que Sebastián ya trabaja como un profesional, cuando recién cuenta con 16 años, y que a pesar (o gracias) a esto, en su proyecto cuenta con la participación de Felipe Avello como actor y coguionista, y de las actrices Katyna Huberman y Antonella Ríos, además de Jordi Castell y Fernando Alarcón, entre otros miembros de un equipo que trabaja muy en serio y que está dispuesto a llevar a buen final este proyecto.

Es por eso que conversé con Sebastián a poco de empezar el rodaje de Virginidad Sangrienta y tomarle el pulso a su obra y sus ideas…

En primer lugar, quién es Sebastián Badilla y cómo fue que se metió en esto del audiovisual…
Soy un adolescente común y corriente que quiere hacer películas. Empecé a los 13 años haciendo videos caseros con mis tíos y abuelitos. Después, en el 2006 hice mi primer corto... "profesional" que se llamaba Rescate Express y era protagonizado por Ariel Levy y Eduardo Ravani.

¿Cuáles son los temas recurrentes de tu obra?
Trato de mezclar cine fantástico con comedia. Generalmente con cosas que me ocurren a mí o a mis cercanos. O simplemente con cosas divertidas.

¿De qué trata Virginidad Sangrienta y en qué pasos está?
Es una comedia sobre un adolescente que quiere perder la virginidad, mezclado con el tema de los vampiros. Es una comedia terror que la escribí junto a Felipe Avello y que produce Jorge Olguín, director de Sangre Eterna.

Cómo ves la realidad actual del cine chileno o mejor dicho, del audiovisual en general?
Encuentro que está súper, el cine chileno cada día es más y obtiene buenos resultados en taquilla. Vamos en camino a ser una industria a la chilena. Ahora, en el audiovisual en general, creo que la televisión va de mal en peor. Dándole espacio a gente resentida y envidiosas en programas de comedia e irreverentes. Esos programas los encuentro asquerosos. Lo único que rescato de la TV es a Felipe Avello, no solo porque sea mi amigo, sino porque es divertido e inteligente. Los demás programas cómicos son solo malas copias de Felipe Avello.

Echemos a volar la imaginación... Pensemos que a Virginidad... le va el descueve y varios directores reconocidos te llaman para hacer una nueva versión, ¿a quién cederías los derechos para hacer este remake?: Scorsese, Tarantino, Cronenberg o Abel Ferrara... y por qué...
Entre esas opciones, me quedo con Tarantino, lo admiro mucho como director y sería un verdadero honor que él hiciera el remake de mi película.

Desde mi punto vista, Virginidad... ha tenido una excelente difusión a través de internet, en soportes que creo, recién están siendo aprovechados... ¿Cuál es tu opinión de esta nueva forma de publicidad? En especial en el caso de realizaciones que están un tanto fuera del mainstream, si es que en Chile existe algo así...
Lo encuentro la raja, internet es una posibilidad de publicidad extraordinaria para proyectos independientes como Virginidad Sangrienta, aunque también hemos tenido varios reportajes en diarios, televisión y revistas. Pero creo que internet es un medio que nos cubre 100% con gran facilidad.

Entremos al tema de festivales nacionales... ¿Crees que están cumpliendo la función de potenciar el audiovisual emergente de nuestro país? ¿Tienen los directores jóvenes el espacio para darse a conocer a través de estos eventos?
Los festivales nacionales están perdiendo lo que eran antes. Cada vez seleccionan cosas más asquerosas que mostrar, nadie va a los festivales, salvo el Sanfic que si se llena. A mí por lo menos, no me interesa mucho mostrar mi trabajo en festivales nacionales, prefiero internet que puedo llegar gratuitamente a millones de personas como lo he hecho con mis cortos anteriores, Repitente y Frikuras.

Por último, a qué realizador o productor o guionista o actor admiras, quién es el tipo o la tipa que detrás o enfrente de las cámaras te provoca escalofríos...
Admiro profundamente a varios autores. Pero de frentón a Kevin Smith, Woody Allen, Jerry Seinfeld, Quentin Tarantino, Álex de la iglesia, Judd Apatow, Seth Rogen, Edgar Wright y Simon Pegg.


Si están interesados en saber más de la peli, sus adelantos y próximos eventos, pueden encontrar información más que sufieciente navegando en la red, aunque prefiero recomendarles visitar directamente el sitio de la peli, http://virginidadsangrienta.wordpress.com/ Ah! La foto la saqué del sitio de Sebastián en Facebook...

7.08.2008

Wall-E (2008)… Los cerebros de Pixar no dejan de sorprenderme


A veces me cuesta creer y aceptar que el mainstream gringo sea capaz de generar obras de calidad, inteligentes, bien hechas y mejor pensadas. No voy a negar que me gustan algunas películas de animación de la nueva generación, pues jamás, ni en mi más tierna infancia me agradaron los bodrios de Disney. Debo alabar lo logrado por Monsters Inc. (2001), Finding Nemo (2003), The Incredibles (2004) o Antz (1998), pero hay otras que me han dejado indiferente, aunque todas han aportado ya sea técnica o argumentalmente al género animado que tan de capa caída estuvo a fines de los 90. Pero con Wall-E, Pixar ha dado un salto cualitativo y cuantitativo enorme, dejando la vara altísima para próximas producciones de este tipo.

La historia es sencilla. Los habitantes de la Tierra, al ver el planeta totalmente contaminado y cubierto por basura, han decidido abandonarlo, dejando a cientos de robots cuya única misión es la limpieza de nuestro derruido mundo. Después de 700 años, lo único que queda de aquel ejército de robots es una pequeña unidad de Waste Allocation Load Lifters – Earth Class, es decir un Wall-E, diminuto aparato que durante siglos no sólo ha continuado con su incesante labor de limpieza, si no que hasta ha adquirido su propia inteligencia y hasta cuestionamientos que el espectador prácticamente debe adivinar, ya que el vocabulario de Wall-E no es más que electrónicos sonidos en que se distinguen no más de tres palabras.

Coleccionista empedernido, a poco andar descubriremos que tiene cierta noción de búsqueda de compañía o amor, la que se verá revelada con la llegada de Eve, una robot exploradora con la que Wall-E verá cumplidas sus expectativas y finalizada la búsqueda de aquello intangible que, aún así, sabe que le falta. Pero este encuentro no será si no el inicio de una gran aventura en donde Wall-E será el principal protagonista.

No quiero dar más datos ni detalles, la idea es que la vayan a ver, con sus hijos, sus sobrinos su nietos o solos, porque de todas maneras la van a disfrutar. En primer lugar porque más de la mitad de la película no tiene diálogos y los robots no pronuncian más de tres palabras, una apuesta arriesgada para una película destinada al segmento infantil, pero que funciona de maravillas con grandes y chicos. En segundo lugar, una inmensa cantidad de mensajes entre los que destacan el compañerismo, el cuidado por le medio ambiente, críticas al sedentarismo y a la mediatización del ser humano. Se trata de una obra madura, para nada obvia, plagada de pequeñas delicias para los cinéfilos (directas y nostálgicas alusiones a Cortocircuito y 2001) y por supuesto, un tratamiento visual alucinante, en el que no sólo destaca la magia de los personajes principales, si no que también en especial la casi apocalíptica visión de la Tierra cubierta de desperdicios en contraste con la inocente y tierna figura de Wall-E.

No es que me esté poniendo mamón, pero de verdad la peli es una exquisitez. Es ágil, posee un sólido guión que hasta me recuerda maravillosos momentos del cine mudo. No se trata de una serie de gags mal pegados, si no que de eventos tan cómicos como dramáticos que van construyendo una historia a simple vista sencilla, pero que tiene muchas lecturas entre líneas, construidas sobre una sólida puesta en escena y momentos de impagable emoción.
Lo más sorprendente es que, como pocas veces pasa en películas infantiles, no había cabros chicos corriendo por las escalas a la mitad de la película, ni hablando de cualquier otra cosa. Es más, me sorprendió la empatía que Wall-E logró con los niños, al punto que todas sus preguntas o intervenciones giraban en torno a la película, a comprender lo que no lograban captar, dado que, diablos, debe haberlos puesto a prueba una película que no les entregó todo masticado y casi digerido, lo que debe haber hecho funcionar sus pequeños cerebritos tan mal acostumbrados a la simpleza bobalicona de la televisión, de los juegos electrónicos o de otras películas del género que sabotean y denigran la inteligencia de los más pequeños. Hasta Martín, nuestro “bodoque” observó la película atentamente, casi con la boca abierta y con una concentración que imponía respeto. Tan comprometido estaba con Wall-E que no podía reírme del pequeño robot, pues Martín no dudaba en demostrar su enojo, al salir en defensa de este sencillo e inocente personaje que, para que andamos con rodeos, está diseñado para quererlo a primera vista (gran técnica de mercadeo), pero cuya historia deja mucho más de lo que aparenta.
Bien por lo cerebros de Pixar. Bien por el género animado. Bien por los niños que tendrán la oportunidad de ver una película que los hará pensar un poquito más. Bien por todos nosotros que podemos agregar un nuevo pequeño clásico a nuestra particular filmoteca, uno entrañable y de una calidad difícil de superar.
LA PELICULA
Wall-E
(Wall-E)
2008
97 minutos
Dirigió y escribió Andrew Stanton
Produjeron Jim Morris y Lindsay Collins
Efectos visuales y animación de Lason Johnston, Chris Fowler, George Hull, Austin Lee y Chris Chapman
Música de Thomas Newman
Sonido de Sean England, Benjamin Burtt, Dustin Carwood and Frank Clary
Con las voces de Benjamin Burtt, Jeff Garlin, Elissa Knight, John Ratzenberger, Kathy Najimy, Sigourney Weaver y la participación especial de Fred Willard.

6.25.2008

CINEMA INFERNO: Trauma


De como el Giallo llega a norteamérica.

Título Original: Trauma
Director: Darío Argento
Escrita por: Franco Ferrini, Gianni Romoli y Darío Argento
Reparto: Asia Argento, Piper Laurie, Brad Douriff y un lolito poco recordable...

Si dentro de los lectores hay algún fan acérrimo de Argento de seguro le hierve la sangre porque esta es una de sus películas menos exitosas en cuanto a crítica y público, además es su debut dirigiendo en inglés después de un notable currículum en Italia, pero la verdad a mi me importa poco porque es una de las primeras películas que vi en la novedosa novedad que era por los inicios de los 90, el llamado Cable.
Corría 1994 y yo estaba en 4to medio y pasaba la casualidad que yo vivía más o menos lejos de mi colegio y la mayoría de mis compañeros de colegio vivían más cerca así que cuando se organizaba un carrete o algo por el estilo yo iba pero en vez de atravesar medio Santiago para volver a mi casa a altas horas de la noche, prefería quedarme en la casa de mis abuelos que vivían muy cerca de mi colegio. Y bueno, como mi abuelo tenía cable y yo no, y la casa era grande y no molestaba a nadie, me quedaba en la galería de la casa , sentado en el comodísimo sillón de mi abuelo, al lado de una salamandra (antecesora de fierro forjado de las actuales estufas de doble combustión) ya que normalmente los carretes escolares son en invierno, así que tiraba un leño, prendía la tele y me quedaba tooda la noche viendo algo.
Una noche de particular frío agarré esta película y al minuto ya estaba de cabeza metido en la historia, de por si muy retorcida y sangrienta, con unos espectaculares usos de cámara que no había visto antes y que pocas veces vi después. Como toda película de Argento, la trama es bastante enredada, un lolito ayuda a una chica suicida, la lleva a la casa y justo cuando llegan la madre de esta estaba haciendo una sesión de espiritismo y zuácatela, terminan todos decapitados. De pronto empiezan a morir enfermeras, doctores y similares miembros del cuerpo médico, todos decapitados y todos de alguna forma relacionados con un incidente del pasado. Se repite la fórmula que Argento patentó, crímenes visualmente grotescos, tramas enredadísimas, una fotografía muy inusual plagada de colores básicos y ajenos a lo usualmente usados en la fotografía tradicional y una sangre demasiado roja. De más está decir que la trama se llena de muchos giros golpes de guión...l escena imprescindible, cuando la pareja protagónica entra a departamento de una enfermera y llegan justo cuando la cabeza decapitada con solo los borbotones de sangre que quedan en la garganta dice las últimas sílabas del nombre de su asesino...operáticamente notable.
Bueno, a veces en esas frías noches de cine, el insomnio vencía a mi abuelo y me acompañaba a ver alguna película, claro que yo le dejaba el sillón y me sentaba en una silla a su lado, la verdad no hablábamos mucho, nunca lo hicimos, era un viejo parco, enchapado a la antigua, en donde la mejor forma de criar a un hijo o un nieto era demostrar entereza y una coraza impenetrable peor, yo disfrutaba muchos esas noches de insomnio cinematográfico. Ojo, en un post anterior hablé de mi abuelo y Rocky IV, bueno, éste es el otro, pero entre los dos forjaron mi amor por el cine.
El dato freak, se prepara un remake de Suspiria, una de las mejores de Argento, para el 2010

6.21.2008

Kontroll (2003)... o cómo conocí las oscuras estaciones del metro de Budapest


Hay películas que te quedan dando vueltas por algun tiempo, que regresan a tu memoria prendidas por pequeños hechos de la vida diaria. Una de esas es, para mí, Kontroll, una oscura película húngara que tuve la suerte de ver hace algunos años, gracias a la extensión del Cine Europeo en Antofa.

Kontroll no es una obra maestra, aunque sí es una muy buena película, un híbrido que mezcla instantes de profunda introspección, acción, asesinatos en serie, personajes freak, algunos casi lynchianos, y una puesta en escena, por decir lo menos, atractiva y seductora.

La historia se desarrolla completamente en las venas de cemento que corren bajo la ciudad de Budapest. Se trata de uno de los trenes subterráneos más viejos del mundo, un mundo fantástico e independiente que se rige por sus propias reglas y con sus particulares códigos de honor. Es aquí donde el espectador encuentra a Bulcsú (Sándor Csányi), un joven cobrador de boletos con un pasado oscuro que le ha obligado a pasar su vida en el metro, sin jamás querer o atreverse a salir a la superficie. Bulcsú es un tipo extraño, aunque no más que sus compañeros, todos ellos parias, que sólo se sienten a gusto en las profundidades. Así, vamos conociendo no sólo a Bulcsú, que recorre compulsivamente túneles y pasillos y que duerme en estaciones frías y silencionsas, si no que a toda la fauna que lo rodea y con la que convive: sus jefes, grupos de cobradores rivales, un misterioso asesino en serie que empuja pasajeros hacia los rieles y por supuesto, la sorpresiva y cálida aparición de Sofi (Eszter Balla) una joven de carácter fuerte, que al igual que Bulcsú, recorre el metro de Budapest, aunque ella se protege tras un disfraz de oso rosado, mientras acompaña a su padre en los recorridos que hace a lo largo y ancho del subterráneo como chofer de una de las máquinas.

Todas estas historias son perfectamente unidas por la oscura pero bella puesta en escena a cargo del director Nimrod Antal, que luego de esta película fue tentado por Hollywood para realizar Habitación sin Salida (2007) con Luke Wilson y Kate Beckinsale, una regular película de suspenso en la que no salió muy bien parado. Por eso quizás es aún más recomendable darle una mirada a Kontroll y descubrir una película hecha con creatividad, que mantiene al espectador pegado a la butaca aunque todo el film se desarrolla entre estaciones, rieles y pasillos; una peli interesante desde todo punto de vista, muy bien construida en torno a sus personajes (el amigo narcoléptico es brillante) y a la desilusionada vida de Bulcsú que, sin embargo, llegando el final encuentra algo de redención.

Trate de verla. La mezcla de géneros que recorre la hora y cuarenta de la peli es bastante atractiva y le aseguro que no se aburrirá. Al contrario, pasará un muy buen rato y le apuesto que así como a mí, le pasará que no podrá olvidarla tan fácilmente.

FICHA TECNICA
Kontroll
(Kontroll)
2003
105 minutos
Dirigió y escribió Nimród Antal
Produjo Tamás Hutlassa
Música de Neo
Fotografía de Gyula Pados
Editó István Király
Actuaron Sándor Csányi, Sándor Badár, Csaba Pindroch, Eszter Balla, Zoltán Mucsi, Zsolt Nagy, György Cserhalmi, Enikö Eszenyi, Lajos Kovács y muchos extras húngaros

6.17.2008

Cuando Los Dinosaurios Gobernaban la Tierra IV


Grobschnitt – Solar Music Live (1978)

He aquí una joya, una de verdad, de esas escasas obras maestras que encantan, apasionan y elevan a doctos y principiantes, uno de esos discos alucinantes de comienzo a fin, un viaje por la sicodelia setentera, lo más poderoso del krautrock germano de la época y por supuesto, pasajes que serán el deleite de todo amante del rock sinfónico.
Luego de cuatro medianamente exitosos álbumes en estudio, entre 1972 y 1977, los chicos de Grobschnitt se embarcaron en la teatral realización de Solar Music, disco que tiene como base la mayor parte de los temas de Ballermann (1974) su segundo LP, con bastantes cambios, progresiones e innovaciones, lo que concede a esta obra singulares características musicales, sin dejar de lado una puesta en escena que en la época era de los más atractiva, con todo un show de actores, bailarines, pirotecnia, fuego, malabaristas y demás transitando sobre el escenario, mientras los chicos de Grobschnitt daban forma y vida a este impresionante fresco musical de poco más de una hora.
Entonces, un disco de este calibre no puede ser menos que sorprendente, partiendo por las letras, que en general rozan el humor negro, desprendiéndose de la seriedad y aquellas ínfulas religiosas de algunas bandas de la época. En segundo lugar, el encadenado de los temas que hace sentir al auditor como si se tratara de una sola gran y larga pieza en constante crescendo, con una contundente entrada a cargo de la brillante y alegre Solar Music I, para introducir al oyente en un mundo generoso en consistentes solos de guitarra, ritmos cadenciosos, sicodelia desatada y un gran final épico y liberador a cargo de las magníficas Golden Mist y Solar Music III.
No hay puntos bajos en esta monumental obra y por lo mismo no escatimaré elogios hacia la banda ni este álbum. La mayor parte del tiempo, trato de ser bastante cauto y no tomar partido para ser lo más parcial posible, pero con Solar Music es inevitable dejar de lado toda esa sarta de precauciones e inseguridades y dejarse llevar por las excelentes interpretaciones y mejor concepto contenido en esa joyita de fines de los 70, un disco y una banda relativamente olvidados, aplastados por otras bandas que alcanzaron mayor fama en la época, aunque no está demás recordar que la crítica y los fanáticos coinciden en destacar sus cinco primeros discos entre los mejores del prog sinfónico.
No está demás añadir que además de Ballermann y Solar Music, debo recomendar abiertamente su disco Rockpommel’s Land (1977) otra maravilla progresiva que gustará a grandes y chicos y que por momentos, los dejará boquiabiertos. Pero no tanto como Solar Music, esta verdadera obra maestra del prog, una exquisitez fuera de época, un deleite tan grotesco por su planteamiento a veces brutal, a veces tribal, místico y casi primitivo, y otras veces poseedor de una belleza preclara, mágica y catártica.
No se lo pierdan, es una pieza como pocas, que llenará sus oídos de increíbles sonidos y sensaciones…

EL DISCO
1. Solar Music I (4:38)
2. Food Sicore (3:52)
3. Solar Music II (6:03)
4. Mühlheim Special (10:43)
5. Otto Pankrock (6:26)
6. Golden Mist (10:56)
7. Solar Music III (12:26)
Bonus tracks on 1998 release:
8. The Missing 13 Minutes (13:08)
9. Vanishing Towards The East (0:35)

Total Time: 68:47

Los músicos
Stefan Danielak (Wildschwein) / guitarra, voz
Joachim H. Ehrig (Eroc) / sintetizadores, batería, voz
Wolfgang Jäger / bajo
Volker Kahrs / teclados, voces
Gerd Kühn (Lupo) / guitarra, voces

Info del CD
CD Repertoire PMS 7096WP (1998)

6.09.2008

TARDES EN EL REX: La Naranja Mecánica (1972)


Comencé a ir al cine con frecuencia el año ‘87, simplemente porque había una chica que me atraía y ella tenía la costumbre de ver películas los jueves, cuando la entrada estaba rebajada. Yo, tratando de engrupir, quise aprovechar la instancia para estar cerca de ella y ver si saltaba la liebre, pero nunca pasó nada. Lo que sí le agradezco a esta chiquilla es que su belleza y mi calentura gatillaron este agradable vicio por el séptimo arte.

Claro está que en esa época yo era un niño de pecho y me interesaban más las comedias y las películas de acción. Como aprovechábamos todas las baratas que había en las tres salas que había en Antofagasta en aquella época, mis amigos y yo fuimos a parar al Cine Rex a disfrutar de sus famosos rotativos triples, esos que te dejaban con le poto acalambrado y los ojos cuadrados de tanto ver películas. Y fue en una de esas tardes mañosas que me encontré por primera vez en mi vida frente al hermético cine de Stanley Kubrick. Como muchos, fui víctima del síndrome Naranja Mecánica, desde aquel momento en que Malcom McDowell en el rol del perverso Alex DeLarge abre la cinta con la célebre frase “Estábamos yo, Alex y mis tres drogos, Pete, Georgia y Dim…”.

No sé si es la mejor película de Kubrick, pero sí la más efectiva, cruda y política. Para los doctos, 2001, Barry Lindon o Full Metal Jacket pueden ser las obras cumbre de este extraordinario realizador y en cierta medida, estoy de acuerdo, pero la Naranja tiene sus gracias y por supuesto, sus fans incondicionales, todo ello también en gran medida propiciado por el excelente libro de Anthony Burgess, que años después tuve la suerte de leer en inglés.

Los ingredientes son interesantes. Kubrick, que también fue el guionista, tuvo la facultad de traspasar el libro de Burgess a la pantalla sin dejar de lado el trasfondo político y la ácida crítica social, convirtiendo al pervertido y violento Alex en casi un ejemplo a seguir, un sucio delincuente adicto a la leche con drogas, violador, asaltante y ególatra maniaco que de todas maneras tiene la oportunidad de redimirse y más aún, al final, de convertir la violencia en una apología al ser humano común y corriente.

En el fondo, es inevitable sentirse atraído por la magnética figura de DeLarge, correctamente interpretado por McDowell. Un observador feroz de la realidad atroz que lo rodea, pero a diferencia del héroe del caso, Alex no quiere cambiar el mundo ni convertirlo en un lugar mejor. Despiadado y sin ningún control sobre sus actos, instintivo y feroz, se regocija en la misma mierda que ha heredado de la sociedad toda, transformándose en un producto concreto de sus tendencias amorales y del entorno, mutando en un ser escasamente redimido, abrumado y castigado por el mismo sistema que lo ha creado, cual moderno Frankenstein lanzado otra vez al frío exterior, esta vez armado con arrepentimiento y represión, con falsa modestia y la sin razón de ser una persona normal. Y es el mismo sistema el que otra vez lo redime, el que libera una vez la mariposa de su pupa, nuevamente bella y quizás hasta más despiadada y feroz que antes.
Un personaje brillante para un film brillante, plagado de secuencias antológicas, como la pelea de Alex y sus amigos en un teatro abandonado, contra una pandilla rival, violencia explícita y desaforada coreografiada por el bueno de Beethoven; la escena de sexo con dos chicas en la habitación de Alex, esta vez con el William Tell de Rossini acompañado el ritmo desenfrenado de una diminuta porno en cámara rápida; la desagradable golpiza al anciano bajo en un túnel, a contra luz… la humillación de Alex frente a policías y médicos luego de pavloviano tratamiento al que es sometido para “curarlo” y por supuesto, la genial secuencia de la violación en la casa kitsch del escritor, con McDowell dándole un sentido totalmente distinto y perverso a Singin’ in the Rain, canción que fue propuesta e improvisada por el mismo actor dado que era la única que se sabía de memoria…

A veces, hasta me parece una película educativa, una de esas que deberías mostrarle a los cabros chicos para que sepan lo que es violencia y sus consecuencias, aunque claro está, no habría que mostrarles el final… De todas maneras, un film legendario, iniciático, Kubrick en una faceta que quizás sólo repitió en Full Metal Jacket, esa mirada tan especial que tuvo para enfocar la violencia hasta lograr que de verdad nos provoque asco y no agrado como ocurre con la mayor parte de las pelis gringas. Se nota la mano del maestro y su gusto exquisito por la degradación humana, pero sobre todo, por atreverse a indagar dentro de la psiquis de la juventud de la época que perfectamente puede ser la juventud de la nuestra, esa enceguecida por el regatón, los programas de farándula, la pasta base, las zapatillas caras y la necesidad suplicante de una guía real y no de palabritas sacadas de la biblia. Una delicia para los verdaderos amantes del cine y un recuerdo más que grato de mis primeros encuentros con el cine de verdad, ese que aún me deja boquiabierto y hasta esperanzado…

Repítasela. La puede encontrar en DVD y hasta en el cable de repente. Un clásico con todas sus letras y de esos inolvidables…
FICHA TECNICA
La Naranja Mecánica
(Clockwork Orange)
1972
131 minutos
Dirigió, produjo y escribió Stanley Kubrick, sobre la novela homónima de Anthony Burgess
Fotografía de John Alcott
Editó Hill Butler
Música de Walter Carlos (bueno… ahora es Wendy Carlos)
Actuaron Malcom McDowell, Patrick Magee, John Marcus, Michael Tarn, Warren Clark, Adrienne Corri, Michael Bates, entre otros...