Blog para cinéfilos y melómanos... Para ver el cine con otros ojos y escuchar la música con nuevos oídos...
sNaKeEyEs (Editor)
Saludos, cinéfilos/as y melómanos/as!
Estimadísimos/as navegantes de la red... Quien les escribe junto a un grupo de amigos hemos decidido abrir este nuevo espacio para comentar y debatir acerca de dos temas que son parte de nuestra vida: CINE Y MUSICA. Habrá de todo un poco: películas y música pop, grandes clásicos, rarezas, filmes y discos de culto o también esas joyitas desconocidas que queremos compartir con todo el mundo... Lo importante es que podamos abrir un pequeño espacio en el que mostrar todas esas cosillas que nos gustan o detestamos para compartir impresiones o bien, abrir los ojos, los oídos y la mente de vosotros/as, desprevenidos navegantes de la red que andan en busca de distracción, algo nuevo que ver/escuchar o simplemente un pequeño espacio donde encontrar a otros personajes con gustos similares... Saludos entonces, desde el mundo de las imágenes y el audio y comencemos este nuevo viaje audiovisual...
Tuve que esperar una semana para digerir la noticia de la muerte de Christopher David Allen; hay cosas que no asumo de buenas a primeras y si bien, desaparecer de este mundo es algo para lo que nacimos y creo que debemos tomarlo de la manera más natural posible, hay algunas partidas que me afectan más ya que a pesar de nunca haber conocido ni estado remotamente cerca de Daevid Allen, su música, sus locuras, su forma de ver la vida me ha acompañado por tres cuartas partes de mi vida...
Y es que era un pendejo de trece años que recién comenzaba a paladear el rock progresivo y todas sus expresiones cuando cayó en mis manos (gracias a mi hermano DJ Pejerrey) un casete de Gong, específicamente el Live, etc de 1977. Jamás en mi perra vida había escuchado semejante desfachatez musical (hasta que poco después me encontré con Zappa y Arthur Brown) liderada por la voz nada armoniosa de este clown flaco y desgarbado que había logrado lo que muchos sólo habían aspirado: convertir la música sicodélica en un verdadero viaje por sensaciones y emociones, en un marasmo orgiástico de notas, melodías y secuencias que iban de lo épico a lo más experimental, sin dejar de lado el humor e intrincadas secciones que asombran aún por su potencia enajenada y composición de magnífica calidad.
Así comenzó este pololeo con Gong y con el inefable Daevid Allen, un personaje de la música alternativa que fue capaz de reunir en sus proyectos (casi siempre junto al amor de su vida, Gilli Smyth) a una nada despreciable cantidad de músicos de diversos países, pero cuál de ellos dotado de más talento y locura, conformando con ellos las distintas etapas de su carrera, incluso hasta el 2014 cuando la banda editó el potente I See You, en fechas en que el cáncer ya se convertía en una amenaza para su vida.
Uno quiere creer que personas como estos no van a morir. Su desplante en el escenario, escuchar la voz inalterable a pesar del paso de los años, su talle de viejo choro y en ácido eran elementos que lo convertían más en un personaje como los que plasmó en sus discos, que en un músico cualquiera.
Me extrañó que mediáticamente su deceso no fuera más comentado e incluso analizado, considerando su influencia y la de Gong en la historia del rock desde comienzos de los 70 a la fecha; la trilogía Radio Gnome Invisible es una piedra angular para todo aquel músico que se precie de gustar de la sicodelia de los 70, pero claro está, las percepciones son tan parciales y sesgadas que dentro de mi pequeño mundo y el de mis amigotes progresivos, la partida de Allen es el fin de una época, no así para muchos de aquellos que se precian de melómanos y que devanean sobre tópicos si bien interesantes, pero poco profundos y hasta repetidos hasta el hartazgo. Quizás por ello, el deseo de rememorar el momento en que escuche los primeros y alucinantes minutos de You Can Kill Me, o sentí el pecho comprimido al escuchar Master Builder o no supe qué sentía concretamente mientras los parlantes disparaban ráfagas de Isle of Everywhere, mientras me iba alimentando de las leyendas lisérgicas de Monsieur Allen y compañía, recorriendo con la oreja abierta cada detalle de su discografía junto a su hijo predilecto, Gong, o en otras mescolanzas en las hizo de solista junto a varios de sus cercanos, y en donde destaca el desgarbado Bananamoon, el brillante Good Morning!, N'existe Pas! o más recientemente Stroking the Tail of the Bird, sin olvidar aquella entrañable rareza musical experimental que es University of Errors.
Si Allen hubiese sido menos talentoso, crítico, visceral y descontrolado, probablemente su música lo hubiese llevado a convertirse en uno de los grandes ídolos del pop o del rock de los 70. Afortunadamente, su cerebro y alma iban por otros caminos, más difíciles de recorrer, pero más plenos en cuanto a creatividad... Por eso esto humilde homenaje de un simple periodista adicto a la música, que en muchos momentos de su vida tuvo a Allen y Gong como parte de la banda sonora de su vida y que siente que hoy, hay un gran vacío en la música sicodélica y experimental con la partida de Dingo Virgin al mundo etéreo de las teteras voladoras (que Florcita Motuda copió descaradamente para sus programas infantiles de comienzos de los 80), dejando un legado quizás subterráneo, pero no por ellos menos importante e imponente, refrendado por quizás pocos pero fieles fans que encontraron en su música la iluminación que buscaron ansiosamente sin hallarla en ninguna otra parte...
No menos importante: Allen fue el co-fundador de otra banda que es inevitable no mencionar en la historia del rock como fue Soft Machine, lo que realza aún más el tamaño gigantesco de este pedazo de músico, poeta, cantante y compositor que agitó el mundo de la música desde los años 60 en adelante.
Por eso, hasta pronto y nos seguimos escuchando, Extraterrestre Dividido...
Al
menos para mí, este es sin duda el mejor disco del 2014. Aunque se puede palpar
claramente el sonido característico de la banda formada actualmente por Peter
Nicholls, Mike
Holmes, Tim Esau, Paul Cook y Neil Durant da un giro que ya se había anunciado
en su producción anterior, Frequency, imponiendo un sonido poderoso, a veces
brutal, pero a la vez fresco y enajenante. Un masterpiece de comienzo a fin y
un “must have” que todo fan del prog debe tener en su colección.
2.-
IAMTHEMORNING - Belighted
El
tecladista y compositor Gleb Kolyadin junto a la estupenda y soberbia vocalista
Marjana Semkina nos deleitaron este año con la segunda producción de esta banda
que, de seguir así, pinta para el panteón del prog. Después del notable ~(2012), los rusos se despacharon otra obra mayor con este delicado, nostálgico
y épico Belighted del que les dejo una mascada…
3.-
KAUKASUS - I
Se
trata de un megatrío noruego formado por Ketil Vestrum Einarsen (Jaga Jazzist,
Motorpsycho), Rhys Marsh (Opium Cartel) y el que a mi juicio es uno de los
mejores bateros de las últimas décadas, Mattias Olsson (Änglagård, White Willow).
Aquí, una probadita del discazo que se despecharon este año.
4.-
OPETH - Pale Communion
Debo
decir que nunca he sido fanático de Opeth, pero sus discos no dejan de
provocarme cierto agrado y este en especial, una gran y grata sorpresa, sobre
todo porque estos muchachos hace rato que demostraron haberse salido de todo
molde e imponer un estilo propio aunque siempre dúctil y arriesgado, jugando
con estilos, formas y fórmulas con una envidiable calidad. Aquí, el disco
completo…
5.-
HIBERNAL - Replacaments
Cuando
el género post-rock parece agotado, llega la segunda producción del multiinstrumentista
australiano Mark Healy y vaya que agrado escuchar que a pesar del desgaste y la
monotonía en que muchas veces las bandas de este género suelen caer, existen
discos como este, llenos de atmósferas, golpes emocionales puros y directos y
la intención perfectamente cumplida de mantener con la oreja pegada a la música
que se desliza como un cuento de ciencia ficción por tus oídos… Para muestra,
un botón…
6.-
MOTORPSYCHO - Behind the Sun
Hay
pocas bandas contemporáneas en el ámbito del prog que se den el lujo de sacar
casi un disco por año. Estos chicos noruegos pueden decir con toda propiedad que
lo hacen y más todavía, que la mayor parte de su producción es de una tremenda
calidad. Escojo a este álbum como uno de los mejores del año no sólo por sus
cualidades intrínsecas, sino que además porque es inevitable no recordar lo
mejor del Yes de los 70 en varios pasajes…
7.-
KANT FREUD KAFKA - No Tengas Miedo
España
nunca deja de seducir y sorprender en el género prog y es por ello que no puedo
saltarme la oportunidad de meter en mis favoritos de este año 2014 a los chicos
de Kant Freud Kafka con este discazo conceptual que despaturra. Prog sinfónico
de alta alcurnia para deleitar las orejitas…
8.-
RICK MILLER - Heart of Darkness
Este
canadiense tiene ya una carrera de más de veinte años, con un inicio bastante
irregular, pero que se ha asentado a partir del año 2008 de manera consistente
para desembocar en esta obra maestra que no deja de recordar algunos de los
discos más inspirados de Steve Hackett ni lo más atmosférico de Pink Floyd. Con
esas referencias, déjense llevar no más y escuche…
9.-
PERFECT BEINGS - Perfect Beings
Desde
Estados Unidos nos llega el álbum debut homónimo de esta banda que promete. Se
trata de un álbum muy bien logrado, lleno de momentos de exquisita belleza,
atmósferas volátiles, muy buenas letras y totalmente sobrecogedor en más de una
de sus secciones. Otro de los “must have” que nos dejó este 2014 y he aquí, una pequeña muestra...
10.-
HEMINA - Nebulae
No
soy un gran fan del metal progresivo salvo sagradas excepciones, pero esta
banda australiana de verdad se las trae y este, su segunda álbum, de verdad es
una tromba que no te puede dejar indiferente: Potente, bien hecho, lleno de
variables sin perder la línea que conduce cada tema y de excelente factura
técnica… Nada más, escuchar uno de los temas que lo conforman.
11.-
KAYO DOT - Coffins on Io
Y
del extraordinario pero extrañísimo cerebro del señor Toby Driver, surge este
disco que sin dudas, no sólo reafirma el nivel superior que la banda se ha
ganado con el tiempo y al mismo Driver como uno de los grandes compositores de
estas últimas décadas (para mí, es como el gemelo esquizofrénico de Steve
Wilson), sino que además, se instala como uno de los discos más interesante en
cuanto a propuesta estilística de este 2014. Les dejo un aperitivo para que lo
disfruten…
12.-
DEWA BUDJANA (con Jimmy Johnson y Vinnie Colaiuta) - Surya Namaskar
Tremendo
guitarrista y compositor indonesio este Budjana, quien ya lleva diez años
trabajando como solista. Este año, se despachó lo que para mí, es lo mejor del
jazz fusión, sin desmerecer para nada a otros álbumes del género, pero es cosa
de gustos… Los invito a escuchar lo que Budjana nos dejó de herencia este 2014
(y de pasada, échenle una mirada a la guitarrita que usa mi compadre)…
13.-
FACTOR BURZACO - III
Este
pedazo del mundo no puede quedarse al margen de esta selección y es por eso que
entre lo mejor de este año, he decidido incluir la tercera entrega de esta
impresionante agrupación argentina liderada por Abel Gilbert y Carolina Restuccia,
que mantiene, refuerza y mejora el particular sonido que han impreso en su
música desde hace aproximadamente ocho años. Aquí, el disco completo de esta
bandota…
14.-
DEVIN TOWNSEND - Casualties of Cool
Infaltable
en este listado con lo mejor del 2014 es este disco, el más reciente del “científico
loco del rock”… Se trata de más de una hora de música en la que Townsend
nuevamente demuestra que es capaz de pasearse sin ningún problema por lo más
amplio del espectro musical, esta vez en compañía de la vocalista y guitarrista
Ché Aimee Dorval y de músicos invitados entre los que destaca un integrante de
Kaipa y otro de Jaga Jazzist ¿Es necesario agregar algo más al talento y al
genio de Townsend? Sí, una temita…
15.-
TIM BOWNESS - Abandoned Dancehall Dreams
Se
agradece el regreso del británico a su intermitente carrera como solista, fuera
de No-Man y otras iniciativas y colaboraciones. Este disco de verdad sorprende
por su calidad, delicadeza y emocionalidad además de la exquisitez puesta en
cada detalle de la composición e instrumentación, eso, sin nombrar que Bowness
se rodeó nuevamente de nombres y talentos estelares para concretar esta álbum,
entre ellos su compadre Steve Wilson, Richard Barbieri, Colin Edwin y Pat
Mastelotto… Si quieren algo más, es que ya son una sarta de regodiones…
16.-
LIGHT DAMAGE - Light Damage
Otra
banda debutante esta vez, proveniente de Luxemburgo. Sonido sinfónico a rabiar,
lleno de cambios, momentos épicos y pleno de detalles exquisitos. Un manjar
para los oídos de aquellos que somos fanáticos del prog más clásico. Disfruten…
17.-
DAAL - Dances of the Drastic Navels
Después
del fantástico Dodecahedron, estos italianos sorprenden con esta obra maciza,
ecléctica, asombrosa en todo el sentido de lo musicalmente permitido. Si bien
desde mi punto de vista no está al nivel del disco mencionado publicado el
2012, es sin dudas un paso gigante para asentar a esta banda como una de las
que posee una de las propuestas más interesantes, potentes y caleidoscópicas
del prog en estos días… Aquí, un ejemplo de ello...
18.-
PYMLICO - Guiding Light
Tercera
álbum en estudio de esta banda noruega que merece un espacio en este listado,
debido a que por fin asientan un sonido propio, muy particular, pero a la vez
en el que es fácil detectar influencias y cercanías. Un disco redondito, aunque
deja gusto a poco, más que nada por ciertos puntos en los que el oyente siente
que algo faltó por hacer, quizás un momento épico, quizás una atmósfera no
totalmente concretada, pero finalmente una pieza que te deja profundamente
agradecido de haberla disfrutado de comienzo a fin. Les dejo un temita para que lo disfruten...
19.-
SWANS - To Be Kind
Debo
reconocer que por ahí hay mejores discos que este, pero Swans es uno de mis
grandes placeres y aunque pierdo un poco de imparcialidad, vale la pena tenerlo
en cuenta dentro de lo mejor de este 2014.
Después
del reencuentro de esta banda el 2010 y del alucinante The Seer, debo reconocer
que al comienzo To Be Kind me desilusionó, pero dándole nuevas oportunidades,
se convirtió en un “must have” que ustedes, querido terrícolas, también
debieran tener en su panteón… Les dejo un canapé…
20.-
NICHELODEON + INSONAR - Ukiyoe, Mundi Fluttuanti
En
esta selección de lo mejor del 2014 no puedo dejar de mencionar el asombroso
trabajo de mi amigo Claudio Milano junto a Paolo Siconolfi en este extraordinario
disco que se pasea mágicamente por lo más selecto del avant garde y del RIO. Un
disco feroz, atmosférico y mágico que vale la pena destacar dentro de lo más
selecto del año que se nos va. Aquí, un botón...
BONUS
TRACK
PROYECTO
WAGEMANN
Mis
amigazos Jaime Arancibia y Oscar Arias aún no sacan disco, pero esta muestra es
suficiente para augurar un futuro tremendo con este experimento prog
electrónico que nos recuerda lo mejor de Klaus Schulze, Tangerine Dream y
Robert Rich… Disfruten este video, terrícolas…
-----------
Desde ya, les deseo a todos/as un excelente 2015 y que el prog nos siga elevando...
Y bien, ha llegado la hora de hacer un recorrido por lo que para mí, es de lo más granado del rock progresivo mexicano, y todas sus vertientes, desde las más sanas, hasta las más bizarra. La verdad es que listado no tiene ningún orden determinado, sino que simplemente se trata de un fresco bastante pagano de mis gustos por la música más chida del país azteca, así es que disfruten de esta selección...
0.720 ALEACIÓN
Banda que sacó un solo disco (homónimo) y que después tuvo una placa póstuma. Aparecieron en plena era post-terremoto de 1985 y nos regalaron una hermoso álbum que mezcla el folk de raíces mexicanas, algo de Canterbury y sonidos españoles e italianos atravesados por delicados y magníficos toques sinfónicos. Un deleite para cualquier oído progger.
BANDA ELÁSTICA
Si existe un epítome del Rock in Opposition mexicano y latino, son estos chicos liderados por Guillermo González y Rosino Serrano nos han regalado seis placas de exquisita factura, que navegan entre lo más prolijo de Henry Cow, los desfases mentales de Frank Zappa, los brillantes arreglos en bronces de Miriodor y una paseo que va desde momentos de Univers Zero a Etron Fou Leloblan. Una banda que merece ser escuchada por todo aquel que se diga fanático del RIO y de la vanguardia más desatada.
AMBIENTE
Otra interesante y nueva propuesta mexicana proviene de esta banda post rock con harta influencia de Explosions in the Sky y Mono. Si no me creen, visiten su sitio en donde podrán escuchar su EP del 2009, simplemente titulado A.
CARLOS BELTRÁN
Un sólo disco solista sacó Beltrán, uno de los pioneros del género electrónico no sólo en México sino que también en toda Latinoamérica. Se trata de Jericó, publicado originalmente en 1987 y que se convierte, con el paso del tiempo, en una joya del progresivo de todas las épocas en este lado del mundo. Un verdadero "must have".
DECIBEL
Otro de los epítomes del RIO no sólo en México, sino que en todo este pedazo de tierra llamado Latinoamérica es esta banda liderada por el teclero Carlos Robledo. Sus inicios se remontan a mediados del los 70 y aquel legendario disco del 78, titulado magistralmente como El Poeta del Ruido es una pieza clave para comprender el curso de la música alternativa azteca. Ojo con Decibel y sus diferentes formaciones, las que han perdurado hasta los inicios de este siglo, porque grandes músicos han pasado por la banda, entre otros, Alejandro Sánchez, que más tarde formará otra de las grandes bandas de las que hablaremos en este posteo, Nazca.
Con influencias que parten de lo más granado del avant garde de los 70, pasando por la música de cámara, el ritmo endemoniado de Magma y toques del más desfachatado prog italiano, Decibel se levanta a estas alturas como uno de los hitos de la música alternativa hecha con fuego en el cuerpo.
CABEZAS DE CERA
¿Qué decir de esta banda? Mauricio Sotelo y sus muchachos han construido desde 1995 una de las más sólidas, eclécticas y singulares carreras musicales del continente. Con influencias que proceden desde el folclor mexicano, pasando por el jazz, el prog sinfónico, el avant garde y una tremenda gama de influencias, estilos y sonidos experimentales, CDC es uno de los proyectos más innovadores de las últimas dos décadas y merece, sin dudas, un espacio preferencial en el panteón de la música alternativa.
ICONOCLASTA
Uno de los sonidos progresivos más singulares, únicos y originales de México proviene de los que esta banda hizo durante sus, aproximadamente, primeros diez años de carrera, aunque sus tres primeros álbumes, Iconoclasta (83), Reminiscencias (85) y Soliloquio (87) bien pueden ser una trilogía tipo alma mater para cualquier banda que quiera enterarse de hasta dónde puede llegar el sinfonismo en el rock progresivo latinoamericano. Un regalo de los dioses mayas para los oídos de este nuevo siglo.
ÁGORA
No puedo dejar pasar en esta ocasión a la que quizás, es la mejor banda prog metal mexicana. Al menos dos de sus discos, son piezas de peso, notables en todo sentido de la palabra: Zona de Silencio (2008) y Regresa al Vértigo (2011). Claro está que en toda su discografía se puede sentir el pulso de Dream Theater, pero estos cabronazos han sabido imprimirle un sello propio a sus producciones y vaya que han logrado concentrar en sus placas un sonido sumamente poderoso, plagado de virtuosismo y con un sentido prog sumamente interesante.
ELFONIA
Más allá de la mezcla de estilos y géneros que nos ofrece esta banda en sus dos discos editados a la fecha, aquí lo que eleva el alma y hace sangrar los oídos de placer, es la voz fenomenal de Marcela Bovio, así es que limítense a escuchar, mortales.
CAST
Por lejos, mi banda mexicana de prog sinfónico favorita. Una larga y consistente discografía avala la carrera de este grupo que en más de quince discos ha sabido mezclar sonidos propios de México, una fuerte influencia del progresivo de los 70 y constantes ráfagas de neo prog, logrando así generar episodios épicos y electrizantes que conmoverán a cualquier fanáticos del progresivo más fastuoso y ambicioso.
NAZCA
A mediados de los 80, Alejandro Sánchez (ex Decibel) y Carlo Nicolau fundaron esta agrupación que sacó apenas dos discos de soberbia factura. Siempre en el ámbito del rock en oposición y del más exquisito avant garde, lleno de pasajes cargados a la música de cámara y secciones oscurísimas, Nazca se yergue como uno de los más avanzados proyectos musicales mexicanos y del continente.
FROLIC FROTH
Esta es una de mis dos bandas sicodélicas favoritas provenientes de tierra aztecas. Su disco debut Ouroboros (1996), es para mí una de las joyas musicales de los últimos veinte años. Si bien corre por sus venas un innegable sentido sicodélico, no es menos cierto que en sus rolas podemos encontrar influencias que van desde el avant garde hasta King Crimson, lo que hace de esta banda una delicia para los oídos.
CHAC MOOL
Otra de las joyas mexicanas de los 80 que tuvo un breve y exquisito regreso a comienzos de este siglo. En su formación, destacan dos grandes nombres de la música azteca como Jorge Reyes y Carlos Alvarado, en una banda que nos entrega mucha crítica social entramada en sinfónicas melodías en donde sobresale el trabajo en teclados y flauta traversa. Si bien sus placas son algo disparejas en cuanto a calidad, lo cierto es que la suma da como resultado uno de los sonidos más consistentes y propios del rock progresivo mexicano.
OXOMAXOMA
Otro de los brillantes ejemplos de lo que en México hacen los muchachines con el rock en oposición. Sólo tres discos entre 1990 y el 2002, todos ellos siempre pioneros, arriesgados y ferozmente experimentales. Para mí, aún no hay forma precisa de definir qué hacen estos cuates cuando se encierran en el estudio, pero quizás baste con decir que han jugueteado con toda la parafernalia electrónica imaginable, texturándola con sonidos extraídos de los más disímiles objetos de uso casero, obteniendo un resultado que es capaz de dejar en coma cualquier neurona...
HUMUS
Esta es mi segunda banda sicodélica mexicana de cabecera, aunque la verdad gran parte de lo que ustedes escuchen proviene del extraño cerebro del señor Jorge Beltrán. Otra vez, lo más granado de la sicodelia de los 70 se entrelaza con el prog y sonidos crimsonianos, pasando por espesas pero embriagadoras secciones instrumentales que desembocan en pasajes tan épicos como fantasmagóricos y fíjense que a pesar de las influencias, la verdad es que el sonido de Humus es el único que me atrevería a encasillas como verdadera y pura sicodelia mexicana.
CULTO SIN NOMBRE
Uno de los proyectos RIO más bizarros surgidos en tierras mayas. Músicos de bandas como Nazca y Decibel participaron de esta gloriosa ignominia musical que sacó sólo dos discos feroces e hipnotizantes. Una delicias para oídos hambrientos de nuevas sensaciones sonoras.
JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ LEDEZMA
Otro de los más prolíficos creadores mexicanos, que desde 1996 nos ha regalado una interesantes discografía. Ex-integrante de Nirgal Vallis y actual cabeza de Saena, este teclero posee una de las mentes más dúctiles y eclécticas de Latinoamérica, paseándose con suma facilidad por varios géneros prog, pero es en sus temas y discos más sinfónicos en donde palpamos su tremendo talento. Un artista de tomo y lomo al que hay que ponerle muchísima atención.
EL PUENTE DE ALVARADO
¿Qué pasa cuando juntas integrantes de dos bandas trascendentales del rock mexicano como Chac Mool e Iconoclasta? Bueno, pues sale un discazo de aquellos en donde las tendencias del prog, el heavy, el hard rock, el jazz y el más puro folclor mexicano se unen para entregarnos una serie de rolas maravillosas, llenas de sabor, en algunos casos hasta furibundas y sobre todo, exquisitas musicalmente... Otra soberbia muestra de lo ilimitado que puede ser el rock azteca cuando juntas a varios de sus genios en una sola agrupación que es capaz de editar un disco de inmenso peso y potencia...
LOS NENA
En la página web de esta banda mexicana (o lo que queda de ella), se lee la siguiente historia acerca de su fundación primordial: "En el verano del 99, trasnochados en un bar de la ciudad de Nueva York que tiene fotos de músicos por todas las paredes, Daniel (Goldaracena) y Abel (Membrillo), fuera de sí, prometieron crear una banda nueva en el DF y brindaron por eso debajo de la foto de Tom Waits que es donde eligieron sentarse. Por otro lado aclaramos que Los Nena, tal como ese día, estamos muy por debajo de Tom Waits. Que esta coincidencia no se malinterprete".
¿Por qué tanta pleitesía para una banda que sólo sacó dos discos? Sencillamente porque los muchachos se la juegan con tino envidiable al momento de generar oscuras atmósferas en base a la improvisación característica del R.I.O., con algunos toques progresivos, la mezcla precisa con el sonido clásico del mariachi que envuelto por el capullo del rock, suena como una renovada pieza experimental.
Los Nena sacaron sólo dos discos, quizás sólo para algunos oídos más avezados, preparados a nuevas experiencias auditivas y sensoriales que los dejen con la boca abierta y el alma en un hilo. Rock, funk, noise, algunos toques de folk, ciertos atisbos de música electrónica, muchos acordes metaleros y el ineludible sonido mariachi forman parte de ambas producciones.
Sí, lo sé, se me quedaron varios fuera del listado... De hecho, hay algunos que ni siquiera tiene material en YouTube, pero trabajaré en eso y aceptaré todas sus sugerencias, pero espero que este breve repaso sirva a muchos para (re)descubrir parte importante no sólo de la música mexicana, sino que además de nuestro continente... Nos vemos, terrícolas...
Hablar de Gordon Giltrap es hablar de uno de los más destacados y eclécticos especialistas de la guitara acústica inglés de la segunda mitad del siglo XX aunque claro, su carrera es para la mayoría desconocida, convirtiéndose en otro de esos tantos talentos ignorados que flotan entre la pasión de pocos, un par de líneas que les han dedicado en internet y escasas menciones en el ámbito de la música.
Giltrap es contemporáneo a una extraordinaria generación de músicos británicos liderada por Mike Oldfield, Bert Jansch y John Redbourn que en los 60 se convirtió en parte fundamental del movimiento folk de la isla y que en los 70 comenzó a hacer gala de su eclecticismo en una época que por lejos, fue la más fructífera y alucinante de su carrera, con algunos discos en donde su pasión por la música clásica, las melodías medievales y las influencias progresivas conformaron inspiradas placas de alto vuelo musical, todas ellas compuesta con exquisito detalle, llenas de momentos ferozmente abrasadores y poseedoras de un sello único e invaluable a estas alturas de la historia.
Y es por eso que he querido rescatar para esta sección el que para mí, es su mejor disco. Visionary es un menjunje heterodoxo, plagado de influencias y texturas en una serie de 11 temas que no superan los 4.30 minutos (12 temas en la re-edición en CD), pero que dejan de manifiesto la ductilidad de Giltrap para pasearse por diversos géneros y sacar provecho de cada uno de ellos, no sólo para regalarnos su talento en la guitarra, sino que además para generar pequeñas suites llenas de deliciosos ornamentos y sentido épico.
Visionary abre con Awakening, una pieza de factura soberbia, elevada y rimbombante, que los amantes del Oldfield de los 70 no podrán dejar de comparar con algunas de las piezas de Mike de aquella época (aunque a mí me recuerda más al extraordinario Erwin Gutawa) y en donde ya nos conmovemos con el sólido uso que Giltrap hace acá de cuerdas y vientos y que se mezcla con la "goblinesca" Robes and Crowns. En seguida, con From the Four Winds nos introducimos en el sonido más puro de la guitarra de Giltrap con una melodía en tono de madrigal que hace la pausa necesaria antes de arribar a Lucifers Cage, donde nuevamente Giltrap aborda el sonido sinfónico característico de los 70 en una pieza que mezla, en pocos minutos, varios estilos que otra vez nos rememoran algunas pizas de Oldfield, pero con el sello del mismísimo Gordon.
En Revelation, otra vez los sonidos medievales hacen su aparición para regalarnos una pieza rítmica, suave y volátil, mientras que The Price of Experience retoma la senda en la que Giltrap se atreve a ahondar en el rock progresivo, con épicas arremetidas de vientos, cuerdas y sintetizadores. The Dance of the Albion es otra exquisita muestra de la ductilidad del músico al momento de tomar una guitarra acústica y navegar por aguas en donde plasma su gusto por el barroco, para luego abrir paso a The Tyger, una breve aunque precisa pieza que juega con armonías románticas y síncopes prog antes de la aparición de la delicada y elegante The Ecchoing Green. El disco termina con otro paseo por el barroco titulado London y otra pieza volátil, casi hecha para orquesta, suavemente pomposa y clásica llamada The Night.
En la edición de CD se agregó el tema On the Wings of Hope, otra de las piezas en clave épica que Giltrap trabajó maravillosamente durante la primera mitad de los 70, magistral cierre para un disco ignorado por muchos, lleno del talento de un músico y compositor que ha navegado por los más variados estilos y que entre otros, ha colaborado con John Etheridge (Soft Machine) y el mismísimo Rick Wakeman. Un álbum y una discografía admirable y recomendable por donde se la mire, pero de todo corazón, les recomiendo tener este álbum en su panteón personal de inolvidables rarezas progresivas.
El disco 1. Awakening (2:22) 2. Robes and Crowns (1:50) 3. From the Four Winds (3:32) 4. Lucifers Cage (4:11) 5. Revelation (3:25) 6. The Price of Experience (2:26) 7. The Dance of the Albion (1:57) 8. The Tyger (1:59) 9. The Escchoing Green (1:59) 10. London (3:03) 11. The Night (3:55) Bonus Track: 12. On the Wings of Hope (3:12) Los músicos -Gordon Giltrap / guitarra -Ron Edwards / teclados -John G. Perry / bajo -Simon Phillips / batería Invitados: -Shirlie Roden / voz -Chris Mercer / saxo alto y barítono -Jeff Daly / saxo barítono -R.W. "Butch" Hudson y Henry Lowther / trompetas -Chris Pine / trombón -Tony Carr y Roger Hand / percusiones Info del disco Voiceprint LCVP114CD
En fin, para seguir promoviendo los buenos gustos musicales, les dejo un breve listado de cinco bandas húngaras que a lo mejor no conocían, pero que son para ponerlas en el panteón de cualquier melómano... Deléitense...
Tres años se pasan volando. Y es por eso que pareciera que fue ayer que
escribí el último comentario de cine o música en este blog que tenía
totalmente abandonado y como tampoco nunca es tarde para nada, decidí volver a
las pistas comentando este álbum que leva un par de semanas dando vueltas en mi
teléfono, acompañándome de ida o de regreso a casa. Se trata de un proyecto polaco
llamado Pinkroom que, si bien está
cargado de influencias, de todas maneras debiera muy bien para cualquier asiduo
del rock.
La banda es un proyecto que nace de las heterodoxas mentes del batero Marcin
Kledzik y del multiinstrumentista Mariusz Boniecki quienes hace unos años,
cuando era unos pendejos de secundaria, fundaron el grupo Empty Room, para dar rienda suelta a sus intereses musicales. Años
después volvieron a encontrarse y se dieron cuenta que el bichito de la música
todavía los tenía envenenados, así es que decidieron fundar un nuevo proyecto
que fue el que parió el que hasta ahora, es su único disco, temerariamente
titulado Psychosolstice, allá en el
año 2009.
Por ahí,
hay algunos que han encasillado a este dúo polaco bajo el rótulo del art rock;
yo, más bien me quedo con ese sabor crimsoniano que recorre la mayor parte de
sus temas, aunque a diferencia de otras bandas que han adherido a la fe de Mr. Robert
Fripp, estos chicos se colgaron del King
Crimson ochentero, además de involucrar sonidos y pasajes que
innegablemente nos inducen a la gala variada de atmósferas que marcan los
discos de Porcupine Tree. Con estos
dos antecedentes, ya hay material suficiente para hacerse una idea de los fantásticos
pasajes de superficial quietud que rompen en éxtasis musicales potentes y hasta
pesados, donde prevalecen complejos pasajes en guitarra, sumados a secciones
instrumentales difíciles de desentrañar, momentos volátiles y momentos sinfónicos
que hasta nos llevan a zonas que colindan con el metal, especialmente relacionadas
con Dream Theater y sus coterráneos
de Riverside.
Pero más
allá de las comparaciones, que quizás sólo sirvan para dar cierta idea de lo
que ustedes encontrarán en la plaza, lo cierto es que el disco tiene un sabor
bastante singular y aunque hay temas en donde las mencionadas influencias se
hacen notorias, la verdad es que aún así, cada pieza es una joya por si sola,
partiendo por Path of the Dying Truth,
Buried Hopes, Curse y Days Will Should Not
Be, los más eclécticos del disco, mientras que por otra parte, aparece la crimsoniana
suite formada por las dos partes de Moondroom
(una de ellas aparece como bonus en la edición especial del disco) para dejar
en otra categoría, piezas como Stonegarden,
Quietus, Zam y Recognized, quizás
las más personales del grupo que para concretar este magnífico disco, se hizo
acompañar de varios amiguitos igual de buenos para tocar y pelar l cable en
esta misma, extraña y apasionante sintonía.
Nada mal pata un disco debut que encanta y hasta por momentos, hipnotiza
por lo que uno de verdad espera que no sea el último...
La
música
1. Path Of Dying Truth (7:20)
2. Buried Hopes (3:54)
3. Dispersion (5:24)
4. Quietus (5:30)
5. Zam (6:26)
6. Curse (7:42)
7. Moodroom v.2 (4:37)
8. Stonegarden (6:46)
9. Days Which Should Not Be (6:25)
10. Recognized (2:40) 11. Moondroom v.1 (Bonus track) (6:01)
Los músicos
- Mariusz Boniecki
/ voz, guitarra, teclados y samples
- Marcin Kledzik / batetría y percusión
+
- Kacper Ostrowski / bajo
- Mikolaj Zielinski / voz (1)
- Anna Szczygiel / cello (7,9)
- Maciej Feddek / guitarra (9)
Últimamente me estuve acordando de los discos que me marcaron cuando era chico, cuando recién estaba entrando en el maravilloso mundo del rock progresivo. Y uno de los primeros que se me vino a la mente, fue este Wise After the Event, el segundo álbum solista de Anthony Phillips, más conocido por la fanaticada prog como el primer guitarrista de Genesis.
Ok, debería haber empezado por comentar un disco de Genesis antes de hablar de Phillips, pero como este es un blog de amigos y cada quien hace lo que se le viene en gana, empiezo por este discazo que si bien no es tan-tan-tan prog, tiene los elementos básicos del estilo y nos muestra la introspectiva, pacífica y talentosa personalidad de Mr. Phillips que de muchacho estuvo en las filas de Genesis, junto a Mr. Gabriel y compañía, pero que no pudo soportar la presión de las giras y el público. Sufrió una crisis nerviosa y optó por convertirse en un ermitaño, y aunque la volada le duró varios años (no ha hecho muchas presentaciones en vivo), volvió a la música -por suerte- en la segunda mitad de los 70, con un discazo de aquellos llamado The Geese and the Ghost (1977), con bastantes influencias medievales y un par de temas grotescamente hermosos e inolvidables.
Al año siguiente, se despacho esta joyita, un disco entrañable, íntimo, reflexivo, medio ecologista, delicadamente melódico... Un manjar para disfrutar en silencio, a oscuras en una habitación, ojalá en vinilo. Y a pesar de la quietud de sus pistas, aún posee secuencias maravillosas en donde sus complejas escalas y armonías salen a relucir en gloria y majestad, de la mano de soberbias secciones de piano y guitarra.
Ya habrá tiempo de comentar sus maravillosas Private Parts and Pieces o aquel discazo que hizo con Guillermo Cazenave, The Fields of Englewood... Por ahora los dejo con este ALBUM, así con mayúsculas, una pieza monumental del progresivo, de la mano de uno de los guitarristas más talentosos, sensibles y mágicos de la escena prog mundial. Si lo ven por ahí, no duden en hacerse de él. Es una verdadera y completa obra de arte, desde sus primeros acordes hasta su maravilloso y tenue final...
EL DISCO 1. We're all as we lie (4:34) 2. Birdsong (7:30) 3. Moonshooter (5:52) 4. Wise after the event (8:45) 5. Pulling faces (4:32) 6. Regrets (5:15) 7. Greenhouse (3:00) 8. Paperchase (5:28) 9. Now what (are they doing to my little friends)? (8:30) Bonus track en el CD: 10. Squirrel (4:28)
LOS MUSICOS - Anthony Phillips / voz y armónica + Perkin Alanbeck / sintetizadores (2) - Mel Collins / saxo (1), flauta (2) - Jeremy Gilbert / teclados (7), arpa (9) - Michael Giles / batería - Rupert Hine / percussion, coros - John G.Perry / bajo - Robin Phillips / oboe - Rodent Rabble / sonidos - Humbert Ruse / batería (7) - Vic Stench / bajo (7) - The Vicar / guitarras, teclados Orquesat conducida por Gilbert Biberian, arreglos de Anthony Phillips (6)
INFO DEL DISCO Cd. Virgin OVD 322 (1991) / Cd. Virgin 261 069
Después de un mes de pausa obligada, volví con toda la cuerda. En ese lapso, volví a revisar este alucinante disco que si bien no corresponde a la época dorada del rock progresivo, si posee elementos que lo relacionan directamente con la época más injundiosa del prog, convirtiéndolo en una de esas joyas de invaluable valor en la colección de cualquier melómano.
Ayreon es una de las tantas creaciones del multiinstrumentista y compositor holandés Arjen Lucassen. Su primer disco data de 1995 y se llama Actual Fantasy. Ahí ya hay señales de los elementos principales que marcan con fuego la música de Ayreon: narraciones y lyrics conceptuales, juegos entre diferentes estilos musicales, desde el metal, al prog sinfónico, pasando por algo de sicodelia y contundentes secciones instrumentales en donde preponderan los teclads y las guitarras, además de la participación de diversos músicos pertenecientes a un sin fin de agrupaciones mundialmente reconocidas.
Pero no fue hasta el año 1998 con la edición de Into de Electric Castle que el sello de Ayreon quedó bastante claro. The Human Equation no es sino la hasta ahora, mejor y mayor expresión del sentir musical de Lucassen y compañía, quienes con esta obra no sólo levantaron un sólido monumento al metal progresivo, si no que también revivieron en siempre complejo, criticado, vapuleado y a veces añejo género de la ópera rock.
En base a una decena de personajes, The Human Equation narra en más de 100 minutos de música el paso por el coma de un hombre luego de un accidente automovilísitco y las emociones por las que pasa mientras navega por su mente, por su presente y sus recuerdos. En forma paralela, conocemos también lo que pasa afuera de él, a través de lo diálogos de su esposa y su mejor amigo. Durante veinte días, viajamos a través de una increíble y variopinta gama de sensaciones, sentimientos, cruentas batalls internas, esperanza, tristeza, alegrías y dolor, guiados por letras de profundo contenido y constantes giros musicales que expresan sólidamente las diversas aristas de esta historia.
Así, Lucassen nos regala una obra mayor que si bien puede no ser para todos los gustos, dado sus sentido bastante ecléctico, si se destaca por la contundencia de sus interpretaciones vocales e instrumentales, en donde destacan las intervenciones de Devin Townsend, Mikael Akerfeldt, Marcela Bovio y Heather Findlay y por supueto, las brillantes dotes musicales de tipos como Ed Warby, Ken Hensley, Martin Orford y Jeroen Goossens. Todos ellos constribuyen a la construcción de un disco de poderoso sonido, redondo en el sentido formal y conceptual y por supuesto, de una moderna obra maestra que a pesar de ser generada desde los nuevos tiempos con todas las influencias e innovaciones de la época, posee la magia de los viejos clásicos.
En especial, para fanáticos del metal progresivo, pero muy recomendable para cualquier admirador de la buena música. Otro de los imperdibles de la última década... Les dejo la ficha técnica que es un poco larguita, pero vale la pena conocerla para sorprenderse con los monstruos musicales que participan de esta moderna ópera rock..
EL DISCO CD 1: 1. Day One: Vigil (1:33) 2. Day Two: Isolation (8:42) 3. Day Three: Pain (4:58) 4. Day Four: Mystery (5:37) 5. Day Five: Voices (7:09) 6. Day Six: Childhood (5:05) 7. Day Seven: Hope (2:47) 8. Day Eight: School (4:22) 9. Day Nine: Playground (2:15) 10. Day Ten: Memories (3:57) 11. Day Eleven: Love (4:18)
CD 2: 12. Day Twelve: Trauma (8:59) 13. Day Thirteen: Sign (4:47) 14. Day Fourteen: Pride (4:42) 15. Day Fifteen: Betrayal (5:24) 16. Day Sixteen: Loser (4:46) 17. Day Seventeen: Accident? (5:42) 18. Day Eighteen: Realization (4:31) 19. Day Nineteen: Disclosure (4:42) 20. Day Twenty: Confrontation (7:03)
Tiempo total: 102:14
Extras del DVD: 1. Inside: Behind The Scenes 2. Concept: The Concept Of The Human Equation 3. Ayreon: The Story Of Ayreon 4. Drums: Ed Warby´s Drums 5. Video: Day Eleven-Love 6. Teaser: Teaser-Trailer
LOS MUSICOS
Vocalistas: - Devon Graves (Dead Soul Tribe) como Agonía - Devin Townsend (SYL) como Rabia - Eric Clayton (Saviour Machine) como Razón - Mikael Åkerfeldt (Opeth) como Miedo - Magnus Ekwall (The Quill) como Orgullo - Heather Findlay (Mostly Autumn) como Amor - Irene Jansen (Karma) as Pasión - James LaBrie (Dream Theater) como Yo - Marcela Bovio (Elfonia) como la Esposa - Mike Baker (Shadow Gallery) como Padre - Arjen Lucassen (Ayreon) as el Mejor Amigo
Músicos: -Arjen Lucassen / guitarras eléctrica y acústica, baja, sintetizadores, Hammond, Mellotron, teclados adicionales, mandolina - Ken Hensley (Uriah Heep) / Hammond (16) - Oliver Wakeman (Nolan & Wakeman) / teclados (17) - Martin Orford (IQ, Jadis) / teclados (15) - Ed Warby (Gorefest, Orphanage) / batería - Joost van den Broek (Ayreon) / sintetizador (2), spinet (13) - John McManus / flauta (13,16,18) - Jeroen Goossens / flauta (2,3,5,9,14,18), gaita (6), grabador (13), didgeridoo (16), bassoon (18) - Robert Baba / violines - Marieke van der Heyden / cello
INFO DEL DISCO
InsideOut: IOMCD 168 - SPV 092-60702 DCD
Toda la música y las letras fueron compuestas por Anthony Arjen Lucassen Devin Townsend escribió las letras para Rabia en los Días 3, 8 y 16 Heather Findlay escribió las letras para Amor en el Día 13 Devon Graves escribió las letras para Agonía en el Día 17
Hacía tiempo que tenía ganas de comentar este disco. Quizás no es la mejor época de año, ustedes ya saben, navidad y todas esas cosas melosas. Incluso pensé en hacer una especie de recopilatorio de canciones prog o alternativas de navidad (las primera que se me vienen a la mente son las de Jethro Tull, EL&P y por supuesto, Christmas Sucks! de Peter Murphy y Tom Waits), pero opté por sacarme el empacho y homenajear a esta pequeña y desconocida joyita del progresivo alemán.
¿Criticable? Sí. Las semejanzas con el Genesis de Peter Gabriel son enormes e innegables. Pero el único álbum que alcanzó a sacar esta banda prog alemana tiene sus gracias. Muchas. Y bastantes especiales. Comenzando por la actoral voz de Frédéric Joos, los excelentes arreglos y solos de teclado, las maravillosas y progresivas composiciones de largo aliento que ocupan gran parte del disco, y aquella constante sensación poética que cruza todo el álbum, de comienzo a fin, desde los primeros medievales acordes de Loafer Jack (una bellísima y poética canción, con una dulce melodía de flauta que marca los tiempos), hasta el épico cierre instrumental de Zärtlichter Abschied. Un todo complejo, armónico, redondo, muy sinfónico y bastante nostálgico a estas alturas del partido.
Alguien en ProgArchives comentó que quizás este disco suena como hubiera sonado Genesis si Peter Gabriel y Steve Hackett no se hubieran ido. Verdadero y falso. Las semejanzas son obvias, pero creo que los muchachos de Neuschwanstein tenían su propio estilo, su propia fuerza e inspiración. Son capaces de generar segmentos tan heavy como atmósferas volátiles que recuerdan justamente la figura del castillo de ensueño en que se inspiró la banda para su nombre que, por cierto, es más que evocador.
Si usted es fanático o fanática del prog, este disco será de su completo agrado. Las maravillosas, sinfónicas y atmosféricas introducciones de Intruders and the Punishment, Beyond the Bugle y Battlement son para poner los pelos de punta. Las progresiones dentro de cada tema están muy bien hechas y se escuchan sólidas gracias al talento de cada uno de los músicos de esta banda que quizás tuvo la mala fortuna de lanzarse en una época para nada propicia, teniendo en cuenta la onda musical popular del momento. Quizás por eso el legado de una sola pieza musical de envidiable calidad artística, banquete para cualquier oído fino y amante de la buena música. Ojo y oreja con el tema que da nombre al disco, una maravillosa pieza, muy simple pero aún así emocionante.
Se los dejo como tarea para la casa. Lo van a disfrutar de comienzo a fin, de eso, no me queda duda…
EL DISCO 1.- Loafer Jack (4:42) 2.- Ice with Dwale (4:14) 3.- Intruders and the Punishment (7:34) 4.- Beyond the Bugle (7:31) 5.- Battlement (7:05) 6.- Midsummer Day (7:42)* 7.- Zärtlicher Abschied (5:42)
*Sólo en la edición del CD
LA BANDA Frédéric Joos / voces, guitarra acústica Thomas Neuroth / teclados Klaus Mayer / flauta, sintetizadores Rainer Zimmer / bajo, voz en Battlement Roger Weiler / guitarra eléctrica Hans-Peter Schwarz / batería, excepto en Loafer Jack (Hermann Rarebell)
No tengo espíritu navideño, definitivamente. Soy bastante amargado en ese sentido y hay poquísimos detalles en esta época de consumismo compulsivo que me hacen, hasta cierto punto, empaparme del alma babosa, mendicante, insulsa, sosa y hasta incolora de la época.
Ya lo dije, soy un amargado de mierda, pero esta pequeña joyita musical me toca un poco el corazoncito rancio que tengo. Sí, porque entre sintetizadores ochenteros, samplers de coros, letras lambisconas y un increíble olor a “paz y amor”, el disco 3 Ships de Jon Anderson convence y hasta conmueve por momentos. No es una obra maestra, pero su sentimentalismo calza perfectamente con la época. La idea es sencilla, pues el disco no es más que una suma de covers de villancicos tradicionales liderados por la siempre dulce voz de Anderson que en esta ocasión es acompañado por algunas “madres” de la música, de los más variopintos géneros, haciendo de este disco una extraña pieza de colección: el productor de Queen, Roy Thomas Baker, Frankie Banali (batero de Quiet Riot), R.J. Parnell (Spinal Tap), Elliot Easton (The Cars), el mismísimo Trevor Rabin y la cantante gospel Sandra Crouch ¿Qué sale de todo esto? Un producto irregular, pero con ciertos momentos sublimes, entre los que destacan las explosiones corales de 3 Ships, Oh Holy Night y How It Hits You.
Los arreglos son decentes. La voz de tío Jon se escucha digna, pura, angelical. Las bases electrónicas muy en la onda Cars, Flock of Seagulls o Yazoo, a veces destiñen, pero si nos ubicamos en la época del disco… igual salvan. De todas maneras, un bonito disco navideño para nostálgicos, bien hecho, mamón, pero entretenido y hasta emocionante. Por lo menos, se atreve a darle una vuelta de cuerda a los manoseados villancicos y hace que suenen diferentes, más vivos y hasta atractivos para el pobre tipo que ya está hastiado de tantos coritos sin sabor y arreglos demasiado añejos. Por ese lado, el valor de esta obra que bien puede morir en el olvido, pero que de todas maneras se sostiene y logra flotar en una época que más que por lo tradicional, se caracteriza por la repetición agotadora de cánones, estética y manierismos descaradamente comerciales y abrumadoramente aburridos.
Traten de conseguírselo. No es para cortarse las venas, pero se salva, más aún considerando la irregular discografía de Anderson como solista que teniendo puntos altísimos con álbumes como Olias of Sunhillow y Song of Seven, en general se da vueltas en melodías lateras, letras ridículamente optimistas y coqueteos con el pop que si bien son de agrado de muchos, a mí no me llegan demasiado. Pero en fin, para qué pelar tanto a Anderson si es una de las voces más maravillosas de rock y en especial del prog.
De todas maneras, un disquito que rompe la monotonía de esta fecha. Y si tiene niños, créame que van a prender al tiro con este álbum…
EL DISCO 1.- Save All Your Love (1:23) 2.- Easier Said Than Done (4:14) 3.- Three Ships (3:42) 4.- Forest of Fire (3:30) 5.- Ding Dong Merrily on High (1:57) 6.- Save All Your Love -Reprise- (3:10) 7.- The Holy and the Ivy (3:07) 8.- Day of Days (3:35) 9.- 2,000 Years (0:56) 10.- Where Were You? (3:54) 11.- Oh Holy Night (4:15) 12.- How It Hits You (5:11) 13.- Jingle Bells (0:31)
LA BANDA Jon Anderson, Sandra Crouch y Jade Anderson / voces solistas Rhett Lawrence / teclados, sintetizadores, programas Paul Chang / director general Bob Esty / conductor, director musical, arreglos Elliot Easton y Trevor Rabin / guitarras acústicas y eléctricas Frankie Banali y R.J. Parnell / batería Santa Monica Choir of the Calvary Baptist Church / coro gospel André Crouch / director del coro gospel Paulinho Da Costa / percusiones Novi / viola eléctrica William Bryant III y Gary Lanier / director del coro Marta Woodhull / directora del coro infantil + Beyond War Philarmonic Orchestra
La experiencia me ha demostrado que muchos fanáticos del rock progresivo entraron al “ambiente” gracias a Rush, entre otras bandas. Pero como el tema que hoy nos convoca se centra en el power trio canadiense, me responsabilizo por mis palabras e insisto, Rush fue, es y será una de las puertas de entrada al mundo del prog. Y no sólo eso, no es difícil encontrar a fanáticos de otros estilos rockeros que en su panteón también tienen a Geddy Lee, Alex Lifeson y Neal Peart.
La banda publicó debutó en 1974 con su álbum homónimo. Más cargados al blues y al hard rock, los muchachos poco a poco fueron deviniendo en una onda más prog, no sin antes cambiar de batero para la edición de Fly by Night (1975), su segundo disco. De la mano de Neal Peart, las letras de Rush se volvieron más metafísicas y poéticas, cargadas a la ciencia ficción y llenas de referencias mitológicas. Es así como llegan a la edición de la obra cumbre de su primera etapa, el imperdible 2112 (1976). Como para terminar esta etapa, editaron ese mismo año el en vivo All the World’s a Stage (Dato curioso: el título está tomado de una frase de Shakespeare), para iniciar al año siguiente su periodo más sinfónico y que fue el que probablemente, les dejó más adeptos, esos fieles seguidores que a lo largo de tres décadas continúan pasando la antorcha. Luego de esta tetralogía (por llamarla de algún modo) que comenzó en 1977 con A Farewell to Kings y que concluyó en 1981 con Moving Pictures, el trío canadiense, ya reconocido en todo el mundo, lanzó un álbum doble en vivo, que es el que les presento en esta ocasión: Exit… Stage Left.
Según muchos entendidos en la materia, los fanáticos y mis amigos ProgHeads, pocas veces un disco en vivo ha alcanzado tal nivel de intensidad decorada con la soberbia técnica de cada uno de sus músicos. Si bien la tecnología ha logrado que muchos discos en vivo posteriores suenen mejor y sin desmerecer la calidad técnica de otras bandas, la verdad es que Exit… es una muestra clara del talento de Lee, Lifeson y Peart que a lo largo de doce temones, pasean al escucha por los mejores pasajes de su etapa más prog, luciéndose sin abusar, recreando cada tema a la perfección, pero sin dejar de lado pequeñas sorpresas y detalles que son realmente deliciosos, partiendo por el impresionante solo de batería de Neil Peart en el clásico YYZ, las cautivantes atmósferas logradas en Xanadu y Jacob’s Ladder y la increíble potencia de Red Barchetta y La Villa Strangiato. De comienzo a fin, este disco en vivo te atrapa sin ninguna concesión, pero también con la pureza de tres músicos que si bien usan kilos de tecnología, no se dejan seducir por ella y se plantan, como pocos, sobre el escenario, logrando provocar la más variada gama de emociones en el oído externo, aún después de casi treinta años de editado el álbum.
Me cuesta pensar en otro disco prog en vivo con tal nivel de precisión, poseedor de la belleza y la calma, pero también el poder y la fuerza de Exit… Aunque debo reconocer que todos los directos de Rush son apocalípticamente adictivos, Exit… tiene un gusto diferente; los muchachos en su mejor momento, la mezcla perfecta de talento y tecnología, un track listing de película escogido para la gira y por cierto, la característica voz de Geddy Lee que no se me ha olvidado desde entonces, jejejeje… Si quizás en el en vivo de Anekdoten de 1995 en Japón haya algo así, o en el Welcome Back My Friends… de ELP… Quizás en el Yessongs de Yes o en Anglagard… Pero son pocas las bandas capaces de lograr tal compenetración en una presentación en vivo y traspasar aquel goce y alegría al público, incluso, a través del vinilo y ahora, del láser… Uno de esos discos que DEBE estar por obligación en cualquier colección musical que se precie de tal…
La historia de Rush sigue hasta hoy. Luego del Exit... comenzaron otra tetralogía donde regalonearon el pop de muy buena manera y luego del doble en vivo A Show of Hands (1989), inciaron una nueva etapa que los llevó por otros senderos, algunos de ellos mucho más metaleros de lo que sus fanáticos esperaban, pero esa es una de las gracias de Rush, una banda que ha sabido mantenerse en el tiempo, que aún fiel a su estilo, ha probado con diversos derroteros del rock, saliendo siempre bien parados. Toda una hazaña en estos tiempos de música chicle, estrellas pop de poco peso y escaso talento... Una razón más para aplaudir un extraordionario álbum que seguro, adquirirá más valor y sabor en la medida en que pasan los años, tal como lo ha hecho hasta ahora...
*De Wikipedia: El concierto fue grabado en directo durante la presentación que hizo la banda la noche del sábado 27 de marzo de 1981 en el Montreal Forum de Montreal (Canadá), durante la gira promocional del Moving Pictures. Adicionalmente, dicha presentación fue capturada en video para su lanzamiento, primero en formato VHS (1982) y luego en DVD (2006), aunque el listado de canciones difiere entre el álbum y la recopilación en video. Esto se debe a que en el álbum se incluyeron cuatro temas -que aparecen en el lado B del disco 1, en el formato original- que fueron grabados durante otra célebre presentación, pero en el Apollo Theatre de Glasgow (Reino Unido), los días 10 y 11 de junio de 1980, durante la gira promocional del álbum Permanent Waves.
EL DISCO 1. Spirit of Radio (5:12) 2. Red Barchetta (6:48) 3. YYZ (7:44)
4. Closer to the Heart (3:09)
5. Beneath, Between and Behind (2:34) 6. Jacobs Ladder (8:47) 7. Broon's Bane (1:37) 8. The Trees (4:50) 9. Xanadu (12:10) 10. Freewill (5:33) 11. Tom Sawyer (5:01) 12. La Villa Strangiato (9:38)
LA BANDA Geddy Lee / bajo, bajo pedal, sintetizadores, voz, guitarra rítmica Alex Lifeson / guitarra, bajo pedal Neil Peart / batería, percusiones
DATOS DE CD Anthem ANC 4-1035 (Doble) Anthem-WAGK 1035-Can-1981 (Simple) Mercury Remaster 534-632-2 (1997) Aquí se agregó el tema A Passage to Bangkok.
Marillion – Misplaced Childhood (1985) Ok, este no es tan viejo como los que he comentado anteriormente, ni siquiera es setentero, pero corresponde a un época bastante significativa de la música en general y del progresivo en particular.
Los ingleses de Marillion se habían despachado dos discos notables en la primera mitad de los 80, convirtiéndose en parte del revival del rock progresivo de la época, género muy de capa caída luego que la misma pomposidad, pretensión y exceso de tecnicismo arruinara a las grandes bandas de la primera mitad de los 70, mismas que no tuvieron recambio en la segunda mitad y que quedaron en el pasado antes la arremetida por un lado, del contestatario punk y por otro lado de la groovy y comercial onda disco. Pero como todo en la vida es cíclico, en Europa no tardaron en aparecer bandas que retomaron la senda dejada por los muchachos de Yes, Pink Floyd, Genesis, ELP, Jethro, Camel, entre otras megabandas de los tiempos dorados del progresivo. Los 80 comenzaban y en cuanto a tecnología había nuevos sintetizadores de sonido que algo podían aportar a darle al progresivo un nuevo sonido, más fresco, quitándole algo de la complejidad pretensiosa que en parte, lo había matado cinco años atrás. Una serie de bandas surge principalmente en Inglaterra y Estados Unidos, la mayor parte de ellas cargadas con un sonido más alegre, positivo, con algunos singles pegajosos que atraparan a la gente a través de la radio, pero con los ingredientes clásicos del buen progresivo: algunos temas de larga duración, letras muy poéticas y críticas de la sociedad, uno que otro solo cargado de talento y en algunos casos, mucho teatro en la puesta en escena, elementos que reencantaron a una nueva generación de progheads.
El asunto es que entre los cientos de bandas que surgieron en aquella época, una de las más destacadas fue y sigue siendo Marillion, que después de los inolvidables A Script For a Jester’s Tear (1983) y Fugazi (1984), le entregó a los fanáticos del prog una pieza de culto, perfecta, llena de sentimiento y talento, un disco conceptual de la más alta factura en forma y contenido. Se trata de Misplaced Childhood, conocido en habla hispana como Niñez Desvalida y que desde el cover art de Mark Wilkinson hasta el último surco del vinilo, es una pieza de colección, necesaria en toda colección no sólo de progresivo sino que de cualquier estilo.
Si bien por una parte es una obra conceptual y muy críptica en algunas ocasiones, por otra parte, Misplaced Childhood también posee un lado comercial que catapultó a la banda a la fama internacional a través del single Kayleigh, canción dedicada por Fish (vocalista y letrista de la banda) a varias de sus novias de la adolescencia. La canción se empinó en el #2 de los rankings en Reino Unido y fue un éxito en todo el mundo, justamente un símbolo de dos de los temas recurrentes en el álbum, la fama prematura y el estrellato no deseado, a los que se suman otras líneas conceptuales como el amor perdido, el abandono infantil y la pérdida de la inocencia, todos tópicos transversales que las letras de Fish tratan de manera aunque cruda, todavía poética.
Musicalmente es un disco complejo aunque una primera escuchada no deja esa impresión. Los arreglos están tan bien hechos que pareciera que los chicos de Marillion se sentaron e hicieron de una tirada el disco, aunque posteriores puestas de oído nos entregan los lujosos detalles de cada una de las compasiones en las que abundan los nostálgicos solos de guitarra de Steve Rothery y los elevados y sinfónicos teclados de Mark Kelly, siempre apoyados por la sólida base rítmica de Ian Mosley (batería) y Pete Trewavas (bajo). Así los 45 minutos del disco pasan volando, entre el perfecto equilibrio de temas muy sencillos como Kayleigh y Lavender, hasta las suites más extensas del disco en donde los muchachos muestran todo su talento, entregándonos bellos pasajes ambientales (Perimeter Walk) o poderosas secuencias progresivas (Childhood’s End?, Lords of the Backstage).
En suma, se trata de una pieza mayor, hipnotizante, interesantísima para cualquier fanático de la música en general, singularmente compleja y por sobre todo, símbolo de una época que contribuyó a mantener el rock progresivo en los oídos de muchos y que estoy seguro, sirvió para pavimentar el retorno de los grandes de los 70 que por esos años, volvieron a las pistas en gloria y majestad, aunque en muchos casos con álbumes de discutible calidad, aunque no por eso desechables (Léase Yes – 90125, ELPowell, Pink Floyd – A Momentary Lapse of Reason, entre otros).
Posteriormente, Marillion se despacharía otra obra de gran nivel llamada Clutching at Straws (1987), antes de la partida de Fish, el rostro visible de la banda, que comenzó una carrera solista con más bajos que altos. Marillion siguió su carrera, esta vez con la voz y las letras de Steve Hoggarth, en una nueva etapa que ya se ha extendido por veinte años, y en la que destacan discos Brave (1994) y Afraid of Sunlight (1995), que si bien son pedazos de monstruos musicales, están un paso más atrás del iluminado Misplaced Childhood, una obra maestra del género que, estoy seguro, no dejará a ningún fanático de la música indiferente…
EL DISCO Lado 1 1.- Pseudo Silk Kimono (2:14) 2.- Kayleigh (4:03) 3.- Lavender (2:25) 4.- Bitter Suite (7:56) a) Brief Encounter b) Lost Weekend c) Blue Angel d) Misplaced Rendezvous e) Windswept Thumb 5.- Heart of Lothian (4:02) a) Wide Boy b) Curtain Call Lado 2 1.- Waterhole (Expresso Bongo) (2:13) 2.- Lords of the Backstage (1:52) 3.- Blind Curve (9:29) a) Vocal Under a Bloodlight b) Passing Strangers c) Mylo d) Perimeter Walk e) Threshold 4.- Childhood's End? (4:33) 5.- White Feather (2:25)
En la versión remasterizada del doble CD de 1998 se agregaron los siguientes temas: 1.- Lady Nina (Extended 12" Version) (5:50) 2.- Freaks (Single version) (4:08) 3.- Kayleigh (Alternative Mix) (4:03) 4.- Lavender Blue (Lavender Remix) (4:22) 5.- Heart of Lothian (Extended Mix) (5:54) 6.- Pseudo Silk Kimono (Demo) (2:11) 7.- Kayleigh (Demo) (4:06) 8.- Lavender" (Demo) (2:37) 9.- Bitter Suite (Demo) (2:54) 10.- Lords of the Backstage (Demo) (1:46) 11.- Blue Angel (Demo) (1:46) 12.- Misplaced Rendezvous (Demo) (1:56) 13.- Heart of Lothian (Demo) (3:49) 14.- Waterhole (Expresso Bongo) (Demo) (2:00) 15.- Passing Strangers (Demo) (9:17) 16.- Childhood's End? (Demo) (2:23) 17.- White Feather (Demo) (2:18)
LA BANDA Fish: voz, letras Mark Kelly: teclados Ian Mosley: batería Steve Rothery: guitarras Pete Trewavas: bajo
