4.18.2008

CINEMA INFERNO: El Loco de la Motosierra


Ya que nuestro jefecito anda medio pegado en los 70, pues sigámosle la corriente, este mes, solo películas de horror 70eras
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Título Original: The Texas Chainsaw Massacre
Año de Realización: 1974
Escrita por: Kim Henkel y Tobe Hooper
Dirigida por: Tobe Hooper
Reparto: Nadie conocido que sea reconocible ..salvo la voz de John Larroquette y Gunnar Hansen como Leatherface

Antiguamente se definía como película de terror las películas en las cuales aparecían fantasmas, espectros, brujas o demonios que aterrorizaban al espectador. Esta bien podría definirse como la primera película de horror, porque la verdad susto no daba pero si el espectador quedaba más que horrorizado por la brutalidad de sus imágenes..34 años atrás. En donde el temor estaba en las depravaciones intrínsecas del ser humano y no en extrañas e inverosímiles historias fantásticas, en suma, lo más grotesco de todo es que películas como esta se nutren de verdaderos hechos criminales ocurridos en el mundo, eso si que es horrorizante.

La historia se basa un poco en la vida y obra de Ed Gain, un pelmazo bastante perturbado que gustaba no solo con matar a uno que otro ser humano, animal o cosa, sino que guardaba sus restos mortuorios con los que confeccionada, adornos, muebles y hasta ropa... si niños y niñas, alguien copió esa idea también para El Silencio de los Inocentes (1991). Además de practicar el canibalismo, la necrofilia y otras barbaridades inclasificables, el señor Gain profanaba tumbas y acostumbraba a ponerse una máscara hecha con los restos de alguna víctima.

Tobe Hooper tomó esa historia, actualizándola a una época más marihuanística, en una Texas que se aferraba a sus tradiciones y a al vez quería modernizarse, en donde la revolución agrícola y ganadera había dejado a muchas familias en la miseria mientras otros se hacían multimillonarios. Tampoco era raro encontrar familias en las cuales se practicaba la endogamia incestuosa..bueno con toda esa lindura de por medio, agarró a un grandulón medio animal, le puso una motosierra y listo; la película más brutal que se había visto hasta esa fecha.

No hay que endiosar a Tobe Hooper, en algunos momentos la cosa guatea pesado, sobre todo a los que estamos malacostumbrados por MTV y a pelmazos como Michael Bay a más de 400 planos por minuto, pero cuando por fin aparece Gunnar Hansen con la motosierra, y su máscara de cuero y se pitea a unos cuantos, ya la cosa se puso fea y uno queda con el culito apretado hasta el final, con tortura, muerte, sangre, huesos y motosierras, creo que ese es el gran aporte de esta película a la imaginería global, matar con una motosierra, que lindo no?. Los personajes se construyen tan someramente que salvo el guatón desagradable en silla de ruedas, que los maten es una mera anécdota..de hecho yo disfruté cuando mataron al gordo en silla de ruedas por que fue como "uf, al fín se va a quedar callado este gil" de hecho como pieza cinematográfica la película vale callampa, pero su aporte a lo que es la cultura pop es inconmensurable, sin esta película no existiría Mike Myers (de Halloween) ni Jason Vorhees, ni Freddy Krueger ni habrían películas como Scream (bueno, no es una gran perdida) y todas esas tantas películas con haaaaartas secuelas que entretenían mis noches de insomnio en mi pre adolescencia.

No sé como llegó a Chile esta película, yo vi en VHS la 2da parte...no muy buena, y en cable unas secuelas tampoco muy agraciadas, hasta que por ahí me prestaron un dvd. La vi hace poco, un par de años atrás solamente. Tiene también un remake, relativamente digno, de hecho le da 100 mil patadas en cuanto a factura técnica, actuación, fotografía (de hecho la fotografía es muy muy buena) y montaje, pero no sé...le falta ese toque de brutalidad cruda que tenía la original ..bueno el remake tiene una precuela...uf! Cuento aparte, que poco creativos están los gringos que repiten películas viejas y más encima les hacen secuelas y precuelas..que locura. Pero bueno, esta precuela..es mucho mejor que todas las otras juntas!!. Sin duda que el hecho de no ser original le quita los bonos, pero como diría Hermes, ochocientos millones de estrellas cortadas con motosierra.

Bueno, le puse el título con que se le conoció por estos lados, El loco de la Motosierra, ja!, hilarante, de hecho es mucho más potente La Masacre con motosierra en Texas, pero cuando los distribuidores tienen que poner 2 conjunciones en un título, se cagan enteros y le cambian el nombre. Para que hablar cuando el título en cuestión a veces no tiene una traducción literal, ahí queda el descalabro..como por ejemplo Poltergeist. Bueno, voy a hacer una lista con las peores traducciones de títulos de película.
Por mientras, cuídense de la endogamia que resultan cosas atroces de eso. El dato freak, el trailer resultó más caro que la película..en serio!. Esta es una película hecha con el vuelto del pan, y para promocionarla se gastaron sus buenas lucas en contratar a un locutor decente, que a la larga se convertiría en una seudo estrella en USA, John Larroquette. El señor locutor cobró sus honorarios normales, que resultaron ser más altos que el costo de rodaje. Loco no?
para que se refocilen, el trailer

4.17.2008

Cuando los Dinosaurios Gobernaban la Tierra III


Emerson Lake & Palmer – Pictures at an Exhibition (1972)

No se enojen conmigo, pero tengo una obsesión casi enfermiza por volver a los locos años 70 y rescatar aquellas joyas de la música de esa época mundana, experimental, pionera y hasta hoy avanzada, cuyo legado repercute hasta en mínimos detalles de la música actual, incluyendo el pop…

Bueno, el asunto es que apenas comencé a entrar en el fantástico y glorioso mundo del rock sinfónico, me encontré con Emerson Lake & Palmer (de ahora en adelante, ELP), una especie de power trio británico, un supergrupo formado por el baterista Carl Palmer, recién egresado de la legendaria banda Atomic Rooster; Greg Lake, bajista y vocalista de King Crimson, por esa época el alma mater del rock de vanguardia, y el talentoso tecladista Keith Emerson que dejó al grupo The Nice (otro prócer del rock sinfónico) para unirse a este nuevo proyecto que se caracterizó desde sus inicios no sólo por sus composiciones originales, la mayor parte ellas épicas y de largo aliento, si no que también por recrear piezas de música docta en un particular estilo que mezclaba elementos barrocos, improvisaciones en teclado y un nivel de pretensión pocas veces visto en la historia de la música.

Y sí, quizás es ese el elemento que estancó el crecimiento de ELP, la pretensión, aquella constante búsqueda de elementos que contribuyeran a confluir la música “clásica” de sus intérpretes favoritos (entre los que destacaban Mussorgsky, Prokokiev, Copland y Ginastera) con los elementos que la tecnología les ofrecía en aquella época y que ya eran capaces de recrear orquestas completas en seis manos con suficiente talento. Por supuesto no puedo menospreciar la enorme pericia que cada uno de ellos tiene en sus instrumentos, en especial el legendario Carl Palmer, quizás uno de los mejores bateros de todos los tiempos, pero con el paso de los años y desde el lanzamiento de su álbum homónimo debut (1970), algo ocurrió con ELP… En resumen, se volvieron ambiciosos (para muestra, el álbum Works Vol 1) y cuando quisieron retomar un camino un poco más “humano” se despacharon aquella brutalidad de disco titulado Love Beach (1978) que marcó el fin de la primera etapa de la banda y que también contribuyó al cierre de la época dorada del progresivo junto a otros pasteles de la época.

En fin, aún hasta hoy, ELP se mantiene vigente entre sus seguidores, en parte gracias a sus regresos como EL&Powell (1985) y Black Moon (1992) con la alineación original, además de una docena de recopilaciones, remasterizaciones y DVD’s que reviven los años gloriosos de ELP.
En fin, dentro de todo esto, hay discos clásicos, obras maestras del trío que aún hoy forman parte del panteón olímpico progresivo. Y qué mejor ejemplo que el legendario Cuadros de una Exposición, basado en la también imborrable obra del ruso Modest Mussorgsky, una monumental pieza que mezcla pasaje idílicos con escenarios de salvaje fuerza e inspiración. ELP rescató algunas secciones de la original Pictures at an Exhibition y las tiró en un concierto que fue grabado en 1972 y en donde incluso se arriesgaron (exitosamente, en mi opinión) a ponerle letra a algunos pasajes. Es un producto abrumadoramente crudo, concreto, inspirado, que mezcla pasajes improvisados por Emerson sacándole el jugo a sus teclados con el tecnicismo perfecto de Palmer en batería y la delicada voz de Greg Lake que en ningún momento desentona con su bajo. Un disco impregnado de aquel espíritu setentero algo sicodélico, algo barroco, algo romántico y muchas veces épico y vanguardista, términos bien plasmados en esta placa que será deleite de todo fanático de las fantasías tecladísticas y de las baterías fuertes y precisas. Un álbum que se pasea por momentos de delicadeza absoluta a cargo de Lake y su guitarra electroacústica, pero que también se desliza por terrenos en donde el rock y la experimentación predominan para dar una versión vanguardista y revitalizada del clásico de Mussorgsky, llena de detalles impresionistas, desfachatada, abrumadoramente cruda y por sobre todo, ejemplo tácito de una época en la que la industria pop no había lavado los cerebros de los chiquilines. En verdad, una pieza clave para comprender la época dorada del progresivo y empaparse de un poquitín de sicodelia y épica sinfónica setentera a través de casi cuarenta minutos de infartantes solos de teclado, absoluta precisión en la batería y la belleza cautivante de la voz de Greg Lake. Un manjar para oídos arriesgados y exquisitos, imperdible aún después de treinta y cinco años…

EL DISCO
(en vinilo)
Lado 1 (19:02)
a. Promenade
b. The Gnome
c. Promenade
d. The Sage
e. The Old Castle
f. Blues Variations

Lado 2
(18:47)
a. Promenade
b. The Hut Of Baba Yaga
c. The Curse Of Baba Yaga
d. The Hut Of Baba Yaga
e. The Great Gates Of Kiev
f. The End - Nutrocker

Tiempo total: 37:21

Bonus tracks en el remaster de Sanctuary (2004):
1. Pictures at an Exhibition (version de estudio)
LA BANDA
Keith Emerson / Teclados
Greg Lake / voces, bajo y guitarra
Carl Palmer / batería, percusión
INFO DEL DISCO
LP Island HELP1 (1971)
LP Cotillion / Atlantic Records (1972)
CD Rhino 72225 (1996 USA/Can)
CD Sanctuary (UK) SMRCD057 (2004 remaster)
En 1992 TDM S.R.L. (MC cat. code TDMK 54) produjo un bootleg con un orden diferente de canciones.

4.03.2008

Las Películas que Olvidamos: TUCKER, EL HOMBRE Y SU SUEÑO (1988)


En busca del sueño (roto) americano…

Hace algunas noches, Mega se despachó una peli que hacía muchos años había visto en el cine y quizás, una de las más subvaloradas de Francis Ford Coppola. Se trata de Tucker, el Hombre y su Sueño, un film un tanto extraño (por lo menos desde mi punto de vista) y quizás más bizarro para lo que conocemos de FFC junto a Jack (1996) y Peggy Sue, su Pasado la Espera (1986).

La temática de la peli está basada en hechos reales. Se centra en los años gloriosos de Preston Tucker (Jeff Bridges) un hombre inteligente, arriesgado, con una personalidad arrolladora, soñador como él solo y por supuesto, despilfarrador y con un ojo clínico para meterse en negocios sin futuro. Quizás es por eso que la peli parte con Tucker viviendo una vida un tanto lujosa, pero endeudado hasta el cuello, pero aún así con la idea de darle al pueblo gringo un automóvil de última generación, innovador, barato y lleno de adelantos tecnológicos. Con el apoyo de su esposa Vera (Joan Allen), Abe Karatz (Martin Landau), de su hijo mayor (Christian Slater) y de otros ingenieros y mecánicos tan locos como él, se embarca en el diseño y construcción del Tucker Torpedo a fines de los años 40 y por supuesto, se echa encima a senadores y a las poderosas industrias automotrices de la época que, el final, logran culparlo de apropiarse del dinero destinado a los carros y así, enjuiciarlo con el fin de evitar la producción del Torpedo.

No se desanimen. Ya sé que es una de estas típicas historias gringas de esfuerzo y sacrificio, donde el “sueño americano” es que el mejor sale parado, con un personaje que parece estereotipado y que quizás en las manos de cualquier peliento, se hubiera convertido en una película olvidable. Pero de la mano de Francis Ford Coppola se convierte en casi un testimonio de vida. En primer lugar, es quizás lo mejor que le he visto a Jeff Bridges como actor. En segundo lugar, es una película sobria, correctamente ambientada y filmada. En tercer lugar, hay que ponerse en los pantalones de Francis y comprender por qué hizo esta peli… En esa época, la bancarrota y tragedias familiares tenían a FFC en una delicada situación. Fue la década en la que comenzó a hacer pelis por encargo, la mayor parte de ellas de dudosa calidad, y parecía que no había por donde recrear el éxito artístico obtenido en los 70 con las dos primeras partes de El Padrino (1972 y 1974) y aquella obra maestra llamada La Conversación (1974). En fin, el asunto es que en los locos 70, Coppola había producido las primeras películas de muchos jóvenes realizadores que buscaban su espacio en Hollywood, entre ellos, George Lucas quien, como buen y agradecido alumno, le devolvió la mano a su mentor para hacer este y otros filmes y fue así como FFC aprovechó la oportunidad de convertir a Tucker en su reflejo; un hombre que lo tuvo todo y que en pos de un sueño, se queda sin nada, pero aún con la esperanza de haber producido algún cambio aunque sea en su círculo más cercano.

Así, la peli se desliza por la pantalla como una hazaña épica pero aún sencilla, con los clásicos dimes y diretes de este tipo de cintas, pero con secuencias y momentos entrañables, en especial el momento del estreno del Torpedo y la salida de la fábrica de los primeros y únicos 50 autos que Tucker alcanzó a construir. Bueno, esto me lleva a la trivia, pues tanto Lucas como Coppola son dueños de dos de los autos Tucker, perfectamente funcionales, así como otros 40 que andan por ahí que se han convertido en objeto de culto para sus dueños (actualmente tienen un costo de 3.000 a 4.000 dólares) y que se han agrupado en una sociedad para celebrar el genio talentoso de Preston Tucker pues muchas de las pioneras innovaciones que introdujo en el Torpedo, aún hoy son utilizadas por las grandes compañías automotrices del mundo.

No es una gran película, pero se nota que está hecha con cariño y su mensaje es capaz de sobreponerse a muchos discursos similares. Vale la pena echarle una mirada y descubrir algunas de las claves del mito Coppola a través de los ojos de Preston Tucker, uno de esos tantos personajes trágicos de la historia gringa que sólo a través de estos pequeños homenajes, podemos dimensionar…

FICHA TECNICA
Tucker, el Hombre y su Sueño
(Tucker, the Man and his Dream)
1988
110 minutos
Dirigió Francis Ford Coppola
Escribieron Arnold Schulman y David Seidler
Fotografía de Vittorio Storaro
Produjo George Lucas
Música de Joe Jackson
Actuaron Jeff Bridges, Joan Allen, Martin Landau, Frederic Forrest, Lloyd Bridges, Elias Koteas, Nina Siemaszko, Christian Slater y varias réplicas de los autos Tucker...

666 Razones para no escuchar Reggetón


Uaral


Sounds of Pain


2006


Está claro que el Doom Metal no es uno de los géneros musicales más populares del music business, pero no hay que desconocer que tiene una buena cantidad de seguidores y son muy críticos y a la vez fieles. En lo personal no soy muy adicto a esto pero Uaral me dejó más que sorprendido.
Desde el año pasado me encuentro inmerso en la producción de un largo monstruoso (en todo sentido) y una de las aristas era buscar un soundtrack apetecible. Con esta premisa me acerqué a una de las personas que más música escucha en Chile, el señor Rolando Ramos, que me recibió afectuosamente como si fuera un hermano de toda la vida siendo que era la primera vez que me veía. Me recomendó cientos de bandas locales pero hizo una pausa y con mucha ceremonia me dijo (y trato de citar textualmente): "Este grupo es una de las pocas cosas que me ha dejado con la boca abierta, es la mezcla de estilos más inusual y más bien hecha que he escuchado". No tenía una copia de su trabajo pero me contactó con el sello que ha editado los trabajos de Uaral y Jorge Diaz, su productor, me hizo escuchar su trabajo. Es verdad, quedé paralizado, era algo totalmente nuevo en música y eso ya es demasiado que decir en este negocio ultrasaturado. No había que ser un experto en música para darse cuenta que lo que tenía ante mis orejas era un trabajo de gran calidad.
Uaral es un grupo muy crítico del sur de Chile que realiza Doom metal con una abierta influencia de folklore local, es decir folk doom. El nombre de su estilo en si no es muy exitante, algo como tecno cueca o guaracha punk, como que no pega ni junta pero a ellos les resultó y les resultó bien.
Del doom agarra el estilo musical, la cadencia del ritmo y la potencia sonora, las voces guturales, el dolor, la pena y la perdición como temas; del folklore agarran la melodía, la guitarra acústica y un sonido a tierra que no había escuchado antes, es como meterse por un campo del sur y ver a los huasos quejándose de dolor. Sonoramente crean atmósferas rurales claramente identificables: la lluvia, el trueno, el canto de las aves típicas de Chile y ese dolor soterrado de la pobreza que solo han podido reflejar unos pocos como Tito Fernández, "El Temucano" y Quelentaro...todo esto sin dejar una muy potente banda de doom metal.
De los interpretes hay solo misterio, solo se puede saber que es un duo, Aciago y Caudal, no dan la cara, no ponen sus nombres reales y no le sinteresa la fama al parecer, solo sé que son parientes y amigos de infancia. Del sello que los edita, Octagon Music Group me cuentan con orgullo que son muy exitosos en Europa y Japón, que en blogs y foros de grandes bandas los mencionan como referencias e influencias, en youtube los temas subidos por sus fanáticos tienen miles y miles de visitas y los comentarios en su mayoría son elogiosos, aunque hay cosas escritas en lenguajes nórdicos y escandinavos que no sé que dicen, bien podrían estra destrozándolos pero no podría decirlo, lo que si se nota es que no pasan desapercibidos en ningún lado.
Lo complicado es que no se puede explicar con palabras la gama de sensaciones que genera, quizás al principio cueste agarrar el hilo de lo que su música nos está diciendo, pero después de unas dos o tres veces uno queda prendado del sentimiento y de verdad te atrapa y te da vuelta, de hecho no es recomendable escucharlo con el ánimo bajo.
Uaral hasta el momento ha sacado dos álbumes grabados profesionalmente: "Sounds of Pain" y "Lamentos a Poema Muerto". El primer disco es dolor puro hecho música, el segundo es tristeza, hoy me refiero al primero precisamente por ser el que mejor te hace saltar de una sensación a otra en un mismo tema. Sin duda el tema homónimo del álbum con su extensísima duración, es una mini ópera al dolor, la desesperanza y la soledad, pero por mucho que trate de explicar, solo deben escuchar.
En suma, una inusual y muy bien lograda almalgama de dos estilos e influencias en teoría muy opuestas pero que a través del dolor se logran adaptar increíblemente.
Ah, les conté que eran chilenitos?

Uaral: Sounds of Pain

1. Lost (03:34)
2. Surrendered to the Decadence (06:34)
3. Eternal Beauty of the Trees (06:01)
4. Sounds of Pain… (19:28)
5. Niche (09:30)
6. Depression (05:44)
7. La Vaga Esperanza de Ser (05:28)
8. Uaral (04:47)

La banda: Aciago, guitarras; Caudal, voz

Una aclaración, las versiones que aparecen en los links no son 100% iguales a las del álbum, especialmente en calidad (por la compresión) y atmósfera sonora, sobre todo en Surrendered to the Decadence ya que el link los lleva a una versión demo.

3.25.2008

Tardes en el Rex: CONQUISTA SANGRIENTA (1985)


Cuando Jennifer Jason Leigh era mi sex symbol…

Recordando aquellas fantásticas tardes de jueves o sábado, nuestros días preferidos para ir al cine Rex, se me vino a la memoria la gran cantidad de picadas (mordeduras, de hecho) de pulgas con que salíamos de ahí. El boletero era un tipo gordo y moreno, con cara de degenerado, que se reía con cada una de las estupideces que hacíamos dentro del cine y también, de nuestra desgracia, aunque eso no era nada comparado con las carreras de los ratones dentro de la sala ni con los gatos que se paseaban frente a la pantalla.

El asunto es que durante uno de esos días, partimos al Rex para ver una película que prometía mucho. Se trataba de Conquista Sangrienta, una peli que aquí pasó totalmente inadvertida y que marcó el fin de la etapa fílmica de Paul Verhoeven en su país de origen, Holanda. Bueno, con esta peli fue que me enamoré de Jennifer Jason Leigh. No tenía idea de su existencia hasta este film y válgame Dios que tanto sexo, pechugas al aire y violaciones, me hicieron mirarla con ojos de degenereque por largos años.

Como lo mencioné, la mezcla es básica, como en gran parte de la filmografía de Verhoeven: sexo y violencia (tal como lo dice el título original de la peli: carne y sangre). Un grupo de mercenarios en la Italia del Renacimiento, encabezados por Hawkwood (Jack Thompson) y Martin (Rutger Hauer, el fetiche de Paul durante su primera época), son contratados por un poderoso aristócrata de nombre Arnolfini (Fernando Hilbeck) para invadir una ciudadela y así, recuperar el poder que le fue arrebatado. Pero los planes no resultan como él quiere y los mercenarios terminan tomando la ciudad para ellos. Arnolfini reúne un nuevo ejército e invade la población amurallada, desterrando nuevamente a los mercenarios que se habían acostumbrado a asesinar impunemente, violar mujeres, comer como cerdos y libar en cantidades sobrehumanas. Es entonces que Martin planea su venganza y eso involucra no sólo retomar la ciudad, sino que también continuar abusando sexualmente de la aristocrática novia del hijo de Arnolfini, aunque poco demoramos en darnos cuenta que la chiquilla, más que sufrir, realmente disfruta de todas las vejaciones sexuales a las que es sometida, llegando incluso a sentir algo de amor por Martin.
Bueno, fue aquí que me enamoré de la carita inocente y a la vez califa de JJ Leigh, de sus limones de pica y de su piel paliducha. Por supuesto que las escenas subidas de tono provocaron efectos en mí, más aún considerando que estaba lejos de la barrera de los 18 años que me permitían ver la peli, por lo que caí rendido a los pies de Jennifer, que en verdad fue mi primer gran amor en la pantalla grande, incluyendo rollos varios en los que me imaginaba abusando de ella vestido de caballero medieval… En fin, con el tiempo fui cambiando de sex symbol y de fantasías que no comentaré en este momento. Lo que sí comentaré es la interesante puesta en escena de Conquista Sangrienta, la atmósfera opresiva y nebulosa en que se mueven los personajes, la suciedad patente de una Italia recién salida del oscurantismo, muy bien reflejada en una peli que indaga en esta época en que los mitos cristianos y paganos se mezclan para constituir casi la única visión de vida, de mundo… Una época en donde imperaba la ley del más fuerte y en donde los límites de la moral, la ética y la razón eran fácilmente superados. No se puede esperar menos de Verhoeven, que con esta peli ya demuestra su talento para los filmes de acción y muy teñidos de rojo, y en donde los personajes, aunque caricaturizados, perfilan rasgos sociales sumamente patentes.

No está demás mencionar que la peli tiene escenas memorables, en especial las de sexo entra Hauer y Leigh, pero por sobre todo, la promesa de amor entre el hijo de Arnolfini y la joven aristócrata, promesa que realizan muy amorosamente a los pies de un árbol decorado por putrefactos ahorcados, único lugar donde el mito permite el crecimiento de la mandrágora, planta que les concederá el don del amor eterno… qué asco, pero qué romántico…
En fin, es una de esas películas que de todas formas vuelvo a ver cada vez que la transmiten por el cable, generalmente en el trasnoche. Es de esas que me gustan y que desatan ese instinto violento que uno tiene medio escondido. Y también, todavía, el sexual. Vale la pena darle una oportunidad y disfrutar del empeño pundonoroso de Verhoeven por derramar sangre, crear personajes bestiales y destinados a un funesto final, heroínas tan frágiles como manipuladoras y atmósferas plenas de opresión y constante desprecio por la condición humana.

FICHA TECNICA
Conquista Sangrienta (Flesh & Blood)
1985
126 minutos
Dirigió Paul Verhoeven
Escribieron Gerard Soeteman y Paul Verhoeven
Fotografía de Jan de Bont
Produjo Gijs Versluys
Música de Basil Poledouris
Actuaron Rutger Hauer, Jennifer Jason Leigh, Tom Burlinson, Ronald Lacey, Susan Tyrrell, Jack Thompson, Fernando Hilbeck y caleta de extras con pinta de matones medievales...

3.18.2008

Tardes en el Rex: FUERZA SINIESTRA (1985)


El encanto de ver películas B en un cine B

Así como mi compadre Muñoz Cazaux tenía su cine de pueblo en Coquimbo, yo (y muchos otros) teníamos aquí en Antofa un símil bastante cercano. Se trata del legendario Cine Rex, que estaba ubicado en calle Copiapó, entre Lord Cochrane y Blanco Encalada, y que hace algunos años fue demolido para convertirse en la ampliación de un colegio católico (Vaya formar de matar recuerdos).

Me parece que en cada ciudad de Chile hay o hubo una sala con ese nombre, y estoy seguro que todos los fanas del cine pasaron más de un día encerrados ahí, viendo interminables rotativos triples que en el caso del “mi” cine Rex, mezclaban pelis como Delito en la Playa del Vicio (Hubert Frank, 1977) con Busco mi Destino (Peter Fonda, 1969), para rematar con Robocop (Paul Verhoeven, 1987), en una amalgama que por esos años encontraba genial. Claro está que como buen cien de barrio, viejo, algo podrido, hediondo a pichi de gato y con palomas volando sobre tu cabeza, las copias de las películas eran de escasa calidad. Entonces, había segundos desaparecidos, problemas de audio, imágenes borrosas, muchos pelos y hoyos en el celuloide… en fin, todo buen y necesario elemento decorativo que inunda la imaginería de una contundente película de cine de barrio, vista a través de los ojos de un niño más interesado en la aventura misma de penetrar aquella sala que en la película en sí.

El asunto es que una de esas tardes, a mitad de semana, partimos al cine Rex que por esos tiempos cobraba 300 pesos la entrada y nos instalamos a ver películas, acompañados de bebidas tibias (probablemente Fanta Sol o Fanta Frut) y esos paquetes de papas fritas en bolsa plástica, aceitosa y transparente, sin marca. Y nos encontramos con Fuerza Siniestra, dirigida por Tobe Hopper que entre sus logros como director de filmes de terror, tiene a su haber Poltergeist (1982), la original Texas Chainsaw Massacre (1974) y Salem’s Lot (1979), una terrorífica miniserie que en Chile transmitió TVN con el nombre de La Noche del Vampiro y que mis contemporáneos deben recordar porque les quitó el sueño por varios meses.

La peli es mas inglesa que gringa, de hecho parte con el viaje del transbordador Churchill al espacio, en busca del cometa Halley para tomar muestras y datos. Los flemáticos astronautas británicos se encuentran con una nave alienígena que viaja como rémora en la cola del astro y parten a investigarla, encontrándose con tres féretros de cristal que contiene a dos hombres y una mujer completamente desnudos y nada más…

De regreso a la tierra con los ataúdes, pierden contacto con la base. Al aterrizar, sólo el comandante Carlsen (Steve Railsback) ha sobrevivido y es testigo, junto a un grupo de doctores y militares de la verdadera faz de los extraterrestres, que succionan la fuerza vital de sus víctimas, convirtiéndolas en “zombies-vampiros” que en menos de dos horas deben extraer la fuerza vital de otra persona para sobrevivir, convirtiendo a su víctima en un nuevo “zombie-vampiro”.
A pesar de las críticas negativas que recibió en su estreno y que fue un fracaso de taquilla, la peli es un pastel de comienzo a fin. Partiendo por la manía de Hopper de convertir todo en un desastre absoluto, brindándonos una apocalíptica visión de Londres arrasada por zombies-vampiros, buenas dosis de erotismo a cargo de Mathilda May en el rol de la mujer-vampiro-E.T. que se pasea en pelotas casi toda la peli, y por supuesto, memorables secuencias gore entre las que destaca la primera víctima que cobra la May en una especie de quirófano. Una de esas pelis de terror y sci fi que te mantienen pegado al asiento por dos horas, con sobresaltos incluidos, buenos efectos especiales y una mezcla irracional de géneros y giros sorpresivos que no pueden sino darse en las pelis de Hopper y de algunos otros adelantados y disparatados realizadores.

Algo de trivia, bastante necesaria por lo demás: Uno de los guionistas de este film es el legendario Dan O’Bannon, autor de entre otras imperdibles pelis, de Dark Star (John Carpenter, 1974) y Alien (Ridley Scott, 1979). La producción fue de Yoram Globus y Menahem Golan que en los 80 ganaron millones con películas de bajo presupuesto protagonizadas por Chuck Norris. Steve Railsback, el protagonista, hizo dos de los más notables y legendarios capítulos de Los Expedientes Secretos X, en el rol del abducido Duane Barry, y Mathilda May, si bien ha hecho gran parte de su carrera en Europa, puede ser recordada por algunos cinéfilos en el rol de Isabella Zancona en la nueva versión de El Chacal (Michael Caton-Jones, 1997)… En esta peli, ella es una sufrida ex militante de la ETA y amor imposible de Richard Gere…

De verdad, traten de conseguírsela. Es una locura de film, muy en la onda desenfrenada de Tobe Hopper y muy superior a otras cintas quizás mejor marketeadas o “normales” del mismo género. Les aseguro que no se arrepentirán…

FICHA TECNICA
Fuerza Siniestra (Lifeforce)
1985
116 minutos
Dirigió Tobe Hopper
Escribieron Dan O’Bannon y Don Jakoby, basado en la novela homónima de Colin Wilson
Produjeron Yoram Globus y Menahem Golan
Música de Henry Mancini
Actuaron Steve Raisback, Mathilda May, Peter Firth, Frank Finlay, Patrick Stewart, Michael Gottard, Nicholas Ball y cientos de zombies-vampiros...

3.13.2008

666 Razones para no escuchar Reggetón


La Renga

La Esquina del Infinito

2000



Guardando las proporciones, La Renga es como el Iron Maiden argentino, porque los seguidores en Chile de esta banda son tanto o más fanáticos que los fanes de la Doncella de Hierro, son fieles a rabiar y no se pierden show. Este verano realizaron uno en Viña del Mar y sé de gente de Concepción que fue a verlos y gritaron y vociferaron en el show casi como si fuera la única vez que los vieran tocar, y la verdad es que los que hemos ido a sus tocatas de verdad lo disfrutamos. Al principio tocaban en el Víctor Jara que jamás ha tenido buena acústica, incluso La Renga fue la primera banda (que yo recuerde) que colocó el escenario sobre la gradería sur del estadio y por dios que mejoró la calidad del espectáculo, lo malo es que cabe un poco menos de gente pero se disfruta mucho mejor.
Musicalmente, La Renga puede que no sea una clase de virtuosismo, que la voz del vocalista no sea melodiosa y que muchas veces desafine, incluso en estudios, que las guitarras tengan demasiada distorsión y se les puede tildar de básicos y simples, de hecho, esa es la gran fortaleza de La Renga, ser una banda de Rock puro y brutal. Pero, no basta con saber hacer buenos riffs o darle fuerte a al batería para que un grupo de desconocidos se enganchen con la música de un grupo al nivel de viajar cientos de kilómetros solo para escucharlos en vivo...de nuevo. Hay que tener algo que sea transversal entre banda y público. Lo que tiene Iron Maiden con su fanaticada y lo que ha logrado Chancho en Piedra con su público fiel a lo largo de cientos de tocatas; mística.
La gracia de La Renga en este sentido no es el hecho de montar un show teatral como sí lo hacen los Chancho y Maiden, sino en escribir letras de fácil comprensión y que van directo a la fibra emotiva del oyente. Letras que hablan de cosas simples pero a la vez son los problemas que atañen al target que los escucha: el alcohol, el compañerismo, el sentir que estás luchando contra un sistema inhumano o del último cuete que te fumaste. Sin embargo, la lírica de La Renga no cae en la chabacanería a pesar de su simplismo, sino que con un gran talento narrativo, va armando una historia plagada de metáforas simples y disfrazando lo que es de lo que no es con gran habilidad, para muestra un botón: "Hola a todos, soy el león. Rugió la bestia en medio de la avenida. Todos corrieron sin entender, panic show a plenas luz del día" y con solo eso se quejan por la represión policial.
Toda esta lírica simple, o como diría un crítico de literatura: "poesía barata" tiene el mismo origen que sus seguidores, un origen humilde y sin recursos, con calles lodosas , no en vano su primer album se llama Esquivando Charcos, es por eso mismo que sus seguidores sienten a La Renga como un hermano al que le va bien y que a diferencia de muchos que partieron igual, siguen siendo los mismos de siempre.

El primer álbum es una pieza de colección para todo "Rengo" que se precie de tal, es sin duda alguna uno de los peores discos debut de cualquier banda; suena mal, con muchas fallas en su interpretación, tanto en los instrumentos como en la voz de un púber en desarrollo con gallitos, letras que no decían nada y musicalmente muy pobre, de hecho cuenta con un par de grabaciones "en vivo" que suenan como con el parlante roto...no si musicalmente es muy malo el disco, pero es el primero, es honesto y todos lo quieren. De hecho, yo también lo tengo y lo escucho bastante seguido, es que tiene esa sensación de que los muchachos se sacaron la mugre y le pusieron tantas ganas al disco que de verdad se goza. Ese es otro punto importante, uno en vivo percibe que La Renga disfruta lo que hace, que no hay nada más placentero para ellos que tocar en vivo y a la larga uno disfruta de eso.

Claro que musicalmente La Esquina del Infinito es un álbum mucho más maduro que sus predecesores, un sonido más refinado que incluso permite incluir ciertos compases acincopados de jazz al inicio del álbum, algo de funk, unos violines melodiosos en una balada potentísima, algo de distorsión artificial y efectos de sonido que enriquecen sonoramente el rock animal del grupo. La voz del vocalista nunca sonó tan desgarrada y sin embargo está tan bien mimetizada con los instrumentos que en vez de altisonar, es un aporte al combo sonoro. La guitarra es mucho más calmada en su vértigo dejándole toda la fuerza en manos del baterista que toca como un batallón de artillería y los bronces que acompañan de vez en vez algunas canciones, suenan impecable.

Es un disco hecho desde otra perspectiva, quizás sin el ímpetu avasallador de los primeros años y se nota, es como un whiskey añejo, de sabor más refinado pero siempre potente. Además que los temas están bien encadenados unos con otros, casi sin dar respiro al oyente y en cuanto a la lírica, ha mejorado, se ha pulido, nutriendo de más figuras literarias pero sin perder ese sabor a pueblo que siempre tuvo. "Maderas de viejo nogal, rocío llora en mi sangre" .

En resumen un disco para seguidores acérrimos, pero que se deja escuchar por el público más neófito que no se deja pasar así como así por ser un disco con demasiados cojones, rock al más puro estilo de gargantas destrozadas cantando, guitarras sonando como truenos y batería como bomba...matizado con violines, algo de jazz y algo de funk. Con un gran cover al tema Hey hey, my my del siempre cambiante Neil Young. Cabe destacar el tema En Pie el que toca la guitarra Ricardo Mollo, el mismo de Divididos, se comprende por ser el productor de varios de los álbumes de La Renga y para ser honestos, convirtió a este grupo de una banda de pibes entusiastas en unos verdaderos rockstars. Para muestra, escúchenlo en vivo

La Esquina del Infinito

la banda: Chizzo, guitarra y voz; Tete, bajo; Tanque, batería; Chiflo, saxo y trompeta; Manu, saxo armónica y guitarra rítmica. Músicos invitados: Dimitri Rodnoy, chelo; Javier Casalla, violín; Ricardo Mollo, guitarra y fantasías


1.- La vida, las mismas calles
2.- Motoralmaysangre
3.- Al que he sangrado
4.- Panic Show
5.- El cielo del desengaño
6.- Arte Infernal
7.- En el baldío
8.- En pie
9.- El rey de la triste felicidad
10.- Estalla
11.- Hey hey, my my

3.12.2008

Tú, Yo y Todos los que Conocemos (2004)… o cómo comprender qué significa ))<>((


El otro día, navegando por el cable con Cindy, nos encontramos con una peli bastante interesante, de esas de tipo coral que se pusieron tan de moda con Magnolia de P.T. Anderson (1999) o Crash de Paul Haggis (2004). Se trata de la intimista, algo freak y por momentos muy inspirada Me, You and Everyone We Know (2005), una de esas joyitas independientes, hecha en digital y de edición limitada y que por estas latitudes, sólo tenemos la posibilidad de conocer a través del cable o con mucha suerte, gracias a Internet.

Al principio, no le dimos mucha bola. Esa imagen media granulienta que agarran los filmes independientes, con mucha cámara en mano e iluminación que trata de ser “realista” me termina por cabrear así es que no voy al cine a verlas o en la tele, acabo por volver a mis sesiones de interminable zapping. Pero contrario a mi primera apreciación, Me, You and… terminó por convencerme. La joven Miranda July (que además es músico) dirigió, escribió y protagonizó esta cinta que hasta el momento, es la única de su filmografía. Ella hace el papel de Christine, una artista visual aún anónima, que se gana la vida conduciendo un taxi para ancianos. Repentinamente, se enamora de Richard (John Hawkes), un vendedor de zapatos que acaba de separarse de su esposa y que trata de recuperar la relación con sus hijos Peter y Robby, quienes han optado por no hablarle. Peter, por su parte, es un chico quinceañero un tanto tímido que se rtelaciona con una vecina un poco menor que él, que sueña con casarse. A la vez, se dedica a chatear de forma bastante singular, compartiendo imaginarias experiencias sexuales que se harán realidad cuando Heather y Rebecca le propongan practicarle sexo oral para que les diga si puede notar la diferencia entre las dos. Estas dos adolescentes están en pleno periodo de descubrimiento sexual y comienzan a involucrarse a través de obscenos mensajes con John, compañero de trabajo de Richard, con la intención de iniciarse en las lides del ring de cuatro perillas.

En tanto, Robby, el hijo menor de Richard con tan solo seis años, participa en forma secreta del chat sexual de su hermano mayor y se contacta con una mujer a la que le ofrece “defecarse mutuamente”, describiéndolo de la siguiente manera: ))<>((, símbolo que tendrá una gran importancia en el desarrollo del film. Lo que el pequeño no sabe, es que estos mensajes lo llevarán a tener un encuentro frente a frente con la mujer al otro lado de la pantalla, que es nada menos que la curadora de un museo de arte contemporáneo que ha rechazado (en una primera instancia) el trabajo visual de Christine.

Bien, a grandes rasgos, esas son las líneas de la película. Las historias si bien no me parecen muy originales, están bastante bien narradas y el final de cada una es bien coherente, lo que da la sensación de estar frente a un producto bastante redondo y bien hecho. Es una peli interesante, con secuencias demoledoras, como el encuentro de la curadora con el cabro chico o las de Richard hablando solo, sin recibir respuesta de sus hijos. Muy recomendable para todos los que alucinan con las pelis de González Iñarritu aunque aquí no hay ni violencia ni desesperanza. Al contrario, una de las gracias de de July es que deja un sabor bastante dulce en la boca luego de terminar el film y que necesariamente te obliga a mirarte el ombligo y darte cuenta que no todo es lo que parece ni que estás tan mal como piensas…

FICHA TECNICA
Tú, Yo y Todos los que Conocemos
(Me, You and Everyone We Know)
2005
Dirigió y escribió Miranda July
Produjo Gina Kwon
Fotografía de Chuy Chavez
Editaron Andrew Dickler y Charles Ireland
Actuaron Miranda July, John Hawkes, Miles Thompson, Brandon Ratcliff, Natasha Slayton, Najarra Townsend y muchos secundarios que nadie conoce...

3.06.2008

CINEMA INFERNO: Currículum


¿Quién dijo que en Chile se hacían solo películas políticamente correctas?

Título Original:
Currículum
Año de Realización: 2006
Escrita por:
Ignacio Muñoz y Patricio Valladares
Dirigida por:
Patricio Valladares
Reparto:
Serge François, Carolina Aguilera, Fabian Padilla, Nelson Villagra y 3 cadáveres sanguinolentos.

Bueno, antes que todo, debo disculparme por mi desaparición desde inicios de Enero de esta pantalla, la razón es simple, me entró la flojera estival y fui consumido por los placeres más básicos, llámese no hacer nada y disfrutar de no hacer nada...pero como no hay mal que dure 100 años ni placer que dure más de un par de minutos; mis vacaciones se acabaron y ahora vuelvo a la tortura del mundo laboral y la horripilante carrera por el vil y asqueroso dinero.

Después de ver los notables post con que el jefecito está nutriendo este blog, pues no me queda otra que colocar algo de buen nivel, pero no pienso hacer una reseña del Ciudadano Kane o alguna otra joya, sino que me voy al extremo opuesto, la película chilena más oscura, vilipendiada, censurada, y a la ves una con la mayor cantidad de presencias en la web que existe. "Currículum".

Esta película nace el 2006 tras la inquietud de un joven realizador de Chillán que con sus compañeros de carrera deciden realizar un telefilme muy distinto al que les tocó hacer en el instituto donde estudiaban audiovisual, básicamente para satisfacer su ansia de hacer una película a su pinta. Así que con más ganas que presupuesto empezaron a crear una historia simple, atrapadora y extraña. La premisa; dos asesinos son contratados para hacer un "trabajito" y ambos llegan a un galpón abandonado donde hay una joven amarrada, golpeada y semidesnuda, ambos intentan quedarse con la pega y para eso comienzan a discutir acerca de quien es merecedor de este trabajo, echándose en la cara su horrendo currículum de torturas, asesinatos y crímenes de lesa humanidad. Una historia surreal, que roza con dolor la realidad de Chile, nombrando crímenes y asesinatos reales en medio de unos diálogos infectados con humor negro y una violencia implícita que asquea por lo cierto de lo que menciona.

Si bien oficialmente la película dice que fue realizada con un presupuesto de 15 millones de pesos, en realidad lo que se gastó fue mucho, pero mucho menos que eso, los 15 palos reflejan el valor del trabajo realizado, porque esta película debe ser una de las más baratas que se ha hecho en este país..incluyendo algunas escenas en Montreal! Quien se roba la película es su protagonista Serge François con un currículum más que envidiable y con una entrega por el personaje realmente sorprendente, Serge se convierte en El Italiano a tal nivel que ya no e sposible diferenciarlos. Tanto así que su performance lo convirtió en un personaje de comic y se prepara un largometraje con su historia.

La pregunta del millón es: ¿Por qué hablar de Currículum? Por los 4 días de rodaje que tomó, por lo desconocido de sus realizadores y de hecho..lo desconocida que es esta película. O quizás por el hecho de ser la película extranjera mejor evaluada por el público argentino en el Buenos Aires al Rojo Sangre de 2006, o por ser el único largometraje chileno en el Festival de Cine Digital de Viña del Mar 2007 en desmedro de trabajos mucho más premiados y publicitados? O quizás por haber sido rechazada por practicamente todas las cadenas de exhibidores cinematográficos del país por ser políticamente incorrecta, burlarse de todo, hablar de pedofilia, crímenes políticos, intereses corporativos y cuanta suciedad se amontona por debajo de la alfombra de esta economía neo liberal? A lo mejor conviene hablar de "Currículum" porque yo trabajé en ella..(jejeje, sorry, un poquito de nepotismo no le viene mal a nadie)

Bueno, esta película barata, extraña y en algunas partes difícil de digerir tiene méritos de sobra para ser comentada y vista, algo de eso vieron los distribuidores internacionales que ávidamente negociaron un contrato de distribución mundial y se embarcaron en el siguiente proyecto de Valladares poniendo un presupuesto mucho más generoso que el de esta película.

Del director, podría hablar horas, pero solo les voy a decir que es admirador de Jodorowsky, Noé, Lynch, Miike y Cronenberg y mucho de eso se nota en Currículum, incluso Angelo Badalamentti (si, le mismo que trabajó con David Lynch) llegó a decir que la película le parecía "very nice" y está dispuesto a musicalizar un siguiente trabajo de Valladares (claro..hay que pagarle lo que cobra) Es un joven humilde de Chillán que solo tiene una ambición, hacer las películas que le gustaría ver a él, y que las personas que vean su película la disfruten o la desprecien, pero que no queden indiferentes. Lo que son objetivos bastante loables, considerando que muchos realizadores nacionales desean primero ganar un fondo, luego ganar festivales, después, ser bien criticados y por último, que a la gente le guste. De algo estoy seguro, Valladares dará mucho que hablar en adelante, en especial con su segundo largometraje "Departyd" que promete ser la película más brutal hecha en Chile, y con el tiempo, "Currículum" se convertirá en una de esas raras piezas de culto, de esas joyitas que los cinéfilos y ñoños alrededor del mundo se vanaglorian de haber visto.

¿Dónde verla?, complicado, en Chile se ha exhibido solo 3 veces; una vez, más de la mitad de la gente se retiró a los primeros 5 minutos, la segunda vez algunas damas salieron con nauseas y la tercera..bueno, fue en Santiago Rojo Sangre y los espectadores la disfrutaron mucho. Hay copias piratas en Italia, Miami y Rumania y si tienen suerte, pueden revisar los cientos de articulos en internet o comprar la oscura banda sonora en tiendas de música alternativa o quizás esperar que algún distribuidor nacional olvide sus prejuicios y se atreva a mostrar "Currículum", tal como dice en su sitio web..la película que Chile no se atreve a mostrar.
Para los ojos golosos, el trailer



3.05.2008

Taxandria... o el canto del cisne del cine surrealista


No sabía mucho del artista belga Raoul Servais hasta que vi Taxandria, hace varios años ya, en Cinemax, cuando todavía era un canal de puro cine alternativo… Bueno, aún lo es, pero cada día se está llenando más de programación basura que le sobra al HBO. El asunto es que así fue como me encontré con Taxandria, film que data de 1994, cuando Servais ya tenía más de sesenta años y se había convertido en el ícono del cine de animación que es, apelativo que por lo demás se tiene más que merecido.

Taxandria es una película surrealista de pies a cabeza. Bella en todo sentido de la palabra, de guión y diálogos sencillos, pero con una fuerza visual envidiable. Aquí, Servais deja de lado los cortos de animación que caracterizaron su carrera y se arriesga con un largometraje que si bien está plagado de escenografías magníficas y fondos matte de gran factura, está protagonizado por personas de carne y hueso. Un chico que pasa las vacaciones con su familia en la costa, se hace amigo del cuidador del faro de la localidad quien le enseña un mundo nuevo, fantástico y desconocido que puede ver y vivir a través de la luz del faro. Se trata de Taxandria, un lugar de fantasía dominado por un oscuro primer ministro y la fuerza policial, quienes han sometido a todos los habitantes del lugar a vivir sin sentir el paso del tiempo, ajenos a toda otra influencia que no sea el orden y la disciplina representados por una monarquía cuyos reyes han muerto hace mucho tiempo. Es en este mundo que Jan (Richard Kattan) interviene, ayudado por Virgilius (Armin Mueller-Stahl) y la joven princesa Ailee (Katia Studt), para desatar los sueños y la alegría a través de la creación de un maravilloso invento.

Desde mi personal punto de vista, es una película exquisita, aunque quizás sólo para ciertos paladares. Su desbordante puesta en escena es un factor que desequilibra el film, convirtiendo a los personajes en caricaturas poco esbozadas y sin profundidad. Sin embargo, la belleza de cada toma y plano, sus decorados ambiciosos y la ambientación de ensueño y pesadilla está tan bien lograda, que a poco andar aquellos detalles negativos se olvidan y te dejas llevar por la asombrosa imaginería del film que tiene secuencias notables, como la de la policía despedazando ordenada y sincrónicamente el plano del invento.

No está demás tratar de conseguírsela por ahí. Es súper difícil, pero les aseguro que vale la pena. Todo amante y fanático del cine de ciencia ficción tiene el deber de disfrutar de esta maravillosa película que, si bien a veces parece para cabros chicos, la verdad es que entre líneas tiene mucho más que eso… un canto del cisne quizás, pero bastante hermoso e inspirador…
Ah! Taxandria es el nombre de un tipo de arbusto endémico de Australia... Si alguien se ilumina y me explica que tiene que ver eso con la pelí, se lo agradeceré...

Taxandria
1994
85 minutos
Dirigió Raoul Servais
Guión de Raoul Servais, Frank Daniel y Alain Robbe-Grillet
Música de Kim Bullard
Fotografía de Gilberto Azevedo y Walter Van der Ende
Actuaron Armin Mueller-Stahl, Richard Kattan, Elliot Spiers, Katjda Studt, Andrew Sachs, el chileno “más feo del mundo” Daniel Emilfork (en un papel cortito) y otros actores desconocidos, la mayoría de ellos vestidos de surrealistas oficiales de policía…