Taumatropos y Victrolas

CINEMA INFERNO : Arrástrame al Infierno

2009-11-28T14:31:00.000-08:00

Volvió Sam Raimi?

TITULO ORIGINAL: Drag me To Hell

AÑO: 2009

DIRIGIDA POR : Sam Raimi

ESCRITA POR: Sam e Ivan Raimi

ELENCO: Alison Lohman, Justin Long, Adriana Barraza y la terrorífica Lorna Raver

Algunos fanáticos del horror saltaron de alegría cuando se supo que Sam Raimi dejaba de lado por un momento el traje azul y rojo de Spider Man y el cine mainstream de Hollywood para tomar una película de "poco presupuesto" (comparada con Spider Man, por supuesto) más acorde a sus inicios cinematográficos, como las gloriosas Evil Dead o Darkman. Pero también saltaron los talibanes que decían que esta película era solo los últimos estertores de manierismo autoral de un director que simplemente se vendió al sistema por unos cuantos..bastantes... millones de dólares. Sinceramente creo que ambos tienen razón, Sam Raimi ya no es el enfant terrible de Evil Dead, mal que mal tiene ya 50 años, edad en la que mi padre se convirtió en abuelo, entonces ya no debe andar con ganas de llenarse las manos de gore barato, pero por otro lado creo que tenía muchas ganas de hacer algo en lo que se sintiera más como en casa. Algo como esta película, una fusión entre el cine comercial actual con interesantes toques de un autor con un sello propio.

En Arrastrame... el viejo y querido Ash (Bruce Campbell, que por primera vez no hace al menos un cameo en una película de Raimi) es reemplazado por una virginal, bella y angelical Christine Brown (Alison Lohman) que le pasan las de quico y caco por haberselas dado de ejecutiva ruda y recibir la maldición de una vieja gitana, dicha maldición indica que será acosada, torturada y violentada sicológicamente por un demonio que la llevará literalmente, arrastrando al infierno, al cabo de 3 días de presiones variadas, que incluyen ataques escatológicos con viejas putrefactas, moscas, ataques demoniacos a lo "El Ente" y penaduras del viejo cuño, con sombras rondando la casa, pasos en el techo y muchas otras cositas que harán asquear, saltar y temblar hasta al espectador más avezado en horror. Además la pobre Christine tiene que lidiar con el hecho de que era una muchachita campechana y que su suegra opina que "nuera" la mujer indicada para su hijo, aparte que su compañero de trabajo le está aserruchando el piso y más encima, nadie le cree que la están penando y por ende, nadie le ayuda.
Sin duda es un gran giro el ver a una guapa mujer sufrir lo indecible, en un entorno más real que en la trilogía Evil Dead, pero la gran gracia radica en que desde el principio de la película nos encontramos con la raíz del terror, el viejo y querido "si te portas mal, el diablo te va a llevar" . Christine se pone ambiciosa, por lograr un ascenso pasa a llevar a una vieja que le tira una maldición, en el fondo esa maldición es un castigo por su arribismo, por tratar de cumplir el sueño americano y aunque en esos tres días ella sufre lo suficiente como para purgar todas sus culpas....ah, que canalla soy, cai les cuento el final. Pero sin revelar detalles que arruinen la grata sorpresa que es ver esta película, aparte de asustarte y tenerte tenso durante mucho rato (en el cine había un par de damiselas que de verdad estaban al borde de la crisis de pánico) y asquearte, matarte de la risa y asombrar tus sentidos como solo Sam Raimi es capaz de hacerlo; la moraleja es clara, si pisoteas a alguien, serás pisoteado de vuelta.
Para los que creían que esto es la vuelta de Sam Raimi, acá podrán ver los segunditos gore que a todos les gustan, lasp erspectivas distorsionadas, los ángulos angustiantes y la cámara que gira ante el desesperado protagonista, el ritmo visual y la acción sin pausa a que nos tiene acostumbrado, así que no creo que mi tío Sam haya vuelto, simplemente, nunca se fue.

Star Trek: The Motion Picture (1979) vs. Star Trek (2009)... El Eterno Retorno...

2009-10-26T18:42:00.000-07:00

Es raro el efecto de Star Trek o Viaje a las Estrellas, como es conocida en estos reductos. Se trató originalmente de una serie que tuvo tres escasas temporadas en TV a fines de los 60 y que sólo gracias a su reposición en horarios muertos, logró concitar una tremenda cantidad de adeptos que, en gran medida, son los responsables del salto de la serie a la pantalla grande, a fines de los 70. Un camino que tuvo no pocos obstáculos, pero que logró llegar a buen puerto para convertirse en una de las sagas más exitosas de la historia de cine.

Pero esto también se debe, por otra parte, al talento de creador de Star Trek, Gene Rodenberry quien, en pocas líneas y pocos personajes principales, logró gestar toda una mitología. Después de un capítulo piloto en donde la mayor parte del elenco fue reemplazado, por fin en 1966 la serie vio la luz con los viajes de la nave Entreprise, cuya misión era llegar donde nadie había ido antes, en un mundo futurista regido por la Federación, formada por diversas culturas y razas alineadas, y los no alineados, entre los que destacab klingons y romulanos. La tripulación de la nave estaba formada por el Capitán James Tiberius Kirk (William Shatner), siempre intrépido, impusivo, rebelde y espontáneo; , el Comandante Spock (Leonard Nimoy) de origen vulcano, raza que se caracteriza por su estricta lógica; el doctor Leonard "Bones" McCoy (DeForest Kelley), la contraparte más racional y hasta amargada de Kirk; la Teniente Nyota Uhura (Nichelle Nichols); el Teniente Hikaru Sulu (George Takei); el Navegante Pavel Chekov (Walter Koenig) y el ingeniero Montgomery Scott (James Doohan). En torno a estos personajes, sus fortalezas y debilidades, códigos de honor y una que otra moraleja, se desarrollaron los 80 capítulos de la serie original, en la que Rodenberry corrió riesgos, basándose en su visión del futuro sin discriminación ni divisiones y en la que por lo tanto, incluso extraterrestres, afroamericanos y... ¡soviéticos!, podían compartir la cabina de una nave en total armonía. Porque para Rodenberry, los vicios y las virtudes, el bien y el aml, estaban en el corazón de sus protagonistas o antagonistas, como demostró se demostró tantas veces en diversos capítulos de la serie, en especial aquellos que tenían que ver con la venganza...

Pero luego de su cancelación, el público quería más. Mucho más. Es por eso que viendo un mercado posible bastante atractivo y luego del éxito de cintas de sci fi como Star Wars, Encuentros Cercanos del Tercer Tipo y 2001, es que la Paramount se puso en campaña para llevar el proyecto a la pantalla grande, aunque en reiteradas ocasiones anteriores, había tratado de hacerlo, sin llegar a puerto. Entre otros, se había dejado fuera guiones como el del capítulo doble In Thy Image (que no deja de tener relación con el guión que finalmente se vio en el cine) y una historia de Harlan Ellison titulada The Planet of Titans y en la que una raza de lagartos inteligentes viaja al pasado para cambiar la historia de la Tierra y convertirse en la raza superior. Ni lo uno ni lo otro.

Lo que al final se llevó a la pantalla grande fue una historia que puso a los personajes principales de la serie de TV con uno años más en el cuerpo. Kirk ya es almirante, aunque la mayoría de sus compañeros se siguen desempeñando en el Enterprise. El asunto es que en medio de este equilibrio, aparece una enorme masa de materia que se dirige a la Tierra, destruyendo todo a su paso. Es aquí cuando Kirk, que ya está en disputas con el Capitán Dekker (Stephen Collins) que se siente pasado a llevar por la presencia del legendario personaje de la Flota, toma las riendas y encamina al Enterprise al encuentro con esta nueva amenaza en lo que representa el reencuentro de todo el equipo original.

La peli fue dirigida por el premiado Robert Wise, un tipo talentoso y que no temía enfrentar desafíos. Se nota el pulso y la mano firme que tiene al momento al momento de generar acción, suspenso y comedia, mezca un tanto difícil de lograr pero que es parte fundamental de Star Trek y las relaciones entre sus dispares protagonistas. Los FX estuvieron en manos de otro monstruo, Douglas Trumbull quien además se hizo acompañar por uno de los cerebros de Star Wars (John Dykstra) para lograr, en el poco tiempo que le dieron, secuencias de efectos especiales más que dignas y hasta sorprendentes. Si a eso sumamos la aparición de la bellísima Persis Khambatta en el rol de Ilya (eso es para placer mío no más), una historia sencilla pero bien construida, con correctas dosis de suspenso y acción, y a un reparto familiarizado con sus roles, amigos todos en una especie de reunión de ex-alumnos, tenemos un producto bien hechito, que dejó contentos a los fanáticos de la serie original y que sumó una nueva generación de adeptos que permitió no sólo la creación de cinco películas más, si no que el surgimiento de una nueva generación de series y spin offs (The Next Generation, Deep Space 9, Voyager, Enterprise...) y cuatro largos más ahora con la tripulación comandad por el Capitán Jean Luc Picard (Patrick Stewart). Y cuando ya todo parecía agotado, cuando hasta los mismos fanáticos ya no sabían cuál sería la nueva vuelta de tuerca, aparece el señorJ.J. Abrams con una propuesta arriesgada: una nueva entrega de Star Trek, pero esta vez a modo de precuela en la que descubriríamos cómo Kirk y Spock se conocen y cuál fue su primera misión.

La gracia de la labor de Abrams y de los guionistas Alex Kurtzmann y Robert Orci es que se mantuvieron bastante fieles a las características de los personajes originales. Así, concemos el conflicto interno de Spock, que es mitad humano y mitad vulcano, como también el comportamiento rebelde de Kirk, atribuido a la falta de una imagen paterna. Homenaje a parte merece la aparición del Capitán Pike (Bruce Greenwood), nombre del capitán del Enterprise en el capítulo piloto que nunca salió al aire y que estaba a cargo, en aquellos años, del actor Jeffrey Hunter. También se menciona el ejercicio del Kobayashi-Maru, uno de los hitos del Kirk adulto de la saga original por cómo fue capaz de superar una prueba de entrenamiento que se suponía, infalible. Aquí, se dan algunas pistas de cómo el apenas cadete, logró similar hazaña... Y bueno, suma y sigue con algunos guiños más a la serie y películas antecesoras, incluyendo el delicado y nostálgico toque de los uniformes. Pero Star Trek no se queda ahí.

Esta nueva entrega comienza con la aparición desde el futuro de una nave romulana comandada por Nero (Eric Bana). En los primeros minutos de la peli, se despacha a la nave USS Kelvin que alcanza a ser comandada por breves minutos, por Geroge Kirk (Chris Hemswoth), el padre de James Tiberius. 25 años después, Jim Kirk (Chris Pine) es un muchacho rebelde aunque muy inteligente que es convencido por el Capitán Pike de entrar a la flota. Aquí conocerá a los que serán los miembros de su tripulación: "Bones" McCoy (Karl Urban), Sulu (John Cho), Uhura (Zoe Saldaña) y Chekov (Anton Yelchin). Y también, por supuesto, se enfrentará a un joven Spock (Zachary Quinto) que será su contraparte y hasta su antagonista durante gran parte de la cinta, en parte, por la tosudez del vulcano al momento de hacer coincidir su lado lado humano, encarnado en su madre Amanda (Winona Ryder) con toda la educación, costumbres y cultura que ha recibido de Sarek (Ben Cross), su padre vulcano.

La dispar tripulación, bajo las órdenes de Pike, deberá acudir a un llamado de urgencia del planeta natal de Spock y es ahí donde se reencontrarán con Nero y descubrirán sus oscuros planes de venganza.

Este interferencia en la línea de tiempo que los fanáticos conocían, abre las puertas para algunos cambios revitalizantes en la saga, pero también posibilitan mantener una historia fiel al carácter de cada personaje. No es fácil tomar una historia que los fanáticos manejan al revés y al derecho, pero en este caso, la prueba es superada por Abrams y su grupete con bastante dignidad en una peli que maneja con efectividad la acción, el humor y la emoción... todo muy gringo, eso sí (algunas dosis de heroísmo demasiado empalagosas), pero con más aciertos que errores. Eso, sin contar con el uso de efectos de sonido de la serie original y bastante mesura en el uso de efectos especiales, lo que a estas alturas se agradece bastante.

En suma, una entretenida película de sci fi que rinde homenaje a sus antecesoras con sencilles, pero que al mismo tiempo, abre las puertas de par en par para una saga que, a simple vista, podría tener mucho que entregar y qué decir y que respetando fielmente lo ya sabido, dilucida y contribuye con la mitología inolvidable de Viaje a las Estrellas...

LAS PELICULAS

Viaje a las Estrellas: La Película

(Star Trek: The Motion Picture)

1979

136 minutos

Dirigió Robert Wise

Produjeron Gene Rodenberry y Jon Zovill

Escribieron Harold Livingston y Gene Rodenberry basado en el capítulo doble de la serie "In Thy Image" de Alan Dean Foster

Fotografía de Richard H. Kline

Editó Todd C. Ramsey

Música de Jerry Goldsmith

Actuaron William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest Kelley, James Doohan, Walter Koenig, Nichelle Nichols, George Takei, Stephen Collins, Persis Khambatta, Majel Barrett, Grace Lee Whithney, Mark Lenard y un montón de extras con trajes apretados...

Viaje a las Estrellas

(Star Trek)

2009

127 minutos

Dirigió J.J. Abrams

Produjeron J.J. Abrams y Damon Lindelof

Escribieron Robert Orci y Alex Kurtzmann

Fotografía de Daniel Mindel

Editaron Mary Jo Markey y Maryann Brandon

Música de Michael Giacchino

Actuaron Chris Pine, Zachary Quinto, Eric Bana, Karl Urban, Zoe Saldaña, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin, Bruce Greenwood, Ben Cross, Wynona Rider, Clfton Collins Jr., Chris Hemsworth, Jennifer Morrison y otra vez, un montón de extras con trajes apretados, pero más modernos...

GENERACION VHS: La Colina de los Ojos Malditos (1977)

2009-10-24T07:34:00.000-07:00

Ni yo ni ninguno de mia amigos teníamos mucha idea de quién diablos era Wes Craven cuando arrendamos esta peli, para verla en casa de alguno del lote, una tarde de domingo. Claro, a mediados de los 80 recién su nombre comenzaba a sonar rimbombante después del estreno de Pesadilla (1984) y el nacimiento de una de las figuras icónicas del cine de terror, Freddy Kruger. Después vendrían una serie de filmes de irregular y discutible calidad, entre los que prefiero destacar como favoritos a La Serpiente y el Arcoiris (1988), la rarísima Shocker (1989), Wes Craven's New Nightmare (1994) y la primera Scream (1996) que en suma, no es más que una inteligente parodia-homenaje a todos los clichés del cine de terror gringo.

Antes de eso, no había hecho mucho más que algunas peliculitas muy clase Z y un par de cosas para televisión. Y es entre esas peliculitas Z que de repente, en VHS, encontramos La Colina de los Ojos Malditos, con el rostro freakiado de Michael Berryman en la portada. Y claro, eso fue suficiente para arriesgarse a verla.

A estas alturas, una peli como esta causaría risa (aunque no totalmente). Pero en aquellos años, uno se la sufría mucho. Impregnada de influencias (en especial de Texas Chainsaw Massacre), con un reparto clásico de pocos y desconocidos actores y con los elementos mínimos, Craven nos cuenta una historia sencilla: el viaje de una típica familia gringa en busca de una mina de oro en medio del desierto, mismo lugar que por décadas ha sido usado para pruebas nucleares. Con eso ya basta para justificar el viaje de los variopintos personajes de esta familia que se queda estancada en medio del desierto, rodeada, acosada y atacada por una familia de salvajes caníbales (que no deja de tener similitudes con los antropófagos de Sawney Beane). Y eso es todo. Lo demás, es la desesperación de los Carter, sus rencillas internas, el miedo a los desconocido, persecuciones, momentos de quieta y ennervante observación, algunos chorros de sangre, todo en dosis bastante irregulares. Lo digo, porque la peli parte bastante bien, va al grano de inmediato. Nos presenta en 10 minutos a los personajes, los lleva de inmediato al desierto y nos planta una secuencia nocturna de temer. de ahí en adelante, sólo momentos, algunas pasadas de suspenso y nada más, hasta el desenlace que, de verdad, resulta de lo mejor de la peli.

De todas maneras, lo destacable es el tremendo talento de Craven como artesano. Se nota el pulso, el empeño, las ganas de hacer una buena película de terror que si bien no resulta totalmente, se sostiene con dignidad y hasta sirve como manual para todos los que después de Craven, se dedicaron al género en Estados Unidos y otras partes del mundo. Demás está decir que hace veinticinco años, la encontré pulenta. Ahora, claro está, ha perdido algo de su gracia, pero eso no le resta sus méritos originales: la prueba de fuego de We Craven, una correcta puesta en escena, el nervio y es suspenso que, resultando o no, recorre toda la peli y por sobre todo, la utilización del desierto como excéntrico escenario para une peli de terror y más encima, de día. Dato no menor que sirve para justificar, en parte, los baches de la peli. De todas formas, la mejor de toda la saga que incluye dos secuelas malísimas, un par de remakes que alguna gracia tienen y hasta una novela gráfica.

Pero lo más inolvidable, es la cara de loco desquiciado de Michael Berryman. Un deleite. Otro de los tantos actores que en tantas pelis aparecieron quizás sólo por su rostro freak (algo parecido a lo que ocurre con Karel Stuycken y otros)... Aquí en La Colina... se lleva todos los aplausos en sus cortas pero estrambóticas apariciones...

LA PELICULA

La Colina de los Ojos Malditos

(The Hills Have Eyes)

1977

89 minutos

Dirigió, escribió y editó Wes Craven

Produjo Pete Locke

Fotografía de Eric Saarinen

Música de Don Peake

Actuaron Russ Grieve, Susan Lanier, Martin Speer, Dee Wallace-Stone, Robert Houston, John Steadman, James Withworth, Virginia Vincent, Lance Gordon, Michael Berryman, Janus Blythe, Cordy Clark, Brenda Marinoff, Pete Locke y... eso sería, ahí están todos...

Felicidad (1998)... Más allá del baile de las máscaras

2009-10-20T09:56:00.000-07:00

Hablar de Todd Solondz es hablar de un director cuya obra (escasa en cantidad pero contudente en calidad) es raramente conocida por estos lares. Ni su premiada Welcome to the Dollhouse (1995) ni Storytelling (2001), quizás su obra más "conocida", ni Palindromes (2004), su más reciente producción, han alcanzado el gran público y con cierta razón, pues no es fácil ver el cine de Solondz, cargado de todas las complejidades, vicios y confictos del ser humano.

Quizás es por eso que se hace difícil ver a Solondz. Claro, no cualquiera está acostumbrado a enfrentarse a personajes que pueden mostrar lo peor de nosotros, donde no hay héroes ni momentos delicados y épicos; donde cada uno esconde secretos tan terribles como la vida misma. Y es ahí donde destaca el magistral talento de este director gringo que saca ronchas con guiones que exploran la soledad, la falta de amor y compromiso, el temor a un mundo que se hace cada vez más inclemente e impiadoso y que, en fin, también atisba con seriedad y crudeza, nuestros peores defectos y vicios.

Todas estas temáticas se aprecian claramente en Felicidad, el tercer filme de Solondz que reúne a un reparto espectacular en torno a un drama coral cuyo trasfondo no es sólo develar qué se oculta tras el irónico título de la peli, que no es más que una careta de las realidades que vamos conociendo minuto a minuto, si no que ahonda en la problemática de las relaciones de pareja, la inestabilidad emocional y la necesidad de ser aceptados tal y como somos. Todo esto, en base a tres tramas principales intercaladas, tratadas con sobriedad y en base a un guión contundente.

A poco andar de la peli, ya conocemos a las hermanas Jordan. Joy (Jane Adams), la mayor, de profesión músico, pero que reparte sus días entre un trabajo serio y estable vendiendo teléfonos y clases para inmigrantes, ocupación que cubre todas sus necesidades espirituales. Es la soñadora del trío y la que aún cree en los príncipes azules. Trish (Cynthia Stevenson), la del medio, abnegada ama de casa, tiene una vida perfecta junto a su marido Bill (Dylan Baker) y su hijo. Una casa hermosa, muebles impecables, no le falta dinero, mantiene todo en orden... en fin, lo que toda mujer de clase media y educación católica sueña desde chiquita. Helen (Lara Flynn Boyle), la menor, es una exitosa y bellísima escritora, adorada y envidiada por todos. Quizás por eso mira al resto del mundo de los hombros para abajo. También parece tener una vida de los más happy... Pero nada es lo que parece...

Joy no tarda en embarcarse en una sórdida aventura amorosa con uno de sus estudiantes llamado Vladimir (Jared Harris), que resulta ser un taxista estafador y manipulador. Trish intenta mantener una realidad que se cae a pedazos cuando el espectador descubre que Bill es un impulsivo pedófilo y Helen que en la intimidad, no es más que una mujer solitaria en busca de amor, que se excita con las llamadas obscenas de Allen (Philip Seymour Hoffman), un vecino tímido que no encuentra mejor manera para demostrar sus sentimientos...

Así, se van sumando sucesivos hechos, algunas otras anécdotas y un par de sabrosas historias paralelas (incluyendo la de un cadáver en un refrigerador), las que redondean uno de los mejores productos fílmicos de los 90, por lo menos, en lo que al ambiente gringo se refiere. Una película llena de elementos que en ves de atropellarse y opacarse, se potencian de la mano de excelentes actuaciones, diálogos sencillos pero contundentes y la firme dirección de Solondz que es capaz, con Felicidad, de ponernos un espejo bastante realista en frente y provocarnos la más variada gama de sensaciones en poco más de dos horas...

Totalmente recomendable, tanto para re-verla, como para deleitarse por vez primera...

LA PELICULA

Felicidad

(Happiness)

1998

134 minutos

Dirigió y escribió Todd Solondz

Produjeron David Lynde y James Schamus

Fotografía de Maryse Alberti

Editó Alan Oxman

Música de Robbie Kondor

Actuaron Lara Flynn Boyle, Jane Adams, Cynthia Stevenson, Dylan Baker, Philip Seymour Hoffman, Jared Harris, Camryn Manheim, Ben Gazzara, Louise Lasser, Jon Lovitz, Molly Shannon y un largo etcétera...

El Chacal de Nahueltoro (1969)... o cómo Miguel Littín cambió el cine chileno para siempre...

2009-10-14T20:17:00.000-07:00

No me atrevía a hablar de esta peli, pero tengo que correr el riesgo. Es un monumento del cine chileno y latinoamericano, una de esas escasa obras maestras que ahora se usan para las clases de los jóvenes estudiantes de cine empapados en MTV y Tarantino y/o por otra parte, Haneke, Dogma o Park Chan-Wook. Con El Chacal, con esta obra primigenia de Littín, de verdad se aprende cine.

¿Por qué? Bueno, está hecha con recursos escasos, pero mucho talento. Primero, el guión aprovecha inteligentemente hechos reales. Segundo, Nelson Villagra se manda una actuación de esas que dan escalofríos. Tercero, por el trabajo de fotografía de Héctor Ríos, en un blanco/negro deprimente, cautivante y acusativo. Un perfecto ejemplo de jóvenes creativos en una situación política, social y económica exacta, que hicieron de las suyas.

No sé si El Chacal es una obra maestra, eso deberán juzgarlo ustedes, al historia, hasta los críticos o comentaristas de cine. Para mí, lo cierto es que se demuestra empíricamente que con pocos recursos, un buen guión y un equipo comprometido, se pueden lograr grandes cosas. Y Miguel Littín, a la cabeza, pudo hacerlo. Una historia sencilla, pero cruenta. Jorge Valenzuela (Nelson Villagra), un tipo alcohólico e iletrado, asesina a su pareja y a sus cinco hijos. Va en cana, pasa por juicio, se dicta la condena. Entre medio, el socio en cuestión aprende a leer, de religión, números y otras minucias que le despiertan la conciencia. Cuando se dicta la sentencia final, el asesino brutal ya es otra persona... ¿Tiene derecho esa nueva persona a un juicio justo?...

El Chacal deja abiertas muchas interrogantes respecto a la pena de muerte, el desarraigo social, la pobreza intelectual más que material, del mundo rural. La redención y la reconciliación, con uno mismo y los demás. A través de un tratamiento escrito y en imágenes que parten el alma, El Chacal se convierte en uno de los puntos altos del cine sudamericano de los 60, una obra cuya trascendencia es indiscutible y que, a pesar de paso de los años, marcará pauta en todos los que de alguna u otra manera, estamos relacionados con el cine...

Me daba miedo hacer este comentario, pues sé que a muchos por ahí, no les gusta Littín. Puede ser por su discurso político o por la debilidad patente de sus últimas obras. Pero El Chacal, así como Las Actas de Marusia, bastan para que Don Miguel sea uno de los cineastas chilenos por excelencia. Y lo digo sin ningún asco ni arrepentimiento...

LA PELICULA

El Chacal de Nahueltoro

1969

90 minutos

Dirigió y escribió Miguel Littín

Produjo el Centro de Cine Experimental de la Universidad de Chile

Fotografía de Héctor Ríos

Editó Pedro Chaskel (Grande!!!)

Música de Sergio Ortega

Actuaron Nelson Villagra, Shenda Román, Luis Alarcón, Héctor Noguera, Marcelo Romo y varios actores hippies chilensis...

Distrito 9 (2009)... Matamos lo que tememos, tememos lo que no conocemos...

2009-10-13T20:04:00.000-07:00

El hecho que Distrito 9 llegara tan bien catalogada por diversos críticos y fanáticos de otras partes del mundo, me provocaba cierto resquemor. La produce Peter Jackson, otro hecho que podía jugar a favor en contra, aunque Jackson no se arriesgaría con cualquier bodrio, pero también se trataba de un director sudaricano muy joven, Neill Blomkamp, con experiencia más en publicidad que en otra cosa. Eso asusta... Sí, quizás fui un poco prejuicioso, pero más que nada precavido, tratando de no esperanzarme mucho para no pegarme un alcachofazo con otra película de sci del lote... Y no es así. Para nada.

La estética con que nos enfrentamos desde el inicio de Distrito 9 invita de inmediato al enganche, un mockumentary que nos describe a través de un reportaje fictico la llegada de una nave extraterrestre que se emplaza sobre Johanesburgo. Nunca quedan muy claras las razones de este hecho, pero sí que puede tratarse de una nave menor que por problemas técnicos tuvo que desprenderse de la nodriza y fue a parar hasta allá. Primer visto bueno: por fin los extraterrestres no llegan a Estados Unidos. Tampoco se trata de ser fácilmente comprensibles. Con aspecto de langostas y costumbres incomprensibles, son empazados en un ghetto en medio de la ciudad, despreciados, discriminados, condenados, abusados, incomprendidos, humillados, brutalizados y rechazados. Es por eso que después de veinte años y ante el notorio aumento de su población, la poderosa Multi Nacional Unida (una especie de Naciones Unidas privatizada) opta por derivarlos a un sector rural que será llamado Distrito 10, en donde no jodan a nadie. Para eso, designan a Wilkus Van Der Merwe (Sharlto Copley) para encabezar el censo y la firma de acuerdo de los extraterrestres que serán transplantados. Así, conocemos a Van Der Merwe, un tipo común y corriente que busca un ascenso, que quiere quedar bien con su suegro, uno de los capos de MNU, que no es ni chicha ni limoná; un simple burócrata que quiere hacer su trabajo, un personaje que al comienzo se debate entre la comedia y la caricatura, pero que con el correr del tiempo, se convierte en el factor dramático de la cinta.

En el ghetto, nos encontramos con la cruda realidad de los extraterrestres que son despreciados por los humanos y abusados por contrabandistas nigerianos. Wilkus llega a hacer su pega, acompañado por ejército. El espectador comienza a ser testigo de la incomprensión, del temor, de la rabia y la impotencia de ambos "bandos" que no son tales, si no que diferentes razas y culturas que no encuentran puntos en común... Contarles más allá de eso, sería un crimen, porque lo que viene a partir de los 20 minutos de la peli en adelante es de temer, aunque podrán encontrar influencias de V: Invasión Extraterrestre, Alien, Terminator y hasta de Robocop por ahí.

A Blomkamp no le tiembla la mano al momento de juzgar al ser humano en base al temor a lo desconocido. La discriminación, el racismo y la xenofobia son temáticas que cruzan inteligentemente la cinta de un extremo a otro, entroncándose con una odisea tan particular como universal, en medio de un ambiente hostil. Sobrios pero calculados efectos especiales otrogan realismo sin desvirtuar la historia, al igual que cada una de las actuaciones, mucha de ellas breves, pero precisas. Todos, factores que contribuyen a generar una soberbia película de ciencia ficción y sin dudas, uno de los mejores estrenos de año en base a un guión limpio, ideas claras y correctas dosis de drama, suspenso y acción en un tour de force que nos lleva a cuestionar nuestras propias creencias y prejuicios.

En suma, una de esas pelis que usted, asiduo lector, NO puede dejar de ver por ningún motivo y que recordará por largas horas después de haber salido de la sala de cine... Después me comentan qué les pareción...

LA PELICULA

Distrito 9

(District 9)

2009

112 minutos

Dirigió Neill Blomkamp

Produjo Peter Jackson

Escribieron Neill Blomkamp y Terri Tattchel

Fotografía de Trent Opaloch

Editó Julian Clarke

Música de Clinton Shorter

Actuaron Sharlto Copley, David James, Louis Minnaar, Vanessa Haywood, Eugene Khumbanyiwa, William Allen Young, Tim Gordon, varios otros actores y Jason Cope (en el rol de todos los aliens)...

El Secreto del Abismo (1989)... Partes del testamento de James Cameron...

2009-10-09T23:10:00.000-07:00

Hay películas que te fascinan en la infancia y/o la adolescencia, pero que después encuentras de lo más estúpidas y chantas. Hay otras, que no pescas mucho cuando eres pendejo y que después, te enamoran. Hay otras que son malas cuando cabro chico y son peores aún cuando viejote. Pero hay algunas (en gusto personal) que te enamoran desde la primera vez que la vez y que mientras pasa el tiempo, te siguen fascinando. Eso es lo que me pasa con El Secreto del Abismo.

A muchos puede haberles desilucionado. Después de Terminator y Aliens, Cameron se arriesgó con una cinta más de suspenso que de terror, con contenidos políticos muchos más establecidos, antibélica pero cargada de magia, muy experimental en cuanto a efectos especiales, ciencia ficción al estilo pacifista (onda Ursula K. LeGuin) y con un tratamientos visual que dejaba boquiabierto, en especial durante las escenas submarinas. A pesar de estos detalles, no es un producto redondo, pero de lo que ha hecho Cameron, desde mi punto de vista, es su magnum opus.

Verla en el cine fue un placer sin ninguna duda. Echar la mirada en retrospectiva, deja como mensaje el interés siempre pionero de Cameron en echar mano de todos los recursos visuales de los que pueda disponer, aunque si hay algo que se agradece en la peli, es el no abuso de los mismos, pero recordemos que aquí, sentó las bases del ahora tan manoseado morphing y todas sus ramificaciones. Hay un tremendo trabajo actoral y un guión que, aunque con fallas, se nota hecho con cariño. Aún así, ni el público ni la crítica la recibieron muy bien, sepa Supertaldo por qué, aunque recuperó su inversión. Quizás, si le hubiese ido mejor, las producciones posteriores de Cameron hubiesen sido diferentes. Y Avatar, que se estrena dentro de poco, hubiese visto antes la luz. Lo menciono porque al parecer, en este nuevo experimento, Cameron retoma algunas de las temáticas que trató en El Secreto del Abismo.

Veamos. Un submarino misilero gringo sufre un grave accidente al toparse con un objeto desconocido. La marina yanqui, sabiendo que los rusos intentan llegar al navío caído, aceleran el rescate usando una plataforma petrolera experimental submarina. Envían a un equipo de Seals encabezado por el teniente Coffey (Michael Biehn) a la plataforma, en donde prácticamente viven Virgil Brigman (Ed Harris), su ex esposa y diseñadora de la planta, Lindsey (Mary Elizabeth Mastrantonio) y los demás trabajadores, entre los que destacan Catfish (Leo Burmester), Hippy (Todd Graff), Jammer (John Bedford Lloyd) y One Night (Kimberly Scott), todos ellos, dispuestos de mala gana a colaborar con la misión. El asunto es que a poco andar, se comienzan a percibir extrañas presencias y sucesos que nos llevan a pensar en la posibilidad de la existencia de una raza extraterrestre radicada en el fondo del mar, mientras Coffey comienza a delirar e imaginar enemigos por todas partes. Todo esteo, en medio del desarrollo in crescendo de un tremendo huracán.

Jugando con el suspenso, algunas dosis de acción, la claustrofobia submarina y medidas dosis de fantasía, Cameron logra construir esta cinta cuya belleza y mensaje son innegables y en la cual traspasa algunas de las precupaciones que todos tenemos. Y aunque nadie haya pescado mucho la peli en su época ni aún ahora, por lo menos dentro de la filmografía de Cameron, es mi favorita y también, uno de los highlights que tengo dentro del género de ciencia ficción.

LA PELICULA

El Secreto del Abismo

(The Abyss)

1989

146 minutos (176 en la versión extendida, que es mucho mejor)

Dirigió y escribió James Cameron

Produjo Gale Ann Hurd (VanLing produjo la versión extendida)

Fotografía de Mikael Salomon

Editaron Conrad Buff y Joel Goodman

Música de Alan Silvestri

Actuaron Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn, Leo Burmester, JC Quinn, Todd Graff, John Bedford Lloyd, Kimberly Scott, Christopher Murphy, Kidd Brewer, Adam Nelson y varios extraterrestres acuosos...

GENERACION VHS: Despedida de Soltero (1984)

2009-10-07T08:59:00.000-07:00

Inauguramos nueva sección, esta vez, dedicada a recordar todos esos grandes clásicos, esas películas inolvidables que en nuestra infancia, adolescencia y parte de nuestra juventud, arrendamos en el videoclub de moda, ese que el domingo concentraba a la crema y nata del barrio en torno al arriendo de cintas VHS, o aquel videoclub de la esquina que recibía los estrenos con meses de retraso, que vendía copias de sus cintas y cuya cartelera fuera era el erotismo de Playboy y Vivid.

Por supuesto, comienzo recordando un clásico de culto de los 80, no sólo por la película en sí, si no que también por marcar el inicio de la ascendente carrera de Mr. Tom Hanks, a pesar de no ser su primera película. Despedida de Soltero debe ser una de las películas más arrendadas de aquella época, me parece que por su humor soez, disparatadas situaciones, una que otra mina rica en pantalla, drogas expuestas sin ningún recato y la esperanza de cerrar el ciclo de la soltería de manera monumental.

La historia es sencilla: Rick Glassko (Tom Hanks, de 28 años en aquella añorada época) se va a casar. Sus amigotes le planifican una senda despedida de soltero en la habitación de un lujoso hotel. Glassko manipula la verdad frente a su novia Debbie (la regia Tawny Kitaen) para que ésta no se pase rollos, pero es peor. La fiestoca se desarrolla de todas maneras, con más tropiezos que bendiciones, mientras Debbie y sus amiguis buscan por todos los medios desenmascarar la farsa de Rick y descubrirlo con las manos en la masa.

Nada complicado. Una sencillez abismante. Quizás ahí radica la gracia de Despedida de Soltero. Nada de vueltas de tueca rebuscadas ni disfrazarse de película inteligente. Y eso es lo que permite al espectador ser testigo de a lo menos, un par de secuencias desternillantes: el burro jalando coca en medio de la fiesta y la divertida aparición de Nick The Dick (alfo así como Nico el Pico) entre Debbie y sus amigas en un club nocturno.

A esas aturas, nadie podía siquiera imaginar que Hanks se convertiría en un actor de carácter, premiado con dos Oscar, productor y director de películas y series de TV, un tipo respetado y que ahora cobra 50 millones de dólares por película, todo un ícono pop. De hecho, si no hubiese sido por que a poco de empezar el rodaje, se cambió parte del elenco, es muy probable que Hanks hubiese tenido que esperar unos años para levantar su carrera. Entre otros, Paul Raiser hacía el rol de Glassko y Kelly McGillis el de Debbie. Además, Hanks no fue la primera opción para el rol, si no que primero se sondeó a otros actores desconocidos, que recién hacian sus primeras armas en la gran pantalla (anoten!): Jim Carrey, Tim Robbins y Howie Mandel.

Sé que muchos de mi generación recuerdan con harto cariño y una sonrisa este film, uno de esos grandes estrenos en VHS, una película sin mayores pretensiones, sencilla en todas sus líneas, pero efectiva. No por nada recuadó diez veces más de su costo original sólo en Gringolandia. Y además, significó el puntapié inicial en la carrera de Mr. Hanks que ahora se puede dar el lujo de trabajar en la película que quiera, cobrar lo que quiera, producir y dirigir lo que quiera... y así...

Por último, hay que destacar también la pulenta banda sonora llena de éxitos y bandas top de la época: The Fleshtones, Oingo Boingo, Jools Holland, REM, Wang Chung, The Police, Darlene Love y Torch Song... Un manjar para los fanáticos de la música de la década.

A todo esto, salió una segunda parte el 2007. Prefiero no verla para no matar la magia de la primera, uno de los buenos recuerdos de mi pubertad...

LA PELICULA
Despedida de Soltero
(Bachelor Party)
1984
105 minutos
Dirigió Neal Israel
Produjeron Bob Israel, Ron Moler y Raju Patel
Escribieron Bob Isreal, Neal Israel y Pat Proft
Editó Tom Walls
Fotografía de Han Trussell
Música de Robert Folk
Actuaron Tom Hanks, Tawny Kitaen, Adrian Zmed (sí, el mismo de TJ Hooker), Robert Presscott, Wendy Jo Sperber, Deborah Harmon, George Grizzard, Michael Dudikoff, Gary Grossman, otros tantos secundarios más y el burro jalero...

El Bosque (2009)... Pánico y Locura en Argentina...

2009-10-05T11:51:00.000-07:00

Dentro de algunas de las sorpresas que presentó el Festival Internacional de Cine del Norte de Chile, realizado el pasado agosto en Antofagasta, destacó la presencia del film que a la larga, sería el ganador del Premio del Público, el film argentino El Bosque, dirigido por dos jóvenes talentos, Pablo Siciliano y Eugenio Lasserre, con quienes tuve la posiblidad de compartir en tan cinéfila ocasión.

Siciliano y Lasserre son dos tipos bien simpáticos, buenos para la talla. Pablo, mucho más extrovertido, Eugenio, piola pero de palabras justas. Los dos, sin embargo, muy contestatarios y críticos de la realidad del negocio del cine en el Tercer Mundo. Es por eso que durante la semana del festival, nos ensalzamos en entretenidas dicusiones en torno al mentado tema. Y esas críticas y visión del cine se devela, en parte, en El Bosque, una película que si bien no resalta por sobre el común de los filmes, tiene varias gracias.

Dannemberg (Oscar Pérez) es un viejo que vive solo en una casa en medio de un bosque. Durante los primeros minutos de la cinta vemos su diario, rutinario y silencioso vivir, que incluye cacería, recolección de flores para pintar en lienzos hechos de cuero, el típico matecito y la visita a las tumbas de dos personas, una de ellas, la que imaginamos es su esposa. Hasta ahí, un film casi naturalista que retrata la soledad y el visulamente atractivo territorio agreste. La llegada de Martín (Martín Markotic) y Ariadna (Paula Brasca) es marcada por el repentino funcionamiento de un reloj y por la certeza que el viejo siente que algo va a ocurrir. Algo que él sabe desde el inicio debe pasar, cual tragedia griega.

Y no es menor el dato de que la película comienza con un trozo de aquel maravilloso cuento de JL Borges, "La Casa de Asterión", pues el film exuda por todos lados las influencias del escritor agrentino. Es por eso que en base a tres personajes, un destino escrito e irrevocable, un paisaje que poco a poco se torna más oscuro y opresivo, el descubrimiento de alarmantes secretos y algunos toques de suspenso, la sencillez de El Bosque convence y hasta por momentos, sobrecoge. Ya dije que no es una gran película, pero la sencillez con que está hecha y la falta de pretensiones, la convierten en una cinta que a pesar de sus ripios (no muy convincentes actuaciones de Markotic y Brasca, secuencias demasiado largas, etc), se deja ver con agrado y cierta tensión contenida que explota en los minutos finales, cuando todos los cabos sueltos se unen en torno a un círculo inevitable de destrucción.

En fin, una buena película que rompe los esquemas de lo que tradicionalemente estamos acostumbrados a ver y más aún, de lo que en general llega de más allá de la cordillera. Vale la pena echarle una mirada y dejarse llevar por este thriller naturalista, enchapado a la antigua, homenaje directo a Borges y sus oscuros cuentos... Trate de verla si tiene suerte, por si en una de esas se estrena en un festival de cine cerca de su hogar o si Cinemax la compra más adelante para tirarla por el cable porque de otra manera, va a ser muy difícil que la vea...

LA PELICULA

El Bosque

2009

105 minutos

Dirigieron y editaron Pablo Siciliano y Eugenio Lasserre

Escribieron Pablo Siciliano y Gastón Markotic

Produjo Gastón Markotic

Fotografía de Pablo Yanielli

Música de Daniel Soruco

Actuaron Oscar Perez, Martín Markotic, Paula Brasca y un conejo.

La Nana (2009)... El mestizaje del cine chileno...

2009-10-02T23:54:00.000-07:00

Luego de dos meses de receso, creo necesario volver a las andadas, para ser felicitado, comentado y muchas veces, vilipendiado por todos los asiduos lectores de estos humildes pero francos comentarios de cine.

Muchas cosas pasan en dos meses y de hecho, jamás había dejado botado por tanto tiempo a mi regalón. Aunque no les interese o ya lo sepan, debo contarles que pasamos por la cirugía de nuestro hijo, por la cirugía de mi pareja y por la cirugía de mi viejo. Entre medio también, una semana de Fiestas Patrias bien bebida y bien comida; otras tantas obligaciones anexas y convexas y nuevos horarios de trabajo. Entre todas esas cosas se me fue pasando el tiempo y ahora recién puedo comenzar a recuperar el tiempo perdido. Y qué mejor que retomar este asunto con el gran estreno nacional del mes de agosto, La Nana, que PRIMERO se vio aquí, en Antofagasta, en el marco del Festival de Cine del Norte de Chile, para luego irse a Santiago... De paso, agradecer Sebastián Silva (su director) que en cada aparición poste Festival, se encargó de dejar en claro que el estreno nacional había sido aquí, en la misma región en donde un grupo de boludos están haciendo mierda los Geisers de El Tatio... Pero eso es otro tema...

La Nana era esperada con ansias por cultos y profanos. Claro, no es para menos ser tan bien catalogado y premiado en Sundance, sin desmerecer la labor de otros festivales dond ela peli estuvo y en los cuales se llevo varios otros galardones. Pero Sundance es Sundance, para qué estamos con cosas. Precedida del cartel ganado en Gringolandia, es que Silva la sometió al juicio del público chileno con gran éxito, por lo menos en cuanto a crítica. No sé cómo le fue en la taquilla, pero espero por el bien de Silva que le alcance para invertir en otra cinta...

Raquel (Catalina Saavedra) es una nana o empleada puertas adentro que ha vivido gran parte de su vida con la misma familia. Todas sus acciones tienen directa relación con el acontecer de una casa que no es suya, pero que ella siente como propia. Pero sus empleadores (Alejandro Goic y Claudia Celedón) insisten en la idea de contratar otra nana que la ayude, considerando algunos problemas de salud que Raquel presenta. Así, van sucediéndose las invasoras, que Raquel combate con sus escasas armas, pero siempre obteniendo lo que quiere: echarlas de su espacio. Hasta la aparición de Lucy (Mariana Loyola), una mujer sencilla, medio pueblerina, que logra rimper las defensas de Raquel y abrirle las puertas a un mundo olvidado tras el peso del trabajo diario.

Debo reconocer que la primera media hora de película me pareció casi una lata. Digo casi, porque gracias al talento de la Cata Saavedra (tristemente encasillada en roles similares) ese pedazo de metraje se sostiene, aunque de todas maneras debemos considerar el tratamiento visual que logra con creces meter al espectador en el claustrofóbico y asumido mundo de Raquel, con mucha vcámara en mano, planos cerrados, imágenes algo grumosas... La aparición de Ana Reeves (genial!) en el rol de una nana fogueada y llena de artimañas levanta la acción cuando esta está a punto de perderse y de ahí en adelante, el film funciona de maravillas, con personajes bien esbozados, situaciones hilarantes o muy dramáticas bien logradas y sobre todo, por el lenta pero irremediable cambio de Raquel que verá florecer su vida nuevamente.

No creo que sea recomendable para todo público. Más de alguna vieja del barrio alto se va a sentir o muy compasiva o muy ofendida. Más de una vieja de la galucha va a soltar sus lagrimones al ver partes de su vida representadas en pantalla. A otros les dará lo mismo pues la acción de La Nana es escasa e irregular. Lo cierto es que en base a elementos muy cercanos al cine de Cassavettes y que rozan Dogma, Silva construye una historia interesante, muy cargada a lo femenino, que aunque por momentos está a punto de caerse, logra salir otra vez a flote con dignidad y sin efecticismos baratos ni lágrimas ni risas fáciles. Y eso, de verdad se aplaude, porque con sus defectos y virtudes, La Nana exuda una sinceridad escasa en el cine nacional...

LA PELICULA

La Nana

2009

96 minutos

Dirigió Sebastián Silva

Produjo Gregorio González

Escribieron Sebastián Silva y Pedro Peirano

Fotografía de Sergio Armstrong

Editó Danielle Fillios (para variar en un film chileno, jejejeje)

Música Ruy García

Actuaron Catalina Saavedra, Claudia Celedón, Mariana Loyola, Alejandro Goic, Ana Reeves y otros tantos actores chilenos...

El Milagro de P. Tinto (1998)... Las exquisitas rarezas españolas atacan de nuevo...

2009-08-03T16:01:00.000-07:00

A fines de los 90, una amiga se me acercó y me preguntó si había visto El Milagro de P. Tinto. Le dije que no tenía idea de qué diablos me estaba hablando. Sólo se limitó a responderme que tenía que verla. Sonrió y me dejó con la duda. Así es que me puse en campaña y me la conseguí. Y vaya qué sorpresa que me llevé.

No soy muy asiduo al cine español que gana Goyas o se pasea por la alfombra de la Academia. Me refiero a Almodóvar y otros de la misma calaña. Pueden tener mucho valor, pero ese tipo de pelis no me llega. Ni me hace cosquillas. En cambio cuando me encuentro con pequeños tesoros como El Milagro de P. Tinto, de verdad gozo a rabiar. Claro, primero porque es una película que se adecua más a mis gustos. Segundo, porque desborda energía, creatividad, vanguardia, diálogos entretenidos y bien construidos. Exuda personajes adorables y memorables. Tercero, sin muchos recursos pero mucho ingenio y talento, plantea una historia muy freak que, sin embargo, se hace tan querible como una fábula infantil. Y cuarto, porque simplmente hace reír con una facilidad envidiable.

Desde pequeño, P. Tinto (Luis Ciges) ha soñado con tener una familia numerosa. En el colegio conoce a una chica ciega llamada Olivia (Silvia Casanova) con la que termina casándose. Pero la inocencia de ambos y uno que otro mal entendido, no les han permitido tener hijos. Hasta ahí, todo más o menos normal. Viven en un casita solitaria en donde la única atracción es el paso del tren cada 25 años, mientras luchan por mantener viva la fábrica de obleas familiar (cuya única función es hacer hostias), cuyo cierre inminente está en ciernes. Es en eso que aparecen dos extraterrestres (Javier Aller y Emilio Gavira), cuya nave (un Fiat 600!) sufre un desperfecto y va a parara a la casa de los Tinto. Olivia adopta a los enanos alienígenas como a sus hijos y estos se dejan querer mientras intentan arreglar su nave, pero P. Tinto tiene una epifanía al ver un comercial en TV y envía una carta solicitando adoptar un niño africano. Es aquí donde la historia de los Tinto se une a la de Pancho José (Pablo Pinedo), un gigante un tanto autista que ha tenido una infancia terrible, marcada por la muerte de su madre aplastada por un container de queso de tetilla. Pancho José encuentra la carta por casualidad (aunque en esta peli NADA es casual) y va a parar a la casa de los Tinto, acmpañado por una maleta y un bidón de gas. P. Tinto lo acoge como a su verdadero hijo, mientras contrata a Usillos (Janfri Topera) para que construya una habitación para el nuevo miembro de la familia. El problema es que Usillos, a parte de ser un maestro chasquilla ultranacionalista, es también un fanático de la ufología y comienza a espiar a Pancho José, convencido que éste es extraterrestre... Y esto es sólo el comienzo...

Los hermanos Fesser, Javier y Guillermo, ya habían sorprendido con sus cortometrajes antes de lanzarse en esta aventura de largo aliento, más que lograda desde mi humilde punto de vista. Además de un trabajo fotográfico impecable, el uso de intersantes tiros de cámara, la presentación de personajes adorables (en especial el genial Usillos) y las elegantes parodias al cine sci fi gringo, la gracia mayor de El Milagro de P. Tinto es construir una historia redonda, muy simple en el fondo, pero llena de superficiales complejidades que desde el primer momento, atraen la atención del público. Se trata de un producto completo en forma y contenido, aunque quizás sólo del gusto de cierto público más dispuesto a recibir una historia desfachatada en muchos momentos, con bastantes toques de humor y surrealismo, que usa delicadamente los efectos especiales y que no desea para nada congraciarse con el espectador que gusta de la simpleza estúpida del mainstream gringo... Sin ofender... Recuerden que también gusto de ese cine en algunos momentos, jejejejeje...

En fin, El Milagro de P. Tinto es una obra sumamente interesante, poderosa visualmente, llena de detalles asombrosos, muy divertida y recomendable para todos aquellos que buscan ver algo diferente de vez en cuando. Una propuesta arriesgada, pero muy atractiva que de seguro, muchos de ustedes van a disfrutar... Ojo, que de repente la pueden encontrar en el I-Sat (como siempre, a eso de las 3 de la mañana) y anda dando vueltas por algunos vidoeclubes... Por último, Javier Fesser este año estrenó su más reciente obra, después de la maravillosa Cándida. Se trata de Camino. Les dejo el trailer de P.Tinto y el de Camino para picarles el bichito por este interesantísimo director y guionista español que, de verdad, se las trae...

LA PELICULA

El Milagro de P. Tinto

1998

109 minutos

Dirigió Javier Fesser

Escribieron Javier y Guillermo Fesser

Produjeron Sogetel y Películas Pendelton

Fotografía de Javier Aguirresarobe

Editó Guillermo Represa

Música de Suso Saíz

Actuaron Luis Ciges, Silvia Casanova, Pablo Pinedo, Javier Aller, Emilio Gaviera, Janfri Topera, Germán Montaner, Carlos Soto y varios extras que igual hicieron bien la pega...

Cabezas Huecas (1994)... La revindicación de los rockeros...

2009-07-30T12:47:00.000-07:00

En una batalla entre Lemmy y Dios, ¿quién ganaría?

Hay ciertas películas que se encargan de rescatar y revindicar a ciertos grupos minoritarios, ridiculizados y/o despreciados por el mainstream. En el caso de rock, si no es un documental que relaciona a las estrellas del negocio con drogas, sexo y alcohol, se trata de una que otra biografía decente o rockeros retratados como imbéciles violentos, drogos, motoqueros sin talento, personajes perdidos en un sueño imposible y bien remojado en cerveza y whisky. Bueno, algo de eso hay de todas formas en Cabezas Huecas, aunque en un decente tono de comedia gringa.

Chazz (Brendan Fraser), Rex (Steve Buscemi) y Pip (Adam Sandler) son los miembros de una banda llamada ridículamente Los Llaneros Solitarios. Buscan promocionar su primer single llamado "Degenerated" y para eso tratan de contactar a Jimmy Wing (Judd Nelson), el poderoso dueño de Palatine Records, sin éxito. Así las cosas, no se les ocurre mejor idea que tomar armas de juguete cargadas con salsa de pimienta e irrumpir en KPPX-FM Rebel Radio, la única emisora rock de la ciudad, con la intención de amenazar a sus trabajadores, tocar el demo y salir. Un trabajo rápido y sencillo que los ayudará a llegar al estrellato. Pero las cosas se complican cuando la cinta se arruina y aquella inocente irrupción es confundida con un secuestro con rehenes, lo que desencadena el resto de la cinta con todas las cómicas (y no tan cómicas) situaciones que se suceden.

Hay que decir que Cabezas Huecas no es una gran cinta, ni siquiera una gran comedia, pero cumple con el objetivo de sacar un par de sinceras carcajadas sin abusar del humor grosero y grotesco, si no más de situaciones y personajes estereotipados, entre los que destacan varios comediantes que pasaron por el legendario Saturday Night Live, varios cameos a famosos (incluyendo a Lemmy y White Zombie, y Mike Judge haciendo las voces de Beavis y Butt Head en un divertido llamado tele´fonico) y una decente banda sonora con harta guitarra eléctrica.

Y claro, como uno es medio rockero, claro que se alinea por la película y sus personajes porque hasta cierto punto, es lo que a uno le hubiera gustado hacer en algún momento de la vida y ahí esta el jugueteo constante de la película con el deseo irrefrenable de fama y reconocimiento que sacude las ansias de Los Llaneros Solitarios, inmersos rápidamente en un sistema que apuesta por el consumo rápido, la música masticable, la venta de imagen por sobre calidad... un sistema que los chicos de la banda combaten con sus escasas armas, pocas pero férreas convicciones y un espíritu de adolescente eterno que se hace entrañable.

A eso, hay que sumar los chistes relativos a la música y sus íconos y la añoranza por el espíritu rockero original que recorre todo el metraje, sin contar con la participación de Joe Mantegna como Ian The Shark, el DJ de Radio Rebel cuya alicaida pasión es levantada por Los Llaneros Solitarios, mientras los malentendidos y el caos se desarrollan en torno a ellos, llevando a un desenlace predecible, pero no por eso menos crítico del negocio musical. Y por ahí va el valor de esta peli que, sin mayores pretensiones, se hace querer y deja más de un mensajito dando vueltas por ahí al ritmo aguardentoso de "Born to Raise Hell" en la voz inmejorablemente carreteada de Lemmy... Con eso, un rockero ya se siente pagado...

LA PELICULA

Cabezas Huecas

(Airheads)

1994

92 minutos

Dirigió Michael Lehmann

Escribió Rich Wilkes

Produjeron Mark Burg y Robert Simmonds

Fotografía de John Schwartzmann

Editó Stephen Semel

Música de Carter Burwell

Actuaron Brendan Fraser, Steve Buscemi, Adam Sandler, Joe Mantegna, Amy Locane, Michael McKean, Nina Siemaszko, Ernie Hudson, Chris Farley, Judd Nelson, David Arquette, Michael Richards y un montón de extras rockeros...

Cinema Inferno: REC

2009-07-26T20:48:00.000-07:00

Horror, Terror, Gore..pero a lo Dogma

Título original : REC
Año: 2007
Dirigida por: Paco Plaza y Jaume Balagueró
Escrita por: Paco Plaza, Jaume Balagueró y Luis Berdejo
Elenco: Manuela Velasco, 3 chinos, un viejo argentino, una vieja histerica, 2 bomberos, 2 pacos, un doctor, un enfermero, dos abuelos, una colombina, una sorpresa al finaly un camarógrafo con cámara

Hace rato que tenía ganas de hablar de esta película, pero mi socio omnipresnete había dejado como chaleco de mono a su remake gringo, que de hecho es un bodrio...así que decidí esperar un poco como para desmarcarme de ese comentario pero, se me anduvo pasando el tiempo, me cayó trabajo, mudanzas y otras cosas y llevo casi dos meses sin escribir!

Podría partir diciendo que es una muy buena película de terror, que viene de España, qu efue un éxito internacional y que, lamenteblemente para los amantes del género y afortunadamente para los dueños de los derechos de la película, fue rehecha en Gringolandia de mala forma. Pero, me quiero detener en el hecho que sea española.

Cinematográficamente Chile y España tienen ciertas similitudes respecto al cine, más allá del lenguaje. en la madre patria hubo una dictadura extensa que afectó a las artes y la cultura popular, por supuesto, cuando esta acabó comenzó el "Destape" o la "Movida" española, de los cuales el niño símbolo es Pedro Almodovar y varios más salidos de esos años reprimidos yq eu necesitaban gritar a los cuatro vientos que tenían historias que contar, algo muy similar a lo que surgió acá en Chile. Con el tiempo el cine español logró levantar su calidad artística obteniendo premios internacionales y lo más importante, obteniendo el beneplácito del publico, similar a lo que ocurrió en Chile. Lamentablemente el romance del público español con su cine comenzó a acabarse y las producciones locales comenzaron a arrojar números rojos, el número de producciones comenzó a decaer y se empezaron a hacer películas de fácil consumo y dudosa calidad...tal como está ocurriendo en Chile hoy.

Pero, Julio Fernandez, un mexicano buen ojo paa los negocios que tenía una compañia cinematográfica de poca monta en USA decidió abrir una franquicia en España y decidió aportar por el cine de género y para eso llamó a un tipo que no solo sabe de cine de horror, sino que trabajó en Hollywood, además de hablar perfecto castellano, el ciudadano del mundo Brian Yuzna. Este hombre, de padre militar, ha viajado por todo el mundo en su infancia de base en base norteamericana y fue estudiando cine, luego de hacer algunas películas de terror de viejo cuño y tener affaires con el cine industrial (escribió películas para Disney) se ha dedicado a levantar industrias cinematográficas como en Filipinas, Indonesia y por supuesto, España con una sola fórmula. Películas de miedo y franquicias tributarias.
En la Madre Patria se encontró con que existía la tecnología, los conocimientos técnicos, personal capacitado y mucho talento así que decidió traer actores y hasta directores norteamericanos. Con eso empezaron a producir y filmar en ingles, en España con el apoyo del gobierno, punto que el mismo Brian Yuzna destaca en una carta que le envió a mi amigo personal Patricio Valladares, director de Currículum.
"No se puede iniciar una industria cinematográfica sin el apoyo del gobierno locla, pero tampoco se puede hacer películas sin proyección comercial internacional" ...O algo más o menos así.
De esa época nacen películas como El Maquinista de Brad Anderson, Darkness de Jaume Balagueró, Romasanta de Paco Plaza, Los sin nombre de Jaume Balagueróy un laaargo etc. Resultado, el cine español logró inflar sus alicaídas arcas, Filmax se pudrió en dinero y en España empezaron a lanzar dinero a producciones como Promedio Rojo de Nicolás López y..uf..Santos.
La guinda de la torta de Filmax es REC, para ello reunió a dos de sus directores más exitosos, Plaza y Balagueró, toma la versión de los zombies de Danny Boyle en 28 días después y en una ingeniosa puesta en escena creó una película escalofriante.

Ángela Vidal, es una periodista aburrida en una estación de bomberos con su camarógrafo en espera de una noticia cuando reciben el llamado de una emergencia menor, una persona atrapada en su departamento, llegan al edificio y la mujer en un estado alterado, ataca a un policía y lo deja herido, pradójicamente, al intentar salir las autoridades han aislado el edificio y nadie puede abandonar el edificio, de ahí comienza la tensión a subir minuto a minuto, hasta un climax de verdad escalofriante. Lo mejor es la puesta en escena, para ello se utiliza el truco de la cámara de prensa y un camarógrafo que nunca sale en pantalla, simulando realidad (afírmate Matías Bize) y otras argucias interesantes, como el hecho de que Ángela es interpretada por una más o menos conocida notera española y su instrucción era reaccionar como si estuviera de verdad haciendo una nota y en muchas situaciones a algunos actores se le daban indicaciones de lo que iba a suceder y a otros no, así que muchas reacciones son improvisadas o naturales.
La promoción de la película también es notables, más que mostrar lo mejor de la peli, se dedicaron a mostrar las reacciones del público presente..resultado. Un éxito de premios en festivales epecializados y un éxito de público.
Háganse el ánimo de ver una película tensa, claustrofóbica y atemorizante pero por sobre todo, una muy buena película de terror, con hartos sustos y sobresaltos, si no me creen vean esto,

Dr. Strangelove (1964)... A estas alturas, la bomba atómica vale hongo

2009-07-25T01:54:00.000-07:00

Kubrick fue y es un maestro. Sí, algunos lo negarán, pero por lo menos a mí no me cabe duda que el viejo Stan tomó lo mejor de los grandes anteriores a él, le puso su cuota notoriamente personal, y de esa mezcla, logró por lo menos, un par de obras maestras.

Desde mi punto de vista, la peli que ahora comento no es una de las que los críticos catalogarán como la cúspide de Stan, pero tiene su gracia. El título original de esta peli es Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb. Largo y divertido, en una época oscura y conflictiva que en lo personal, comparo con el periodo de la Inquisicón. Y hasta fue peor. Si ustedes mal no recuerdan, en los años 50, el paranoico senador McCarthy encabezó un comité para descubrir a los "comunistas infitrados", en especial en el mundo del cine. El señor Kubrick, como venía de Inglaterra, rescató a varios de ellos para hacer sus películas. Y le fue rebien.

Hasta donde yo sé, esta es la única película en tono de comedia que ha hecho Stan. Y lo hizo bastante bien, con el apoyo de un guión sólido y las geniales interpretaciones de Peter Sellers. Sí, porque este compadre se manda tres papeles principales y en cada uno, luce irreconocible. Pero para eso, mejor contar un poquito de la historia.

Plena Guerra Fría. Cuertel gringo con general a la cabeza demasiado mesiánico, onda Bush (padre o hijo, da igual). Sterling Hayden es este personaje cuyo nombre ya es para la risa: Jack. D. Ripper. El tipo es un paranoico redomado que ante la más mínima alerta de ataque, desencadena una ofesiva en masa contra la Unión Soviética. Mientras los bombarderos vuelan, el pobre oficial Mandrake (Sellers) trata de volver a sus casillas al general, pero es casi imposible. En tanto, el Presidente de Estados Unidos, Merkin Muffley (otra vez Sellers) se reúne con el Alto Mando en una base subterránea en busca de una solución al conflicto que parece llegar de la mano del Doctor Strangelove (otra vez, Sellers), un científico de pasado nazi que hace de guardián consejero.

En tanto, los aviones atacantes son detenidos a excepción de uno cuyo sistema de radio fue jodido por un misil. Por lo tanto, sigue su fatídico rumbo cargando una bomba atómica en contra del enemigo imaginario...

Las tres historias paralelas se desarrollan con total aromonía. Sellers aquí, demuestra ser el tremendo actor tantas veces despreciado por los críticos, representando tres importantes y a la vez, diferentes roles, en especial el de Stragelove con su pasado nazi, brindando algunos de los momentos más hilarantes de esta peli. Pero también tenemos a Slim Pickens como el comandante del avión gringo perdido, el mismo gordito que muchos han visto montando la bomba "H" como un tejano arriba de un caballo encabritado... Otra de las escenas memorables que Kubrick nos dejó de esta peli.

Y hay más. El salón subterráneo en donde se reúne el presidente son sus colaboradores ha sido repetido e imitado hasta el hartazgo. El belicoso General Turgidson ha sido repetido y parodiado hasta el hartazgo debido a sus ansias destructivas y mínimamente éticas (APLAUSOS para George C. Scott por este rol), mientras el Doctor Strangelove lucha, en su silla de rudas, por no levantar su brazo en señal de saludo a Hitler...

En esta peli, Kubrick hizo maravillas para la época. Se despachó una peli antibélica cuando el mundo estaba al borde de una guerra. Se rió de todos los bandos en cuestión sin asco, pero sin faltar el respeto. Logró que un actorazo como Peter Sellers diera un paso más allá (o quizás varios). Se mandó un pedazo de película antibélica que hasta hoy, tiene un valor único...

LA PELICULA

Doctor Strangelove

(Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb)

Por ahí también se llama "¿Teléfono Rojo?... Volamos a Moscú"

1964

94 minutos

Dirigió y produjo Stanley Kubrick

Escribieron Stanley Kubrick y Terry Southern sobre la novela de Peter George

Fotografía de Gilbert Taylor

Editó Anthony Harvey

Música de Laurie Johnson

Actuaron, Peter Sellers, Peter Sellers, Peter Sellers, Sterling Hayden, Slim Pickens... y todos los demás...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Andrei Rublev (1966)

2009-07-23T12:07:00.001-07:00

Me costó decidirme no sólo por cuál película de Andrei Tarkovsky incluir primero en este blog, si no que también por empezar a hablar del mismo Tarkovsky, un tipo que a pesar de la censura soviética en tiempos de la Guerra Fría y de la falta de recursos para producir sus películas, se las arregló para crear algunas de las cintas más memorables de la historia del cine.

Su carrera la empezó con La Infancia de Iván (1962) que dejó la tendalá en Cannes y que lo puso bajo la férrea y tiránica mirada de las autoridades soviéticas que, en cierta forma, le hicieron la vida imposible desde ese entonces, cortándole fondos, obigando nuevos cortes más ad-hoc a lo que el Kremlin quería mostrar al resto del mundo. De hecho, Andrei Rublev, la cinta que nos convoca en esta ocasión, fue exhibida en Cannes el año 67, pero a la hora del níspero para que el jurado no pudiera verla y así, pasar inadvertida, aunque a pesar de estas medidas, la peli se ganó el Premio de Crítica ese año. Sólo el 71 tuvo distribución internacional después que el gobierno le metió mano y obligó una nueva edición, ganando otros tantos premios en varios festivales europeos.

Tarkovsky es un poeta de las imágenes, un simbolista etéreo que instauró escuela. Si se hace un listado de los mejores cineastas de todos los tiempos, de seguro Tarkovsky estaría siempre entre los primeros diez. Amigo de los planos secuencia de larga duración, de oscuros juegos fotográficos, de guiones enrollados y extremadamente cuidadoso al momento de hacer cada cuadro, sus obras resultan un deleite para el paladar cinéfilo de inicio a fin, tanto por el tratamiento visual como por la poética inherente a cada uno de sus diálogos, elementos que mantuvo con firmeza a lo largo de toda su obra en la que destacan JOYAS (sí, con mayúsculas) como Solaris (1972), Stalker (1979) y El Sacrificio (1986), estrenada el mismo año de su deceso.

En Andrei Rublev relata de forma bastante particular y personal, los momentos culminantes de la vida de este poco conocido monje-artista del siglo XIV. Desde su infancia hasta su muerte, Tarkovsky nos sumerge con mucho cuidado en la vida de este genio de los vitrales que recorrió gran parte de Rusia no sólo desarrollando su arte, si no que también compartiendo e incrementando sus conocimientos religiosos. Pero no es una biografía a secas. Tarkovsky rescata sólo los momentos más relevantes: la turbia relación con su maestro, su relación con la gente, su contribución a la decoración de la catedral de la Asunción y otros momentos más íntimos y místicos. Filmada en cuidadoso blanco y negro, el espectador se llevará una agradable sorpresa al momento de develar en color el trabajo vitralístico de Rublev...

A través de estos pasajes, conocemos a Rublev, su pasión, su trabajo, sus dudas. También conocemos el mundo oscurantista que lo rodea y el paisaje rural de todo un país. Las pinceladas de Tarkovsky son fuertes y a la vez tenues, y cada escena rodea a Rublev con misericordia u opresión de acuerdo a cada etapa de su vida, convirtiendo el metraje de la peli en una alucinante muestra de buen cine y envidiable tratamiento de la imagen, el tiempo y el espacio fílmico.

Un manjar. Lástima que no sea tan fácil de conseguir, pero vale la pena hacer el esfuerzo. Les dejo un pedacito de la peli aquí para que se tienten...

LA PELICULA

Andrei Rublev

(Андрей Рублёв)

1966

186 minutos (el corte original era de 205 minutos)

Dirigió Andrei Tarkovsky

Produjo Tamara Ogorodnikova

Escribieron Andrei Tarkovsky y Andrei Konchalovsky

Fotografía de Vadim Yusov

Música de Svyatcheslav Ovchinnikov

Actuaron Anatoli Solonitsyn, Ivan Lapikov, Nikolai Grinko, Irma Rausch, Nikolai Burlyayev y un montón de extras rusos...

TARDES EN EL REX: El Regreso de los Muertos Vivientes (1985)

2009-07-20T15:34:00.000-07:00

"Al parecer, duele mucho estar muerto..."

Cuando quisimos ir a ver esta peli a los cines de Chilefilms (léase Gran Vía y Colón), no nos dejaron entrar. Claro, se suponía que El Regreso de los Muertos Vivientes era muy gore y fuerte para un montón de pendejos que, por cierto, estábamos sedientos de películas pertenecientes a tan denostado género. Así que como en tantas otras ocasiones, tuvimos que esperar como seis meses para que llegara al Cine Rex.

Ya habíamos deglutido películas similares, partiendo por las obras primeras de Jackson y Raimi y otras tantas que andaban dando vueltas por ahí o que algún conocido traía de Santiago: mucho terror italiano y otras joyitas como El Vengador Tóxico (Kaufman y Herz, 1984) y por supuesto, un par de cosas de Hopper y Craven. Pero El Regreso... tiene sus gracias. Y muchas.

En primer lugar, la dirección y el guión están a cargo del, a estas alturas, "cult" Dan O'Bannon, el cerebro (como director y/o guionista y/o productor) detrás de Alien, Dark Star, Total Recall, The Resurrected, Lifeforce y parte de Heavy Metal. Un genio tan creativo como aberrante que de seguro será recordado por los fanáticos del cine más asiduos al género B, al Z y a las rarezas del Séptimo Arte. En esta ocasión, convierte La Noche de los Muertos Vivientes de George Romero en un hecho verídico a través del relato de un viejo encargado de farmacia de Louisville. Frank (James Karen) le asegura a su saltamontes Freddy (Thom Matthews) que la toxina Trioxin existe, que fue ocupada con nefastos resultados por el ejército y que en base a esos hechos es que Romero hizo el film. Para demostrar que dice la verdad, lo lleva a la bodega de la farmacia donde hay algunos contenedores en cuyo interior, vemos un par de muertos congelados. El problema es que para comprobar la resistencia de los tarros, Frank los golpea y libera la toxina que lo contamina a él y a Freddy y que se mezcla con la atmósfera hasta llegar a las nubes y volver a la tierra en forma de lluvia, reviviendo a todos los muertos del cementerio.

El sheriff del pueblo, la novia de Freddy, un lote de punketas y el encargado de la morgue serán los protagonistas de esta nueva paranoia en la que los muertos vivientes buscarán alimentarse de cerebro de los vivos, en medio de soberbias dosis de humor negro, la constante oscuridad de la ciudad asolada por hordas de zombies muy bien logrados y una notable agilidad en la edición y el guión. Nada que criticarle a los notables efectos especiales que logran convencer hasta al espectador más inmutable y que se despacha una secuencia de antología cuando los acosados vivos logran entrevistar a un muerto vivo luego de capturarlo. Memorable.

Una tremenda película B, imperdible por donde se la mire. Además, posee una genial banda sonora a cargo de algunos monstruos del punk como The Cramps, Damned y SSQ. Otra razón más para conseguirte esta joyita ochentera, un verdadero festín de sangre, tallas pesadas, pequeños homenajes a las grandes antecesoras del género y muchos, muchos muertos...

LA PELICULA

El Regreso de los Muertos Vivientes

(The Return of the Living Dead)

1985

91 minutos

Dirigió y escribió Dan O'Bannon (basado en una historia original de Rudy Ricci, John A. Russo y Russell Steiner)

Produjeron Tom Fox y Graham Henderson

Fotografía de Jules Brenner

Editó Robert Gordon

Música de Matt Clifford y Francis Haines

Actuaron Clu Gulagher, James Karen, Don Calfa, Thom Matthews, Miguel A. Nuñez Jr., Beverly Randolph, Jewel Shepard, John Philbin, Brian Peck, Linnea Quigley, John Venturini y un montín de zombies muy asquerosos...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: El Rey de Nueva York (1990)

2009-07-04T09:34:00.000-07:00

Para muchos, puede que Woody Allen sea el cineasta neoyorkino por excelencia. Quizás lo es, pero del lado de Manhattan, porque Ferrara es el cineasta neoyorkino por excelencia, pero del lado del Bronx.

Ferrara se ha convertido en un director de culto con el paso de los años y a pesar de sus altibajos, la verdad es que sus obras mayores son tan contundentes que uno se olvida fácilmente de sus fiascos, que generalmente han sido aquellos en los que ha contado con más presupuesto. Cuando hace de las suyas junto a su equipo regular (donde destaca el guionista Nicholas St. John) y con pocos dólares en el bolsillo, es cuando Ferrara la rompe.

Para eso, tenemos como ejemplo la turbia The Driller Killer (1979), su debut como largometrajista. Más adaelante, asombraría al contado público que disfruta de sus obras con monumentos como Ms. 45 (1981), China Girl (1987), Bad Lieutenant (1992), The Funeral (1996), New Rose Hotel (1998) y Go Go Tales (2007), además de otras joyitas por ahí y un par de programas de televisión, incluso en colaboración con Michael Mann, siempre acopañado por algunos de sus actores fetiche (Christopher Walken, Willam Dafoe, Forest Withaker y Matthew Modine, entre otros) y tocando los temas con los que se siente más cómodo. la mafia, el juego, la venganza, el poder del dinero, la traición, la lealtad, la redención y la muerte.

El Rey de Nueva York es el mejor y más logrado ejemplo de lo que pasa por la mente de Ferrara. Hasta hoy, aún de culto y alabada por la crítica y el público que se enamoró del cine del viejo Abel. Aquí, nos encontramos con Frankie White (Christopher Walken en una performance memorable), un mafioso que viene saliendo de la cana para rehacer su vida, incluso con intenciones de dejar atrás su pasado delictual y dedicarse a la política. Entre reencuentros con sus compinches, abogados y media docena de amantes, el bueno de Frankie esboza un plan para acabar con la competencia, hacerse unos buenos morlacos y convertirse en un hombre de bien, aunque eso requiera cometer una serie de violentos y brutales crímenes, al mismo tiempo que dos policías a los que les gusta jugar fuera de la ley (David Caruso y Wesley Snipes), le siguen muy de cerca cada paso.

No voy a ahondar más en la trama que, por supuesto, es más oscuro y turbia que la mente retorcida de Spiniak. Se trata de un film atrapante, muy cercano a los parámetros de los mejores films noir de la época dorada, con personajes brillantemente interpretados, entre otros, por Laurence Fishburne y Steve Buscemi. Una puesta en escena decadente que nos devela una ciudad tan grande como grotesca, siempre mal iluminada y en donde la traición está instalada en cada esquina. Walken se muestra perfecto como un mafioso que busca la redención de una manera bastante particular, pero redención al fin y al cabo, un camino del que conocemos el final desde los primeros minutos de la cinta, pero que esperamos ocurra algo que cambie el destino nefasto de un protagonista cruel, salvaje y calculador, pero aún así entrañable. Un film mayor que no hace concesiones con la pureza del alma ni con las buenas intenciones y que despliega una serie de personajes ambiguos, llenos de rabia y codicia, en medio de una atmósfera decadente y gélidamente infernal.

De verdad, una tremeda película que todo fanático del cine debe ver en algún momento de su vida. La obra cumbre de Abel Ferrara que lamentablemente, no es conocida por muchos. Por eso los invito a conseguírsela de alguna manera y disfrutar y sufrir de una de las mejores películas de mafia que puedan encontrar y por supuesto, de una de las mejores actuaciones del gran Christopher Walken que, en la secuencia final de El Rey de Nueva York, se luce al punto de sacar lágrimas... Un manjar...

LA PELICULA

El Rey de Nueva York

(King of New York)

1990

106 minutos

Dirigió Abel Ferrara

Produjeron Augusto Caminito y Mary Kane

Escribió Nicholas St. John

Fotografía de Bojan Bazelli

Editó Anthony Redman

Música de Joe Della

Actuaron (y cómo actuaron!) Christopher Walken, Victor Argo, Janet Julian, Laurence Fishburne, Steve Buscemi, David Caruso, Wesley Snipes, Paul Calderon, Harold Perrineau, Giancarlo Esposito, Theresa Randle, entre otros...

Transformers: La Venganza de los Caídos (2009)... El nuevo reino de los efectos especiales...

2009-07-03T07:21:00.000-07:00

De partida, no le tenía mucha fe a esta peli. Si bien la primera entrega del año 2007 me resultó tragable y hasta agradable, lo cierto es que comentarios previos al estreno y los mismos trailers exhibidos de manera repetitiva y casi hipnótica me predispusieron a enfrentarme a una película que estaría llena de los más modernos efectos especiales y sin mucho contenido.

Me equivoqué. Transformers 2 no éstá llena de efectos especiales, está saturada de ellos. Y no tiene poco contenido, la verdad es que no tiene ninguno. Es sorprendente saber que Michael Bay, su director, tomó la historia escrita por tres bellacos que, la verdad, no alcanzan para uno. Se trata de un guión tan incocente y sencillo que linda con la estupidez, entre explicaciones sumamente absurdas y chistes un tanto subidos de tono, con un desenlace a lo menos obvio y personajes que no alcanzan si no a ser carticaturas entre robots generados por computadora y secuencias de acción extensas y aburridas.

Una de las gracias de Transformers 1 era la endeble aunque justificada búsqueda del joven Sam Witwicky (Shia LeBeouf) de su personalidad, de afirmarse en el paso de la adolescencia a la juventud y encontrarse repentinamente en medio de una guerra intergaláctica, como único medio y llave para resolver el entuerto. En esta ocasión, aquel heroísmo forzado se vuelve a repetir (era qué no), otra vez en compañía de su polola Mikaela (la regia pero inexpresiva Megan Fox) cuando encuentra entre su ropa un trozo del Cubo que da vida a cualquier objeto electrónico, convirtiéndolo en un Transformer. Ahora, se trata simplemente del regreso de Fallen (voz de Tony Todd), quien en un comienzo busca esta pieza, pero que después devía su atención hacia el hallazgo de una poderosa arma de destrucción total, cuyo mapa se halla en la mente de Sam luego de haber tocado la astilla del Cubo. Así, Autobots y Decepticons se ensalzan nuevamente en una lucha sin cuartel por encontrar esta arma, recorriendo no sólo Gringolandia si no que también Francia y Egipto, en donde se produce la latera batalla final.

Se repiten algunos personajes de la primera entrega, como Lennox (Josh Duhamel) y los padres de Sam (Kevin Dunn y Julie White), quienes protagonizan algunas de las secuencias realmente divertidas de la película. Pero al final todos parecen desechables, incluso la estupenda Megan Fox que parece estar de adorno y siempre posando como para calendario, bajo la atenta mirada de Bay que cuida hasta el más mínimo detalle de foto al momento de ponerla en pantalla, tratando de convertirla en un producto sexy, pero despreocupándose completamente de su actuación porque, digámoslo, la chica tiene menos carácter que Optimus Prime (voz de Peter Cullen) y el odioso Megatron (voz de Hugo Weaving), los eternos enemigos que llegan a ser insufribles de tan bueno-bueno que es uno y malo-malo que es el otro... Ok, se trata de una película destinada a público infantil y adolescente, pero que no por eso es menos pensante y precisamente ahí radica el error de Transformers 2, en creer que el público es estúpido...

A lo mejor lo es. En un par de semanas la cinta ha recaudado más de 400 millones de dólares. Me imagino que se debe al ansia irrefrenable de las nuevas generaciones de ver la pantalla grande llena de efectos especiales que, en lo personales, me provocaron mareos y náuseas. Quizás estoy enchapado a la antigua, pero la verdad es que me resulta preocupante que tipos como Michael Bay, que si bien ha realizado películas de acción relativamente dignas, intente tapar un guión horroroso con toda la maquinaria tecnólogica que está a su alcance y que puede pagar sacándole plata al "Midas" Jerry Bruckheimer de los bolsillos. Y cómo lo que parece interesarles es superar constantemente la barrera de lo increíble en materia de generar imágenes por computador, la verdad les interesa un carajo armar una historia coherente y digna si el espectador bobalicón promedio asistirá en masa a las salas de cinea ser testigo de un desperdicio mundial de dinero y codiciosas intenciones.

Bien, si les gustan los efectos especiales hasta que las pupilas se les pongan cuadradas, Transformers 2 es su tipo de película. Si no, evítense perder dos horas de sus vidas en el cine. Si quieren ver a una mina rica sucia, bronceada y transpirada, por supuesto que gozarán con esta peli. Si para usted un buen film va más allá de ver cada tres minutos un par de pechugas adorables y un trasero nice, no le recomiendo este bodrio de 200 millones de dólares que al parecer, está destinado simplemente a la entretención más básica y sin sentido...

Antes de despedir esta nota, creo que válido acotar algo muy destacable: la edición de sonido de la peli es fantástica... De todas formas, hay que reconocer que entre tanta porquería, hay algo que reconocerle a este espantoso ejemplo de película...

LA PELICULA

Tranformers: La Venganza de los Caídos

(Transformers: The Revenge of the Fallen)

Dirigió Michael Bay

Produjeron Lorenzo Di Bonaventura, Ian Bryce, Tom De Santo y Don Murphy

Escribieron (?) Robert Orci, Alex Kurtzmann y Ehren Kruger

Fotografía de Ben Seresin

Editaron Roger Barton, Paul Rubell, Joe Negron y Thomas Muldoon

Música de Steve Jablonsky y Linkin Park

Actuaron Shia LeBeouf, Megan Fox, Josh Duhamel, Kevin Dunn, Tyrese Gibson, John Turturro, Ramón Rodríguez y Matthew Marsden, entre otros que no aportan nada a la trama. Voces de Peter Cullen, Hugo Weaving, Tony Todd, Jess Harnell, Robert Foxworth, Charlie Adler y Frank Welker, entre otros que si hicieron una pega decente...

Cuando los Dinosaurios Gobernaban la Tierra XIII

2009-07-01T20:54:00.000-07:00

Black Sabbath - Paranoid (1970)

Cuando era un pendejo imberbe y en busca de nuevos sonidos y sensaciones, por allá a fines de los 80, gracias a mi compadre Mauro llegó a mis manos un casete de una bandita para mi desconocida. Pocos meses después, descubriría que se trataba de los paradigmáticos Black Sabbath y que aquel disco se llamaba Paranoid.

En aquella época, el Papiche llegaba con vinilos de Metallica y AC-DC. Por ahí, teníamos algunas grabaciones de Led y DP. Alguien nos había pasado un disco doble en vivo de Uriah Heep. Demasiada información para cabecitas tan pequeñas y recién abriéndose al mundo rock como cabros chicos espartanos arrojados al pozo con agua, a ver si podíamos nadar. Y nadamos. Y aprendimos. Por eso, hasta hoy, Paranoid es uno de mis discos de cabecera. Aún me sorprende el sonido crudo de sus guitarras. La cadencia intratable del bajo. El ritmo feroz de la batería. La voz desgarradora de Ozzy ¿Cómo olvidar frases como estas...

"Nobody wants him/ He just stares at the world/ Planning his vengeance/ That he will soon unfold"

"Politicians hide themselves away/ They only started the war/ Why should they go out to fight?/ They leave that role to the poor"

"I need someone to show me the things in life that I can't find/ I can't see the things that make true happiness, I must be blind"

Pedazos de un disco memorable, duro, rabioso hasta los huesos, sin concesión ni retruécanos vacíos. Sí, en aquellos gloriosos 70's eran jóvenes y rebeldes. Claro está, envejecieron. Pero dejaron una semilla grandota y gloriosa planta en los corazones de los más "jóvenes y rebeldes". Y hay pocos discos como Paranoid que se den ese execrable lujo... Una obra maestra del rock y de la música en general, sin lugar a dudas...

EL DISCO
1.- Luke's Wall/War Pigs (7:55)
2.- Paranoid (2:47)
3.- Planet Caravan (4:24)
4.- Iron Man (5:53)
5.- Electric Funeral (4:47)
6.- Hand of Doom (7:07)
7.- Rat Salad (2:29)
8.- Fairies Wear Boots/Jack the Stripper (6:13)

LOS MUSICOS
-Tony Iommi: guitarra elécctrica y terclados
-Geezer Butler: bajo
-Ozzy Osbourne: voz
-Bill Ward: batería

INFO DEL DISCO
Warner 3104-2
LP Vertigo 6360 011

Las Trillizas de Belleville (2003)... Una obra maestra en 2D...

2009-06-30T20:42:00.000-07:00

Con toda la onda de Up y Ice Age 3, la parafernalia mercantilista descarada construida en torno a estos filmes y el público lelo y boquiabierto que asiste en masa a las salas, no me queda otra que recordar esta asombrosa producción que con escaso presupuesto pero muy buenas ideas, se plantó entre los grandes el año 2003.

No me malentiendan. A pesar del negocio que representan los estrenos de Dreamworks o Pixar, hay que reconocer que en general, son productos de una factura técnica abismante y con guiones que ya se los quisiera cualquiera escritor. Le apuntan medio a medio al crear cintas que pueden ser comprendidas tanto por los niños, como por los adultos que debemos acompañarlos. Y eso es un gran mérito, porque en mi época, con los aburridos y mamones estrenos de Disney, los más viejos te pasaban como pelota para todas partes, porque nadie quería ir a mamarse las tonteras inocentonas de la factoría del ratón. Ahora, da gusto ir a ver piezas como Wall-E, Shrek, Finding Nemo o Monsters Inc.

Claro, también estamos hablando de películas que gracias a la tecnología han logrado que la animación en 3D se convierta en un subgénero al que muchos creadores y productoras apuntan relamiéndose con lujuriosa codicia. Por eso, más destacable es el éxito que tuvo Las Trillizas de Belleville hace ya cinco años, y la trascendencia de una obra que, simple en apariencia, es un manjar para todo fanático de la animación y del cine en general.

En una ciudad ficticia que parece una mezcla de las grandes urbes de los años 50, Madame Souza cría a su hijo para ser un campeón de ciclismo, en compañía de Bruno, un perro simpático que es uno de los manjares de la película. El problema es que la mafia lo secuestra a él y a otros ciclistas para que hagan funcionar sus máquinas de apuestas. Madame Souza, con una inocencia única, irá junto a su perro al encuentro del hijo desaparecido en la laberíntica ciudad de Belleville. En el camino se encontrará con Violette, Rose y Blanche, las excéntricas trillizas que la ayudarán a llevar a buen puerto su misión.

¿Cuáles son las gracias de la peli? Sobre todo, sus dibujos, caricaturas que se ríen de los estereotipos físicos del ciclista, de los mafiosos, de los europeos y de los americanos en general. También son de gran atractivo sus fondos, sus escenarios, cada detallada ambientación que sumerge al espectador en un mundo que aunque reconocible, es fantástico y casi surreal. Si a eso se le agrega una banda sonora realmente atinada en cada nota y algunas secuencias memorablemente irónicas y divertidas (como la cena de ranas de las trillizas o el paso del tren cerca de la casa de Madame Souza), tenemos un menunje que como resultado nos da una película de animación de una calidad envidiable, aún más si consideramos que se trata de una cinta no verbal, que deambula entre los gestos exagerados (o la ausencia de gestos) y murmullos apenas explicativos.

Su realizador cita entre sus referencias el cine de Jacques Tati y a las grandes estrellas del cine y la música de los años 20. El homenaje se nota hasta en la coloración de cada cuadro y en la caracterización de todos los personajes en una obra de calidad notable, un tanto desconocida, pero no por ellos carente del merecido valor que le otorga el esfuerzo de hacer una cinta en 2D, con un guión de lujo y diseños que de verdad, transportan al espectador por poco más de una hora al maravillos mundo de Belleville, en donde todo se convierte en magia... Se las recomiendo, para observar en su justa medida los recientes y tecnológicos estrenos de las grandes factorías gringas. Un viaje en reversa a esta y otras cintas bien valen la pena para no aplaudir tan ciegamente a los nuevos "monos animados" que nos venden hasta en las cajas de McDonald's...

LA PELICULA

Las Trillizas de Belleville

(Les Triplettes de Belleville)

2003

78 minutos

Dirigió y escribió Sylvain Chomet

Produjo Didier Brunner

Editaron Philippe Frere y Chantal Colibert Brunner

Arte de Evgeny Tomov

Música de Benoit Charest

Voces de Michelle Caucheteux, Jean-Claude Donda, Michel Robin, Monica Viegas, Noel Baye, Suzy Falk y varios otros franchutes...

LAS PELICULAS QUE DETESTO: Avión Presidencial (1997)

2009-06-26T10:56:00.000-07:00

Si hay algo de lo que pecan muchas megaproducciones gringas, es de chauvinismo. Uno sin límites, desenfadado y sin ninguna vergüenza. Por supuesto que no se debe meter a todos los filmes del hermano mayor del norte en este saco, pero ya es casi una insana costumbre de muchos productores autoensalzar su no tan funcional democracia representativa, sus símbolos de poder fáctico y las incansables y poco útiles cruzadas que implantan a cuanto país del tercer mundo se les ponga en la mira.

Avión Presidencial es uno de los mejores (?) ejemplos de esta autocomplacencia ciega. Y si bien estoy seguro que sus cototudas ganancias se debieron a las fanáticas de Harrison Ford y a los imbéciles que encuentran cualquier película de acción "buena", este bodrio, a mi humilde parecer, es menos que una película de matiné que ni el más insulso escritor de los años 50 se hubiese atrevido a narrar. La historia es patrioteramente absurda y nos vuelve a mostrar un presidente gringo ideal, bastante distante de los últimos 8 o 9 gobernantes estadounidenses... He ahí otra pista: quizás a través de estos productos de gran costo pero escaso contenido, mis pobres hemanos del norte buscan idealizar las imágenes poco dignas de algunos de sus más recientes presidentes, amigos ellos de decisiones más que erróneas, escándalos sexuales y vidas poco rectas en su juventud... En fin, el asunto es que nos encontramos frente a James Marshall (Harrison Ford, insufrible), el flamate presidente de USA que ha comenzado una nueva guerra contra el terrorismo, esta vez capturando al presidente de Kazajastán Iván Radek (Jürgen Prochnow, que por el bien de su carrera, aparece poco). Sin embargo, poco tiempo después, un grupo de terroristas nacionalistas de esa nación toma represalias y ayudados por Gibbs (Xander Berkeley), un agente del Servicio Secreto, se toman el avión presidencial, con la esposa de Marshall, su hija y un montón de asesores en su interior. Ayudado por sus guardaespaldas, Marshall está a punto de huir, pero se ilumina y por amor a la patria y a la familia, activa la cápsula de escape, pero se queda en el avión.

A pesar de este percance, el grupo, encabezado por Iván Korshunov (Gary Oldman, en uno de sus peores roles junto al de La Letra Escarlata), da a conocer de inmediato sus exigencias: intercambiar a sus rehenes por Radek. Al mismo tiempo, sus secuaces dirigen el avión presidencial hacia Kazajastán, mientras la Vicepresidenta Bennett (Glenn Close, sobreactuada) y el Secretario de Defensa Dean (Dean Stockwell) hacen lo posible desde tierra para resolver el impasse político, en tanto el valentón de Marshall comienza a hacerle la vida imposible a los rusos en el avión, tomando en cuenta que, oh, sorpresa, en su juventud fue miembro de la Fuerza Aérea, infante de marina y quizás qué más, por lo que sabe manejar armas y aviones... Qué conveniente, no? Porque si algo así le hubiera pasado a George W. Bush, de seguro no hubiera tenido la más mínima idea de qué hacer...

Me imagino que ya sabrán cómo termina. Claro, no hay mayores sorpresas en una trama bastante infantil, destinada a público masivo que gusta de la comida masticada antes de que entre a sus bocas. Llena de clichés, diálogos sacados de la peor película hecha durante la Guerra Fría y actuaciones por decir lo menos, exageradas, la cinta es una completa y total propaganda pro conservadora, que defiende los principios impuestos por Reagan y Bush padre y que refocila en su propio y vulgar chauvinismo.

Da lata ver el talento de un director como Wolfgang Petersen desperdiciado en una cinta de esta calaña, y más aún, el talento de actores como Glenn Close, Dean Stockwell, Gary Oldman, William H. Macy y Paul Guilfoyle, entre otros, tirado por la borda en una película fallida y desabrida... No menciono a Mr. Ford entre los actores de talento porque nunca lo ha tenido. Si se fijan bien, sus dos mejores roles (en Star Wars e Indiana Jones), son casi lo mismo. Probablemente sólo valga la pena rescatar su contenida interpretación de Deckard en Blade Runner, pero además de eso, no le recuerdo nada memorable...

Ya, me desahogué. Me hacía falta un poquito de crítica negra para desperezar los sentidos y prepaarame para los bodrios que se vienen en invierno en los cines, patriendo por Transformers 2, que deja bastante que desear. Pero eso es harina de otro costal. Usted, por el momento, evítese de ver o rever Avión Presidencial, una verdadera porquería propagandística sin sentido...

LA PELICULA

Avión Presidencial

(Air Force One)

1997

127 minutos

Dirigió Wolfgang Petersen

Produjeron Armyan Bernstein, Gail Katz, Wolfgang Petersen y Jonathan Schestack

Escribió Andrew W. Marlowe

Fotografía de Michael Ballhaus

Editó Richard Francis-Bruce

Música de Jerry Goldsmith

Actuaron (?) Harrison Ford, Gary Oldman, Glenn Close, Wendy Crewson, Liesel Matthews, Elya Baskin, Levan Ushaneishvili, William H. Macy, Dean Stockwell, Paul Guilfoyle, Xander Berkeley, Jürgen Prochnow y varios extras rusos con cara de terroristas...

The Warriors (1979)... Estos eran los ejércitos de la noche...

2009-06-23T13:27:00.000-07:00

Esta es una de esas películas que constantemente están dando vueltas por mi cabeza la momento de pensar en escribir un comentario, pero una noticia me impulsa a hacerlo ahora. The Warriors, la legendaria película de pandilleros de fines de los 70, tendrá un remake que se estrenará en 2010, dirigido por nada menos que un maestro de las cintas de acción, Mr. Tony Scott (Top Gun, Days of Thunder, Enemy of the State, The Taking of Pelham 123, entre otras del mismo calado).

Lo que nos convoca en esta ocasión es la versión original, dirigida por otro que se hizo famoso y fue criticado muchas veces por realizar apologías sin concesiones a la violencia, el señor Walter Hill ¿Quién Walter Hill? Bueno, fue el tipo que confió en un proyecto de terror y ciencia ficción llamado Alien, que colaboró con el guión de su segunda entrega, que hizo algunas de susprimeras armas como director asistente junto a Steve McQueen y Woosy Allen. Dirigió una extraña película llamada The Driver (1978), donde ningún personaje tenía nombre pero se dedicaban a persegurise eternamente por las carreteras de Gringolandia. El mismo que le pegó un par de batacazos a la taquilla con 48 Horas y Otras 48 Horas; el amigote de John Milius, otro que no se cansó de hacer películas violentas, mientras también hacía de las suyas con otros filmes de culto como Encrucijada (1986), un homenaje al rock y el blues, se caía con Schwarzenegger y John Belushi en la aburrida Red Heat (1988), para volver a levantarse con obras revisionistas y mayores como Johnny Handsome (1989) junto a Mickey Rourke, Geronimo (1993) y la violentísima Last Man Standing (1996), esta vez con Bruce Willis como protagonista en una historia ambientada en la época de la Ley Seca, aunque también será recordado por su aporte a dos de las más extrañas series de televisión de las últimas décadas: Tales from the Crypt y Deadwood, que ostenta el dudoso record de ser la serie en donde más veces se ha dicho la famosa y denostada "F word".

A los 37 años, Hill dirigió y coescribió The Warriors, una pelio que imagina un mundo de pandilleros juveniles no muy lejano de la realidad, con sus propias reglas y lealtades. Los Warriors son una pandilla menor que, como tantas otras, asisten a la convicatoria de Cyrus (Roger Hill), el líder de los Gramercy Riffs, la patota más power de Nueva York. Cyrus tiene la idea de acordar una tregua entre pandillas para que éstas se unan y así, tomarse las calles de la ciudad. En medio del mitín, Luther (David Patrick Kelly), líder de los Rogues, asesina a Cyrus. El único testigo del disparo es Fox (Thomas G. Waites), miembro de los Warriors, por lo que antes que el caos se disperse, Luther hace correrel rumor que los autores del disparo son los Warriors. Comienza así, una loca carrera por regresar a su territorio, lo que implica recorrer media ciudad, perseguidos por la policía y todas las otras pandillas de Nueva York.

En medio del caos, muere Cleon (Dorsey Wright), por lo que el poco experimentado Swan (Michael Beck) debe tomar las riendas de los Warriors, luchando sobre todo por regresar a casa sanos y salvos, anteponiéndose al impulsivo y violento carácter de Ajax (James Remar) y rodeado por la desconfianza de sus demás compañeros. En le viaje, a ellos se sumará una joven prostituta llamda Mercy (Deborah Van Valkenburgh) que también será pieza fundamental en el violento viaje de retorno.

The Warriors es una película oscura desde que comienza. Retrata una juventus ficticia, pero tan desilusionada y desinteresada como la de la vida real. El viaje iniciático se convierte en huida desesperada y es poco lo que los chicos aprenden en aquel recorrido feroz que los enfrenta a diversas pandillas, a la muerte, a más violencia dentro de la misma violencia, mientras la noche parace no terminar nunca, las fuerzas se agotan y parece que el mundo entero está en contra de ellos. No hay muchas salidas y por momentos, la idea del escape no es más que una utopía ues realmente, no tienen dónde llegar.

Claro que está mal actuada. Claro que tiene fisuras innegables en su guión. Claro que no es una obra maestra, pero se sostiene por las mismas miserias que muestras con sencillez y sin prejuicios. Quizás por eso con el paso de los años, se ha convertido en una película de culto, pues a pesar de sus mútliples fallas, cumple con el objetivo de mostrar personajes y parajes desmoralizados y sin esperanza alguna. Y ahí radica el valor de esta cinta que no pretende ser más de lo que es y que se levanta como una de las mejores claves del sub género del cine pandillero... Ojo con la pandilla en sí, que luce como la única multiracial en la cinta y con la cancioncita de The Eagles en la última secuencia, otro detallito que convierte a esta cinta en una perla perdida...

Esperemos que el remake le haga justicia. Pero mientras tanto, si no la ha visto, hágase un favor y échele una miradita porque vale la pena...

LA PELICULA

The Warriors

1979

93 minutos

Dirigió Walter Hill

Escribieron Walter Hill y David Shaber, basado en la novela de Sol Yurick

Produjo Lawrence Gordon

Fotografía de Andrew Lazslo

Editó David Holden

Música de Barry De Vorzon y Joe Walsh

Actuaron Michael Beck, James Remar, Deborah Van Valkenburgh, Thomas G. Waites, Terry Michos, David Harris, Marcelino Sánchez, David Patrick Kelly, Lynne Thigpen y un montón de lolitos con disfraces de pandilleros...

Tiro de Gracia (1990)... Otra vez, los mafiosos irlandeses las llevan...

2009-06-19T21:52:00.000-07:00

Hay ciertas películas que uno recuerda con bastante cariño y hasta respeto. En general, son pelis que pocos recuerdan, de esas que pasan casi inadvertidas pero que en ciertos grupillos llegan a ser de culto. El problema es que no son "cine arte", encasillamiento de algunos pretenciosos crearon para calificar películas de escaso gusto masivo. Tampoco le agradan mucho a los críticos que votan en los festivales. Y tampoco llegan a ser de gusto masivo. O sea, están casi condenadas al olvido y al fracaso, pero aún así, tienen un público fiel que a caso veinte años del estreno, aún siguen viéndola una y otra vez. Como yo.

En Chile, se le llamó equivocadamente, Tiro de Gracia. Me quedo con su traducción directa del inglés: Estado de Gracia. Es una película amarga de comienzo a fin, una especie de western mezclado con una historia de mafiosos. Es una película oscura en forma y contenido, donde la redención es el peor camino, donde el amor está condenado al fracaso, donde la lealtad es una condena de muerte. Un film cuyo final está prescrito desde los primeros quince minutos, cual tragedia griega, pero que aún así, se hace interesante de ver y descubrir, con el solo y masoquista fin de saber si el pobre de Terry Noonan (Sean Penn) le podrá torcer la mano al destino.

Y cómo no, si el pobre de Terry ha dejado atrás su pasado en la célebremente triste "Cocina del Infierno" y se ha convertido en un buen policía hasta que junto a su amigote Nick (John Tuturro) son enviados como agentes encubiertos, de vuelta al centro mismo de la mafia irlandesa. Terry es el indicado para infiltrarse. Cuando joven fue yunta de los hermanos Flannery, Frankie (Ed Harris) y Jackie (Gary Oldman). El primero, ahora convertido en el frío y calculador líder de la banda. El segundo, un soldado drogadicto e impulsivo. Con el dolor de su alma, Terry regresa, contando haber estado preso. Le creen. Lentamente, lo acogen como al hijo pródigo, mientras va generando una doble vida, una doble fidelidad que no durará para siempre pues debe decidir entre los chicos buenos o los chicos malos, además de recuperar a su viejo amor, Kathleen (Robin Wright), la hermana chica de los Flannery.

Así, vamos conociendo a estos personajes, sus fortalezas y debilidades. El malo de Frankie, dispuesto a vender el alma y hasta a su hermano por mantener su liderazgo y no ceder territorio a la mafia italiana. El bonachón de Jackie, desconectándose de la realidad mientras pasan los minutos, ajeno a la turbia trama que se cierne en torno a él. La incrédula Kathleen buscando amor en el lugar menos indicado. El indeciso de Terry tratando inútilmente de equilibrar una balanza que, más temprano que tarde, caerá a uno de los dos lados de su corazón herido, cavilante y resignado.

Y si a todo esto, sumamos un tiroteo final de antología, en ralenti, en medio del Día de San Patricio, tenemos una película de mafiosos de esas que dan envidia, absolutamente bien lograda, aunque no sea "cine arte", profunda, con monstruosas actuaciones que dejan al espectador boquiabierto. La mano de Phil Joanou (que un par de años antes había realizado U2: Rattle and Hum) no tiembla y eso se nota en cada plano y secuencia de este film que debe ser la envidia de todo fanático del cine negro, de acción y de mafia. Porque para lograr que uno se encariñe con todos los personajes, por muy malos que estos sean, hay que tener un guión contundente (y eso se le agradece a Dennis McIntyre) y una mano precisa para lograr que cada detalle visto en pantalla tenga un real valor. Y Joanou lo logra de sobra.

En suma, una de esas películas desconocidas imperdibles, plena, oscura, algo sanguinolenta, con giros que aunque esperados, son todavía sorprendentes y dolorosos. Actuaciones notables y un ritmo pausado pero alucinante. De todas maneras, un manjar para disfrutar de principio a fin.

LA PELICULA

Tiro de Gracia

(State of Grace)

1990

134 minutos

Dirigió Phil Joanou

Produjeron Ned Dowd, Randy Ostrow y Ron Rotholz

Escribió Dennis McIntyre

Fotografía de Jordan Cronenweth

Música de Ennio Morricone

Editó Claire Simpson

Actuaron Sean Penn, Ed Harris, Gary Oldman, Robin Wright (después de esta película, sería Wright-Penn), John Turturro, John C. Reilly, R.D. Call, Joe Viterelli y un montón de extras en el desfile de San Patricio...

TARDES EN EL REX: Superchica (1984)

2009-06-17T18:44:00.000-07:00

Fantasías de nerd con Helen...

Cuando estrenaron la película, caía de cajón que iba a ser una bosta. No había salvación ni profeta que salvara esta película del desastre. Ya las últimas dos entregas de Superman con Christopher Reeve habían sido una reverenda porquería. Ergo, esta primera versión cinematográfica de Superchica iba a ser un bodrio de aquellos.

Faye Dunaway en su peor papel, el de Selena, una mujer medio bruja, mala-mala sin motivo aparente, que casi por casualidad encuentra en Omegaedrón, un aparato de inimaginable poder que mantiene con vida energía la ciudad de origen de Kara Zor-El (Helen Slater) que bajo la tutela de Zaltar (Peter O'Toole, otro que aquí cayó muy bajo) algo conoce y maneja el aparato antes que luego de una pequeña catástrofe, éste se vaya a vagar por el espacio y caer en poder de Selena. Kara deberá llegar a la Tierra y recuperar el Omegaedrón para salvar a su planeta.

Claro, entre medio también está el asunto de la doble personalidad, la aparición sin motivo justificable de Jimmy Olsen (Marc McClure), el fotógrafo de Clark Kent, el encuentro con una tal Lucy Lane (papel que una lolita Demi Moore rechazó) y una trama naif y burda que también lleva a manos de Kara (también conocida por su alter ego terrícola de Linda Lee) a un joven encachado pero bobalicón que también terminará siendo objeto del deseo de Selena.

En suma, una porquería de película "dirigida" por Jeannot Szwarc, que pretendió aprovecharse de la franquicia de Superman y que por suerte, resultó ser un fracaso. Dudo mucho haber soportado secuelas de esta joyita que costó 35 millones de dólares que se fue a pique en la taquilla.

Quizás lo único rescatable... No, quizás no. LO UNICO RESCATABLE es el disfraz de Helen Slater. Ella se ve más encachada en El Secreto de mi Éxito (1989), pero el pelo rucio largo y esponjoso, el traje azul ceñido y la "minifarda" sugerente eran razones más que suficientes para quedarse mirando la pantalla grande y olvidar un guión tan malo y las situaciones ridículas de la peli. Uno se quedaba pegado con la carita de niña buena y los ojazos verdes de la Slater, esperando que un milagro ocurriera y tanto movimiento brusco y vuelo rasante dejara algo más al descubierto que las piernas de esta chica que además es cantautora y que aparece de vez en cuando en TV, como invitada en varias series.

En fin... Otra de mis tantas fantasías de nerd, esta vez con una rubia de verdad que usaba minifalda y que tenía superpoderes... Mejor ni contarles qué cosas imaginaba mi pervertida mente al pensar en todo lo que se podría hacer mientras "volábamos" o qué fuerza debería tener esa chica en la intimidad... Para eso estaba el Cine Rex para cobijar todas esas fantasías infantiles y púberes, sin importar la calidad de la película en cuestión que, en este caso, es más que aborrecible y desechable... A excepción de su bonachona pero sugerente protagonista... Rica ella...

LA PELICULA

Superchica

(Supergirl)

1984

105 minutos

Dirigió Jeannot Szwarc

Produjeron Ilya Salkind y Timothy Burrell

Escribió David Odell

Fotografía de Alan Hume

Editó Malcolm Cooke

Música de Jerry Goldsmith

Actuaron Helen Slater, Faye Dunaway, Brenda Vaccaro, Peter O'Toole, Mia Farrow, Maureen Teefy, Marc McClure, Hart Bochner y un montón de actores sin gusto a nada...

La Nave de la Muerte (1997)... Buena, pero nunca tanto...

2009-06-14T20:54:00.000-07:00

Con el tiempo, uno se va poniendo más mañoso y exigente con las películas. Tantas horas sentado en el cine o frente al estreno en DVD, dan más herramientas críticas, de análisis y por último, simplemente de gusto, si uno tiene más de dos dedos de frente y también pone un poquito de su parte, dejando de ser un espectador pasivo que babea, ríe y se sorprende sólo cuando se trata de humor sucio y coprolálico, mujeres con las pechugas al aire y andanadas de supérfluos efectos especiales.

Claro que esos son elementos que tienen que estar en una que otra película. No hay duda. Pero el asunto es saber usarlos. Y, por lo menos en lo que a efectos visuales se refiere, me parece que La Nave de la Muerte u Horizonte Final, cumple con aquella misión, aunque el producto final es un tanto defectuoso, pero no por ello intragable.

Parto con esta aseveración porque a pesar de ser una película de ciencia ficción y horror, el director Paul W.S. Anderson (responsable de la mediocre trilogía Resident Evil y que rechazó dirigir X-Men por hacerse cargo de esta cinta) aún sabía en aquella época, manejarse con escaso presupuesto y en torno a una docena de actores, escenarios tenebrosos, una que otra explosión y contadas tomas del espacio exterior, siendo capaz de construir con esos elementos una trama creíble, muy tétrica por momentos y hasta provoca un par de correctos sobresaltos. Y todo eso, sin abusar de la tecnología para crear monumentales bodrios que intentan resolver severas carencias en el guión con espectaculares secuencias creadas en computador. Claro, la película costó 60 millones de dólares, pero para qué estamos con cosas: esa cifra, en Gringolandia, es un chiste para una película de ciencia ficción...

Para los que no la han visto, la historia es esta: En el año 2040, el doctor William Weir (Sam Neill) crea una nave llamada Event Horizon (nombre de un fenómeno espacio temporal que debería darse en el límite de los hoyos negros y en donde el tiempo parece detenerse infinitamente). Esta máquina es capaz de viajar de un punto a otro del espacio en un santiamén gracias a un complejo engranaje que provoca la antimateria necesaria para conseguir una especie de salto espacio temporal. La nave parte a Neptuno, desde cuya órbita realizará un viaje de prueba, pero simplemente desaparece sin dejar rastro. Siete años después, la Event Horizon envía una señal de auxilio. Ha regresado al mismo punto desde donde desapareció. Los tripulantes de la nave de rescate Lewis & Clarke, comandados por el Capitán Miller (Laurence Fishburne) van de pasadita a buscar al doctor Weir y en seguida, parten a Neptuno para confirmar el estado de la Event Horizon y si es posible, asegurar su regreso a la Tierra.

Luego de un accidentado abordaje, los tripulantes de la Lewis & Clarke caen pronto en cuenta que algo anda muy mal y que es muy probable que la nave haya viajado no sólo en el tiempo y el espacio, si no que a otra dimensión de horrores inimaginables. Paralelamente, cada uno de los tripulantes comenzará a sufrir serios trastornos y a enfrentarse a sus propios miedos...

En base a esta sencilla sencilla idea, Anderson y compañía, contando con el apoyo y credibilidad de buenos actores, construyen una historia que se hace atrapante la mayor parte del tiempo, a pesar de algunos momentos débiles y bostezables. Claro, porque algunas de las tramas secundarias no son tan potentes como para encajar con la horrorosa historia principal presentada, ni con los espantosos escenarios de la Event Horizon que poco a poco, agarra protagonismo y una detestable personalidad. Y es por ahí que algo falla en esta cinta que, si bien es inferior en calidad a otras similares, aún así logra entretener por un buen rato.

Ojo con el reparto, que cuenta con nombres bastante conocidos. También con la banda sonora, encabezada por Prodigy y Orbital. Ojo también con las secuencias que se desarrollan en la sala de comando en torno al visionado de algunos asquerosos videos y en la enfermería. Con algunos guiños en forma y contenido a Solaris, Alien, 2001, Esfera y Hellraiser, La Nave de la Muerte es un híbrido interesante y degustable por cualquier fanático del sci fi y del terror, siempre y cuando no se le exija demasiado...

LA PELICULA

La Nave de la Muerte

(Event Horizon)

1997

97 minutos

Dirigió Paul W.S. Anderson

Escribió Philip Eisner

Produjeron Jeremy Bolt, Lawrence Gordon y Lloyd Levin

Fotografía de Adrian Biddle

Editó Martin Hunter

Música de Michael Kamen

Actuaron Sam Neill, Laurence Fishburne, Kathleen Quinlan, Joely Richardson, Richard T. Jones, Jason Isaacs, Sean Pertwee, Jack Noseworthy y un montón de extras cubiertos en llagas y sangre...

A MÉLIÈS CON CARIÑO: Alerta Solar

2009-06-07T07:23:00.000-07:00

Thriller de aventuras Sci-Fi con contenido.

Título original: Sunshine
Dirigida por Danny Boyle
Escrita por Alex Garland
Reparto: Un par de giles que acompañan a la ultra bella y talentosa Rose Byrne

Aprovechando que hace unos pocos meses Danny Boyle se llevó al tío Oscar a su casa por Slumdog Millionare, voy a revisar su película previa que pasó por las carteleras sin hacer mucha bulla a pesar de tener muy buenas razones para ser catalogada como una pelicula notable. Lo que pasa es lo siguiente, nosotros estamos acostumbrados a las películas en las que los super yankis salvan al mundo de alguna catastrofe apocalíptica y ahí hay una gran demostración de patriotismo, despliegue de pirotecnia visual y proselitismo norteamericano. Es usual en el cine actual y lo sabemos, aunque a veces latea y a esta película, esa mala fama le pasó la cuenta, aunque es muy distinta de los clichés del cine de Michal Bay (si es que eso puede ser llamado cine...) o de las películas ultra taquilleras.
Aunque si analizamos la trama nos damos cuenta que tiene todo para ser una más de esas películas de aventuras. El sol se está apagando y una misión internacional va hacia el astro rey para lanzarle una carga nuclear que en teoría reactivaría el sol y así salvar a la tierra del congelamiento. La gran diferencia es que la película toma la escala humana y no se centra en la aventura misma sino en la odiseá interna de cada uno de los miembros de la tripulación y eso, damas y caballeros, es un giro magistral en cuanto a otras películas con temas similares y de consumo desechable, recordando en muchas partes a la siempre célebre 2001, Odisea en el Espacio de Stanley Kubrick, pero no cayendo en el manierismo de plagiar groseramente a al película antes mencionada sino que manteniendo una identidad potente. Sunshine, es una película acerca de un puñado de hombres que tienen en sus manos la responsabilidad de salvar a todala humanidad y como lidian con eso, por supuesto que tal presión es mucha sobre todo sabiendo que la misión anterior falló y se perdió contacto con ellos, es así como la película devela las debilidades y temores humanos, así como las obsesiones y las ansias de poder que hay en todo equipo.
Además que el reparto de actores, que no son tan grandes estrellas pero, que si saben actuar, están bien dirigidos y es aquí donde se nota la mano de un director talentoso e innovador, que no solo sabe sacarle el jugo a sus actores en las escenas de acción y de suspenso que están muy bien construídas y dosificadas a lo largo del metraje. Sino que además logra darles porfundidad humana a una película coral en que hay muchos personajes con alto grado de protagonismo (ya que son los únicos personajes que salen en pantalla) y en donde todos tienen algo relevante que decir.
La ciencia ficción siempre se ha caracterizado por desnudar la sociedad actual y sus falencias a través de una extraólación fantástica de la actualidad, en este caso la contingencia es cumplir con una misión que de fallar aniquilaría a todos los seres vivos del mundo, que mejor caldo de cultivo para desnudar la sociedad actual?. Ya en su película anterior, 28 días después, la película de zombies que no tiene zombies sino seres enrabiados... Boyle ya había puesto a sus personajes en una situación límite, al borde de la extinción de la raza humana, ahora hace lo mismo qpero los saca de su casa y los lanza en medio de la nada, directos al sol. Se repite un regalón de Boyle como es Cillian Murphy (28 días después) también esta la excelsa y bella heroína tragica de Rose Byrne (Troya, 28 semanas después, María Antonieta y la reciente Cuenta Regresiva...parece que se nota muchoq ue me gusta ella?), Michelle Yeoh (El Tigre y el Dragón) que por fin sale sin repartir patadas y eso es ya un punto a favor, no es que Michelle Yeoh me desagrade como cultora del cine de artes marciales, sino que siempre es bueno ver a alguien en otras facetas y ademàs, haciéndolo muy bien. Es resto del reparto es un sólido ramillete de personajes que se lucen.
Pero quienes crean que esta es una película sesuda y que tiene menos acción que pelicula existencialista chilena, se equivocan, de hecho hay acción, de la buena, muy atractiva a los ojos y oídos, hay suspenso, muy bien entramado, hay muy buenos efectos especiales, hay situaciones dramáticas, hay giros de tuerca, hay sobresaltos, hay drama, algo de romance...de todo. Es una película balanceada que los tendrá atentos y metidos desde el primer al último minuto y que no desvía su intención humana a pesar de tener toda la pirotecnica visual necesaria y posible.
Raya para la suma; una gran película de ciencia ficción que muestra la mano de un director talentoso y con un guión de lujo.
La pueden encontrar en todo video club que se precie de tal y también anda dando vueltas por el cable.

Secretos (2007)... Cuando da gusto ver películas femeninas...

2009-06-04T19:50:00.000-07:00

Es muy agradable enfrentarse a las películas del Festival de Cine Europeo que por once años ha organizado la UC y la Comunidad Europea, porque uno como espectador, se puede dar el lujo de ver una tremenda cantidad de filmes que de otra manera, no llegarían a Chile. Y no sólo por la novedad, si no que porque por lo general, las películas que llegan a Santiago y a regiones son realmente buenas, en todo sentido.

Pero hay algunas que superan la media, por lo menos desde mi particular perspectiva. Ya saben, uno como perro viejo se pone un poco exquisito, medio mañoso, harto exigente. Y Secretos supera con creces esa media de excelentes filmes, convirtiéndose en una pequeña joyita del Séptimo Arte, una obra sincera, atrapante aunque sencilla, directa, bien hecha, entretenida y recordable.

Julia (Iva Bittova) es una traductora que junto a su marido Richard (Karel Roden, al que recordarán de Hellboy y 15 Minutos) y su hija adolescente Cecilie (Martha Issova), acaban de cambairse a un nuevo y lujoso departamento, producto de los años de esforzado trabajo de ambos, lo que práctricamente los coloca en la cima de sus vidas. Todo bien, hasta que Julia comienza a sentirse un poco incómoda. El espectador no sabe por qué. Para ella, esa incomodidad comienza a derivar en un sólido viaje personal cuando se entera por televisión de la muerte de la cantante y pianista Nina Simone. De inmediato, se da la misión de comprar un piano y retomar las lecciones que dejó hace más de 25 años. Todavía no sabemos por qué.

Desde que toma esa decisión, a media mañana, y hasta muy tarde en la noche, Julia iniciará un viaje exterior e interior que la llevará por la calles de Praga en busca del piano, del amor, de los recuerdos, de sus virtudes y errores, de la confianza perdida... Descubriremos que tanto ella como Richard tienen amantes. Seremos testigos de mágicas escenas en las que Julia convierte todo su entorno en maravillosas secuencias de danza que expresan todas sus emociones. También buscará descubrir si la confianza depositada en su hija ha sido bien retribuida. Y sobre todo, Julia aprenderá a reconocerse como mujer en medio de un drama que tiene contados y preciosos momentos de comedia, en el frágil equilibrio que nos presenta la directora en la vida de esta mujer a punto de sufrir un cambio radical.

La Nellis tiene un filmografía no muy extensa pero interesante. Secretos constituye una muestra de su talento al momento de retratar las emocinones femeninas sin caer en el absurdo ni en la caricatura o la autocompasión. Julia no quienes la rodean son perfectos. Todos tienen tejado de vidrio y Julia no hace otra cosa que romper el suyo y tratar de reconstruirlo, pedazo por pedazo, con todo lo bueno y también doloroso que aquello le puede resultar. En su viaje, encuentra luces, sombras y claroscuros que enfrenta con orgullosa resignación, luchando por sacar enseñanzas de cada golpe y porrazo.

No me gustan las películas feministas, pero sí me agradan las películas femeninas, esas que son capaces de mostrar a la mujer tal cual es, sin elevarla a la categoría de mártir ni de heroína, si no que simplemente mostrar a la mujer con sus defectos y virtudes, sus sueños y pesadillas, sus desilusiones y esperanzas y aún así, salir bien paradas en una pantalla que en este caso, se hace chica para tanta experiencia agradable y emocionante en este recorrido de un día por las calles de Praga y el corazón de una mujer... Por supuesto, que todo esto potenciado por diálogos precisos, actuaciones más que decentes, una entrañable banda sonora aderezada por varios temas de Nina Simone y una correctísima puesta en escena... Imperdible...

LA PELICULA

Secretos

(Tajnosti)

2007

93 minutos

Dirigió y escribió Alice Nellis

Produjo Jan Sverak

Fotografía de Ramunas Greicius

Editó Adam Dvorak

Música de Buty

Actuaron Iva Bittova, Ivan Franek, Karel Roden, Martha Issova, Miloslav Konig y un montón de checos bailarines

La Duquesa (2008)... Los buenos elementos no siempre dan un buen resultado...

2009-06-01T08:14:00.000-07:00

Hacía tiempo que la Cindy andaba con ganas de ver esta peli. Yo también. Siempre me han gustado las películas de época. No puedo negar que he sido encandilado por la brillante filmografía de un experto en el género como es James Ivory y obras superiores como Un Amor en Florencia (1985), Howard's End (1991) y Lo que Queda del Día (1993), además de otras obras sagradas como Vatel (Ronald Joffé, 2000), The End of the Affair (Neil Jordan, 1999), la magnífica Dangerous Liaisons (Stephen Frears, 1988), Sense & Sensibility (Ang Lee, 1995) y por supuesto, Todas las Mañanas del Mundo (Alain Corneau, 1991), entre muchas otras de gran factura.

Pero La Duquesa me desilusionó totalmente. El gancho es que se trata de una historia real, un retrato de una antecesora de la ya legendaria Diana Spencer, un mujer llamada Georgiana Cavendish que en el siglo XVIII ostentó el título de Duquesa de Devonshire y que durante los primeros momentos de la cinta se dibuja como una mujer inteligente, apasionada y luchadora, características que son anuladas luego de su matrimonio con William Cavendish, Duque de Devonshire (Ralph Fiennes, en un rol que le vino como anillo al dedo), personaje más preocupado por sus perros y tener un descendiente varón que por su esposa, a la que trata como uno de los muebles de la casa. G (como llaman los más cercanos a la Duquesa), demuestra saber de política, filosofía y economía en algunos diálogos, pero luego es la reina de la moda londinense. Sin quedar muy claro cómo, está enamorada de Earl Grey (Dominic Cooper), un vulgar plebeyo que más tarde se transformaría en Primer Ministro y con el que tiene un romance, no se sabe muy bien por qué, aunque entre medio hay algo de venganza, despecho y ganas de sentirse mujer.

También aparece en escena Lady Bess Foster (Hayley Atwell), una mujer que ha sido abandonada por su marido y que no demora en hacerse amiga de G, con algunas insinuaciones lésbicas de por medio que no llegan a ningún lado, pues Bess se convierte a la larga en amante de Williamy al mismo tiempo, en la mejor amiga de G (?)... A estas alturas, la protagonista se ha convertido en una entregada madre y de sus intereses políticos y sociales... bien, gracias. Nunca más se supo.

Claro, muchas de estas cosas ocurren porque se trata de una época machista, clasista, en donde la nobleza hacía lo que se le venía en gana. Ah! Eso explica muchas cosas... pero si no queda relativamente claro en el guión, la verdad es que el espectador promedio poco y nada entiende de lo que le ocurre a esta mujer que, la verdad, no sabe para dónde va en las casi dos horas que dura la película. Por lo tanto, al no existir una voluntad de lucha clara, el metraje se convierte en un pegoteo de momentos cúlmines en la vida de Georgiana que poco y nada llegan a interesar al espectador puesto que no tienen mayor asidero en una historia que se diluye irremediablemente y que las decentes actuaciones de Fiennes y la aún elegante Charlotte Rampling, no pueden salvar.

La suma de una perfecta fotografía, gloriosos escenarios y vestuarios y una digna banda sonora, no sirve para levantar una buena película. En el cine, la suma de los factores si puede alterar el resultado, en muchos casos para bien, En este caso, para mal, por que luego de dos horas frente a la pantalla, la verdad no se sabe bien por qué tomarse la molestia de retratar la vida de la quinta duquesa de Devonshire en de la vida de la primera, la tercera o la décima... Ah! Claro, es pariente de Diana Spencer ¿Eso basta para explicar el desastre?...

LA PELICULA

La Duquesa

(The Duchess)

2008

110 minutos

Dirigió Saul Dibb

Produjeron Gabrielle Tana y Michael Kuhn

Escribieron Jeffrey Hatcher, Anders Thomas Jensen y Saul Dibb, en base al libro de Amanda Foreman

Fotografía de Gyula Pados

Editó Masahiro Hirakubo

Música de Rachel Portman

Actuaron Keira Knightley, Ralph Fiennes, Charlotte Rampling, Hayley Atwell, Dominic Cooper y un montón de extras con pelucas cuáticas...

CINEMA INFERNO: El Interior

2009-05-28T14:14:00.000-07:00

Alguien se atreve a decir que el cine francés es mamón?

Titulo original: À l'intérieur
Año: 2007
Directores: Alexandre Bustillo y Julien Maury
Escrita por: Alexandre Bustillo
Reparto: Beatrice Dalle, Allyson Paradis y unos cuantos tipos que mueren en un baño de sangre

Esta es una película francesa, pero para quienes crean que cine francés significa dramones lacrimosos, ritmo cadencioso y menos acción que en una película chilena (si es que eso es posible...) pues esta es una bofetada en la cara para quienes argumenten eso.

Obviamente el cine francés siempre se ha caracterizado por indagar en los oscuros laberintos de la mente y las emociones humanas y esta no es una excepción aunque la indagación interior es un tanto más literal, ya que el personaje de Beatrice Dalle (la perturbadora Betty Blue en el film que llegó con ese mismo nombre a Chile y que parte con una de las más intensas escenas eróticas del cine...) que dicho de paso, no tiene nombre, se quiere meter en las entrañas de Sarah (Allyosn Paradis, hermana de Vanessa) para robarle el hijo que está a punto de nacer y para eso se vale de todas las armas hogareñas posibles, cuchillos, tijeras, clavos, alambres, palos, combos mordiscos....

Si bien la película se puede presenta como un manual de tortura contra embarazadas, lo que ya es de por sí deleznable, no cae en el efectismo gore , aunque tiene mucha sangre y menudencias repartidas en su metraje, ya que la película descansa en un buen uso de la tensión y el suspenso, con pausas que se agradecen y numerosos giros de tuerca del argumento y las acciones. Pero aun con eso corría el riesgo de ser solo un compilado de brutalidad sin sentido pero aunque no lo crean, esta película se sostiene por su historia.

La trama es compleja de explicar sin tener que contar toda la película, por lo que es mucho más recomendable hacerle caso a los directores y ver la película como se nos presenta, al principio como un drama duro y difícil de tragar, algo que los franceses saben hacer muy bien, luego pasa a un thriller que nos hace pegar su salto de vez en cuando y luego da paso al gore más brutal para luego reinventarse nuevamente en un drama que chorrea sangre por todos lados, pero que de todas formas nos deja con un sabor triste en el fondo de la garganta. Quizás existan películas más sangrientas o con mayor conteo de cadáveres en pantalla, para eso están las decenas de películas de zombies, pero ésta no solo sitúa la acción en un momento social reciente de Francia muy complejo, en la semana en que los inmigrantes turcos de París se aburrieron del abuso de las autoridades y salieron a las calles a quemar autos, no sólo se presenta con una sólida puesta en escena con una fotografía naturalista muy bien trabajada (por fín alguien que se dió cuenta que las noches urbanas no son azules ni blancas sino, de un enfermizo color yodo por las luces callejeras...) La fortaleza de esta película se basa en retratar el dolor como un camino de sanación...enfermo no? pero es así, la mujer oscura (Betty Blue) solo busca hacerle sufrir el dolor más indecible a Sarah para así poder curar su propio dolor que la carcome desde el interior...retorcido no creen?

Una película no apta para cardiacos, personas demasiado sensibles y por supuesto, no recomendable para embarazadas ya que la escena final que tiene directa relación con la imagen del afiche es una escena que le queda a uno dando vueltas en la cabeza por varios días pero, para los amantes del género y de un cine intenso pero con contenido, es una película que los dejará satisfechos.

Esta película la pueden encontrar en su video club favorito, no en las grandes cadenas porque como es tan pero, tan fuerte, que no se han animado a distribuirla y se ha visto más a través del pirateo que por el canal oficial...mala cosa, mala cosa. De todas formas yo sé que hay un par de video clubes por ahí que la tienen en su versión suavizada (que no es ni tan suavizada...) y en su versión cruda.

Quémese Después de Leerse (2008)... Los Hermanos Coen no paran de sorprender...

2009-05-23T22:01:00.000-07:00

Regularmente me pasa que debo darme un tiempo para comentar la mayor parte de las películas que veo. Me gusta pasarlas tres o cuatro veces, incluso con bastante tiempo entre uno y otro visionado, masticarlas, percibir si la primera impresión fue acertada o no. Hay películas que me han fascinado en la primera oportunidad, pero que después pierden la gracia. Otras que he detestado y que el tiempo me hace valorar en su justa medida. Otras son malas la primera, la segunda, la tercera, la cuarta vez... no tienen vuelta ni arreglo. Y otras, son buenas siempre, desde el minuto inicial, sin importar la cantidad de veces que las vea, sin importar el paso de los años...

Quizás le estoy poniendo mucho, pero por lo menos con Quémese Después de Leerse me pasó que luego ya de varios meses y habiéndola visto con suma detención, aún me fascina. Claro, es otra de las joyitas de los hermanos Joel y Ethan Coen y aunque no está al nivel de sus obras mayores como No Country for Old Men, Miller's Crossing, Fargo o Big Lebowsky, se deja ver con innegable agrado, retomando los temas, tonos, tics y modos a los que tan acostumbrados nos tienen cuando hacen comedias negras y que habían sido un tanto olvidados luego de la alucinante Sin Lugar para los Débiles.

Ozzie Cox (John Malkovich) es un agente de la CIA recientemente despedido que, para matar el tiempo libre, comienza a escribir sus memorias. Está casado con Katie (Tilda Swinton), una mujer fría, frívola y muy bitch que lo engaña con un agente del FBI, Harry Pfarrer (George Clooney), que aunque galán y simpático, sufre de serios trastornos obsesivos. Cuando Katie decide separarse, obedece la recomendación de sua bogado y extrae en un CD toda la información de la cuentas bancarias de Ozzie, partes de su autobiografía y quizás cuánta información más. Lamentablemente, pierde el disco en el gimnasio al que acude regularmente y en el que trabaja Linda Litzke (Frances McDormand), una mujer madura y decidida a obtener el dinero suficiente para hacerse una cirugía estética, y que aprovecha la ocasión para intentar chantajear a Ozzie, apoyada por Chad Feldheimer (Brad Pitt), un atolondrado instructor de gimnasia.

De ahí en adelante, es cosa de dejarse llevar a un nuevo y siempre intrincado mundo creado por la mano firme de los hermanos Coen, esta vez con elementos que rozan con el espionaje y la burda burocracia de los servicios de inteligencia, y en el que abundan los diálogos ágiles y precisos, mismos que van construyendo la historia de todos estos personajes con claridad y solidez. A eso se suma el humor negro que navega con constante fluidez no sólo en las exageradas caracterizaciones de cada pieza de este casual ajedrez, si no que también en notables secuencias encabezadas por las correctas interpretaciones de todo el elenco, pero especialmente de un desquiciado Malkovich, una afectada McDormand, el light y atolondrado Pitt, la gélida Swinton y Clooney, en un rol que le calza a la perfección.

Y aunque tengo ganas, decir más sería quitarles la imperdible oportunidad de disfrutar de este film, un intenso relato de malentendidos, imperfecciones, ansias de cambio y desilusiones que logra convencer y hacer reír con toques no muy sanos de humor... No se la pierdan...

LA PELICULA

Quémese Después de Leerse

(Burn After Reading)

2008

96 minutos

Dirigieron y escribieron Joel y Ethan Coen

Produjo Jess Gonchor

Fotografía de Emmanuel Lubezki

Editó Roderick Jaynes (seudónimo de los Coen Bros.)

Música de Carter Burwell

Actuaron John Malkovich, Frances McDormand, George Clooney, Tilda Swinton, Brad Pitt, Richard Jenkins, JK Simmons y varios extras en fiestas nice o como oficinistas del FBI...

Se viene el Festival de Cine Europeo - Antofagasta 2009...

2009-05-20T16:33:00.000-07:00

Del 1 al 6 de junio, el público de mi querida Antofita podrá disfrutar por sexto año consecutivo, del Festival de Cine Europeo que ha traído por estos lares, una selección de lo mejorcito del Séptimo Arte del Viejo Continente.

Este año, fueron seis las películas escogidas para deleitar al público de la zona. Con la organización a nivel central de la Vicerrectoría de Comuniaciones y Asuntos Públicos de la PUC y la Unión Europea, además del patrocinio y auspicio de una chorrera de instituciones y empresas, este festival abarca 16 ciudades de nuestro Chilito. Aquí en Antofa, la organización está a cargo de la Corporación Cultural de Antofagasta y Visual Productora, quienes han escogido realizar las exhibiciones entre los días 1 y 3 de junio en el Teatro Municipal (Sucre 433) y entre los días 4 y 6 de junio en CineMundo Antofagasta Shoping (Zenteno 21, local 202), todas ellas a las 19 horas y con un valor de 1.000 pesos, aunque habrá 80 invitaciones gratuitas disponibles diariamente en el Teatro.

El programa escogido es el siguiente, para que vayan tomando nota y preparando las pepas para el magno evento...

LUNES 1 DE JUNIO

República Checa

Secretos (Tajnosti)

Dirigió y escribió Alice Nellis

Fotografía de Ramunas Greicius

Editó Adam Dvorak

Música de Buty

Actuaron Iva Bittová, Karel Roden, Martha Issová, Iván Franek...

Julia es una traductora que junto a su esposo y una hija adolescente, acaban de mudarse a una nueva casa. Aparentemente, su vida es tan feliz y normal como la de cualquier familia. Sin embargo, la noticia de la muerte de una famosa cantante que Julia oye en el noticiario, es el catalizador de un cambio de perspectiva que le hará ver que nada es tan perfecto como parece y de manera bastante impulsiva, decide comprar un piano, que será el motivo principal de la concreción de un plan que cambiará toda su vida.

MARTES 2 DE JUNIO

España

La Soledad

Dirigió Jaime Rosales

Escribieron Jaime Rosales y Enric Rufas

Fotografía de Oscar Durán

Editó Nini Martínez Soza

Música de Alejandro Castillo

Actuaron Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencía, María Bazán, Jesús Cracio, Luis Villanueva, Luis Bermejo...

Adela deja atrás León, su ciudad natal, para irse a vivir a Madrid. Le dice adiós a las montañas y los paseos por los prados y se sumerge en una ciudad donde todo es ruido, tráfico y un contínuo vaivén. Al principio se siente agobiada, pero no tarda en conseguir un trabajo y entablar amistad con Carlos e Inés, unos jóvenes que viven junto a su apartamento. La buena relación del comienzo comienzaa empañarse, más aún luego que Adela sufre un atentado que cambiará su vida para siempre.

MIERCOLES 3 DE JUNIO

Italia

Uno de Dos (Uno su Due)

Dirigió Eugenio Cappuccio

Escribieron Eugenio Cappuccio, Massimo Gaudioso, Francesco Cenni, Michelle Pellegrini y Fabio Volo

Fotografía de Gianfilippo Corticelli

Editó Fabio Nunziata

Actuaron Fabio Volo, Agostina Belli, Francesco Cerasi, Giuseppe Battiston, Paola Rota, Daniele Cascella, Maurizio Pompella, Tresy Taddei...

Lorenzo ha obtenido todo lo que tiene por su determinación a toda prueba: una casa, una mujer que lo ama, amigos que lo envidian y una buena posición social. Todo cambia radicalmente cuando poco antes de cerrar un gran negocio, se presenta en su vida una enfermedad, hecho que hace que cada uno de sus pasos y decisiones resulte dolorosa e incierta mientras espera ansioso los resultados de la biopsia.

JUEVES 4 DE JUNIO

Grecia

Kavafis

Dirigió Yannis Smaragdis

Escribieron Dimitris Katalifos, Dimitris Nollas, Stelios Rogakos y Yannis Smaragdis

Fotografía de Niko Smaragdis

Música de Vangelis

Actuaron Dimitris Katalifos, Vassilis Diamantopulos, Maya Lyberopoulou, Lazaros Georgakopoulos...

Biografía del poeta griego Konstantinos Kavafis, poseedor del genio de comprender al ser humano a través de sus poemas. Una colección de los momentos más importantes de su vida que buscan en el espectador descifrar sus propias emociones, con la idea que cada persona frente a la pantalla sea capaz de ofrecer su amor a este poeta único, teniendo la oportunidad de conocer así, la vida, el alma y la esencia de este artista.

VIERNES 5 DE JUNIO

Francia

No Estoy Hecho Para Ser Amado (Je ne suis pas la pour être aimé)

Dirigió Stephane Brizé

Escribieron Stephane Brizé y Juliette Sales

Fotografía de Claude Garnier

Editó Anne Klotz

Música de Christophe Muller y Eduardo Makaroff

Actuaron Patrick Chesnais, Anne Consigny, Georges Wilson, Lionel Abelansky, Cyril Couton, Geneviève Mnich, Hélène Alexandridis

Jean Claude, un agente judicial de 50 años, está resignado a una vida sin alicientes, hasta que un día decide aprender a bailar tango en una academia situada frente a su casa. Ahí, conoce a su maestra, que está a punto de casarse. Pero en uno de los bailes que la pareja ejecuta, surge un furtivo romance...

SABADO 6 DE JUNIO

Bégica

Rumba

Dirigieron y escribieron Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Remy

Fotografía de Claire Childéric

Editó Sandrine Deegen

Actuaron Dominique Abel, Fiona Gordon, Bruno Remy, Philip Martz, Clément Morel...

Fiona y Dom son dos maestros de escuela de campo. Por sobre todo, comparten su amor y su pasión por el baile latino, incluso acudiendo a concursos regionales. Una noche, luego de un certamen, sufren un grave accidente cuando tratan de evitar a un torpe suicida. Así, sus vidas cambiarán para siempre...

Ciudad Oscura (1998)... Cuando Alex Proyas aprendió a caminar...

2009-05-19T20:15:00.000-07:00

Ante el inminente estreno de Cuenta Regresiva (Knowing), su más reciente cinta, no me queda otra que recordar la que quizás es la más lograda película del realizador australiano Alex Proyas, de quien además disfrutamos de cintas como Yo, Robot (2004) y El Cuervo (1994).

No es que su filmografía sea un asco, pero desde una perspectiva muy personal, me parece que Ciudad Oscura es un digno producto de ciencia ficción, a pesar de su bajo presupuesto (no más de 30 millones de dólares, una porquería). Tampoco es posible comprarlo con sus otras obras, aunque si quizás valga la pena hacer referencia la influencia estética de La Ciudad de los Niños Perdidos (Jean Pierre Jeunet), aparecida un año antes, pero anterior a la sobrevalorada Matrix (Hermanos Wachosky, 1999) que seguramente algo sustrajo de la iconografía propuesta por Proyas en esta cinta que se desarrolla a oscuras, siguiendo los pasos del atribulado John Murdoch (Rufus Sewell) que, una noche, despierta junto a un cadáver salvajemente mutilado. Al parecer, es una asesino en serie, pero él no está muy convencido de eso. Tan perdido como el espectador durante los primeros minutos de la cinta, se lanza en la búsqueda de la verdad, seguido por un aburrido detective (William Hurt), ayudado por su esposa (Jennifer Connelly, regia y estupenda como de costumbre) y por el doctor Schreber (Kiefer Sutherland en plan de científico loco y tullido) que le irá explicando con cuentagotas que toda la ciudad no es más que un complejo terrario experimental a través del cual los misteriosos Extraños buscan conocer el alma y la mente humana. Son estos Extraños los que persiguen a Murdoch a lo largo de toda la película pues al parecer él es el único que posee similares poderes psicokinéticos y por lo tanto, el que está destinado a joderles el plan.

La gracia de Proyas es que no se hace zancadillas. Con un guión sencillo pero sólido, sin vueltas de tuerca innecesarias, logra que el espectador se haga cómplice del calvario y la búsqueda de Murdoch en una ciudad que vive a oscuras, en donde los humanos-conejillos-de-indias no tienen idea de lo que ocurre ni se preguntan jamás por la ausencia del sol. Quizás por eso, los aterradores descubrimientos que Murdoch va haciendo se hacen tan sorpresivos y terribles tanto para él como para el observador.

Mención aparte merece la sólida puesta en escena de Proyas y las monumentales transformaciones de la ciudad insomne, en secuencias que no dejan de recordar a la legendaria Metrópolis de Fritz Lang. En medio de este paisaje y al límite de la paranoia, nuestro personaje principal huye, se esconde y busca las claves del misterio que lo rodea, desembocando en un final épico y de proporciones dantescas.

Ya lo dije e insisto: se agradece la simpleza sólida del guión, caractéristica primordial en el cine de Proyas. Lo repito porque a veces me aburren los escritores que se las dan de inteligentes y en medio de profundas, absurdas e innecesarias observaciones metafísicas y filosóficas, terminan matando con su pretensión las mejores ideas. Por lo menos Proyas se da el lujo de escribir y dirigir una historia que si bien no quedará en los anales del cine, es efectiva y logra su cometido...

Traten de verla antes de arriesgarse con Cuenta Regresiva. Si bien no tienen nada que ver, es bueno echarle una mirada a este interesante realizador que hasta ahora, no me ha desilusionado... Y espero que esta no sea la ocasión...

LA PELICULA

Ciudad Oscura

(Dark City)

Dirigió Alex Proyas

Produjeron Alex Proyas, Andrew Mason, Michael De Luca y Brian Witten

Escribieron Alex Proyas, David S. Goyer y Lem Dobbs, basados en una historia original de Proyas

Fotografía de Dariusz Wolski

Editó Dov Hoenig

Música de Trevor Jones

Actuaron Rufus Sewell, Jennifer Connelly, Kiefer Sutherland, William Hurt, Richard O'Brien y un montón de secundarios narcolépticos...

666 Razones para no escuchar Reggetón

2009-05-11T19:44:00.000-07:00

SILENCIO
FUNDAMENTAL
2009

Cuando en los medios locales masivos se habla de rock chileno se menciona a grupos pop como La Ley, Saiko y algún otro que roza la fama de vez en cuando, eso deja en claro dos cosas, no sé que es lo más grave, que el periodista de espectáculos no sepa nada de música y crea que Saiko toca rock.
Además existe la horrible tendencia de que las bandas chilenas se dediquen a copiar formulas ya existentes de otras bandas extranjeras...de hecho si uno se pone a revisar las listas de tocatas, abundan y sobran las bandas tributo pero, a pesar de todos los malos augurios, de vez en cuando aparecen bandas que escapan a la mediocridad reinante en el medio nacional y destacan no solo por una buena calidad en su estilo sino además por saber encontrar una identidad local y expresarla tanto en la música como en sus letras. Silencio es un claro ejemplo de ello.
Silencio mantiene la clásica formación del Power Trio, que popularizara en sudamérica Divididos, A.N.I.M.A.L. y otros pero, agrega un componente melódico que los lleva del rock más clásico o de la vieja escuela y hace transitar su música más cerca del metal progresivo que del hard rock o alguna que otra corriente rockera, pero sin dejarlo de lado a su vez.
En este, su segundo álbum, alcanzan no solo un mejor nivel interpretativo en sus canciones que en su primera placa, sino que se atreven a explorar nuevos sonidos con las perillas, sin duda muy buena la mezcla hecha en la instrumental "Trance" antes de su hermana "Adverso" a mi gusto los dos temas fuertes del disco, aunque en realidad el disco te toma del principio y no te suelta hasta que se acaba, porque los temas no solo están bien interpretados sino que están bien concatenados unos con otros, dando pasos continuos de emociones y sensaciones, una tras otra, sin pausa pero no por eso siendo agotadores para el oyente.
El disco Fundamental, habla principalmente de la fé y el dolor, reitero que le pongan atención a Trance y Adverso que hablan de la tragedia de Antuco, es para parar los pelos y también se destaca "La violación de la hija de nadie" y "Comprender". Si este disco fuese bien promocionado podría convertirse en uno de los discos claves del rock chileno y un referente para futuras realizaciones, es hoy que recién lanzan su nuevo album que los chicos de Silencio se ponen pantalones largos y se consagran como una gran banda.
En suma, un Power trío que le hace honor a su formación, buenos interpretes, buenos temas, buena mezcla y una performance en vivo que supera todas las expectativas...además, el empaque del disco está impecable y es muy original.
Ponganle oreja a Silencio que apunta a dejar bien en alto la bandera del rock chileno.

Silencio

Fundamental

La Banda: Daniel Robles, voz y bajo ; Pablo Diabuno, voz y guitarra, Kurt Heyer, batería

1.- Fundamental
2.- Comprender
3.- Perdón
4.- Trance (instrumental)
5.- Adverso
6.- La Llamada
7.- Sabia
8.- Sueños de dios (instrumental)
9.- La violación de la hija de nadie
10.- Eterno
11.- Remecer
12.- Sueños

Para quienes deseen escuchar el nuevo disco, se puede escuchar on line y en muy buena calidad en la página oficial de Silencio

LAS PELICULAS QUE DETESTO: Día de la Independencia (1996)

2009-04-30T07:24:00.000-07:00

Muchas veces he reconocido ser un fanático acérrimo de la ciencia ficción. Pero tengo mis limítes. Y Día de la Independencia supera con creces la barrera de lo que creo digno y decente en una buena cinta sci fi.

Hay que reconocer que la cinta es un espectáculo visual contundente, pero eso no sirve para ocultar las múltiples deficiencias de la peli, surgida de la mente de los mismos creadores de Stargate (1994), otra cinta de ciencia ficción relativamente interesante, que conectaba al antiguo Egipto con otras razas y mundos espaciales. El problema de I.D., es lo poco creíble de su trama, que bien podría haber sido jugosa y suculenta en la cartelera de los años 50. A estas alturas, resulta casi imposible creer que una invasión extraterrestre a gran escala no fuera detectada por la poderosa maquinaria militar gringa. Pero comom la peli recién está comenzando, uno lo pasa por alto. Donde comienzas a preguntarte por qué mierda estás perdiendo tiempo, es cuando comienza a desfilar por la pantalla una docena de personajes poseedores de todos los clichés y estereotipos imaginables: un presidente blanquito y bien peinado, veterano de la Guerra del Golfo, buenazo a primera vista; un judío experto en computación que, oh, sorpresa!, descubre el plan de ataque de los extraterrestres en un pestañeo (a estas alturas, la raza superior invasora se convierte en un montón de peleles que al parecer no tienen mucha idea de tecnología); un piloto de color, buenazo también, medio héroe para sus cosas. Su pareja es una toplera redimida que carga con un crío cuya existencia da lo mismo para la trama. A ellos se suman en padre del experto en computación, que también es judío, pero muy simpático y deslenguado (quizás el único personaje salvable de la cinta, interpretado por el siempre brillante Judd Hirsch); la ex esposa del computín que ahora trabaja con el Presidente y que desde un comienzo sabemos que terminará enyugada otra vez al nerd de su ex pareja; un Ministro de Defensa turbio y promotor de las armas nucleares, ex combatiente alcohólico que busca recuperar el respeto de sus hijos... Y así, suma y sigue...

Después viene lo peor. Un espectacular y explosivo ataque a escala mundial que deja millones de muertos y algunos sobrevivientes habitando una tierra desolada y post apocalíptica. La bailarina exótica, su hijo y su perro se salvan jabonados de morir abrasados por el fuego, una onda de calor impresionante, que es capaz de levantar autos por los aires pero que (mágicamente) no le mueve un pelo a la mujer, ni a su bebé ni al perro que logra esconderse aún con la explosión mordiéndole la cola. A estas alturas, ya todo está hediondo a heroísmo gringo, vulgar, patético y sin sentido. Luego, y como era de esperarse, los pilotos sobrevivientes abordan sus aviones y se enfrentan a los aliens que están todos protegidos por campos de fuerza, lo que los hace indestructibles. Sólo el bueno de Will Smith logra derribar uno y más encima, aturdir al alien de un solo cornete en el hocico. Raro, si después descubrimos que lo que golpea es un exoesqueleto, es decir, le das a la armadura y aún así, dejas inconciente al que la lleva puesta... Último de rasca... Después, los sobrevivientes llegan al Área 51 (cómo no) donde por fin dan con la clave para eliminar las defensas extraterrestres: inyectar un virus de PC en la nave nodriza alienígena. Los escogidos para la misión son el computín judío y el piloto de color (eso sí se agradece, pues al menos no apareció Arnie, Sly o algún blondo general para salvar al mundo), mientras que el alto mando del ejército organiza un contraataque a gran escala en 24 horas y usando sólo clave morse... Risible, por decir lo menos. Uno, porque resulta increíble que a ningún otro país se le haya ocurrido usar ese medio de comunicación y otra porque... bueno, después del tremendo quilombo, armar un ataque de esa magnitud en tan poco tiempo... es una burla al espectador medianamente inteligente.

Pero lo más patético y detestable está en el discurso del Presidente Withmore (Bill Pullman) que, arengando a sus tropas, declara a los cuatro vientos que desde ese momento, el 4 de julio será considerado el día de la independencia mundial... Noooooo!!! Ahí si que todo se va definitivamente al carajo. Y más aún cuando lo vemos aborar uno de los aviones con que se realiza la secuencia de acción final... El piloto y el computín viajan al espacio en una nave alienígena capturada hace 50 años que, milagrosamente, aún se mueve, y que puede ser manejada tal como un avión después de chifladas refacciones implementadas a lo largo de cinco décadas por científicos que reconocen en la misma cinta, que no tienen idea cómo funciona realmente el aparato. Llegan a la nave nodriza e injertan el virus. La raza invasora superior, nuevamente, parece ser una porquería porque es afectada por un vulgar virus de computadora. Al parecer, a pesar de su avanzada tecnología, no manejan el concepto de antivirus. Le encajan un nuke, arrancan, vuelven a la Tierra y son testigos de la destrucción masiva de los invasores...

Tengo mis limítes. En serio. Y Día de la Independencia los sobrepasa con creces. Un mal concpeto, un mal guión, muchos efectos especiales y un resultado aburrido, atractivo visualmente, pero casi sin ningún contenido rescatable... Al parecer, al público general le gusta eso, no por nada ganó más de 300 millones de dólares y para mí, se ha convertido en el epítome y el síntoma claro del estado del cine gringo: poco guión, muchas secuencias explosivas, harto "pan y circo"... Desechable y totalmente prescinidible...

LA PELICULA
Día de la Independencia
(Independence Day)
Dirigió Roland Emmerich
Produjo Dean Devlin
Escribieron Dean Devlin y Roland Emmerich
Fotografía de Karl Walter Lindeldaub
Editó David Brenner
Música de David Arnold
Actuaron Will Smith, Jeff Goldblum, Bill Pullman, Mary McDonnell, Judd Hirsch, Robert Loggia, Randy Quaid, Vivica A. Fox y un montón de aliens con pinta de insectos…

Programa Doble

2009-04-28T22:13:00.000-07:00

LAS NIÑAS v/s EL LUCHADOR

Hace mucho tiempo atrás, tanto que ya no quiero acordarme, existían en Chile los llamados programas dobles, o incluso en algunos lados hasta programas triples...eso era en la época del cine rotativo en que uno llegaba y veía la película desde que la pilló y luego veía la colita que se había perdido al principio para entenderla bien, aunque igual uno la veía entera de nuevo. Pero llegaron las multisalas con sus palomitas con mantequilla y horarios definidos y se acabó el rotativo.

En fin, recreando esa vieja y nostálgica costumbre (en general soy un tipo muy nostálgico y romántico en el sentido de poder apreciar las pequeñas cosas que nos hacían felices...) voy a reseñar dos películas juntitas recién salidas del horno y enfrentarlas en desigual combate.

Ayer Martes fui a la avant premiere de "Las Niñas", ópera prima de Rodrigo Marín, mismo muchacho que hace un tiempo se mandó unas declaraciones acerca de esta película que decía más o menos que esta película no estaba hecha para el público chileno porque no tenían la sensibilidad artística para entenderla y creo que tiene razón, porque como buen chileno que soy a mí la película me pareció una lata intragable, pomposa, pretenciosa y patéticamente mediocre. Si no me creen, les voy a contar toda la película; Antonia llega a la casa de Sofía que parece que está enferma de cáncer, porque nada es claro, parece que son lesbianas, parece que son amigas, parece que se quieren y parece que Sofía le miente a Antonia de su enfermedad y parece que se siguen queriendo y por suerte..parece que terminó la película.

Una trama insulsa que se sostiene en diálogos en teoría interesantes pero que no son más que manierismos autorales destinados a hacer que jueces festivaleros sacudan la cabeza y que digan "hmm, parece que el muchacho quiso decir algo acá" pero en el fondo no hay más que reiterar posturas visuales, estéticas, sociales y cinematográficas manoseadas hasta la saciedad con el fín de parecer cine de autor, como el citar libros en pantalla o la ya escena obligada de los protagonistas fumando marihuana. La película en si no genera más rechazo por que Antonia Santa María de verdad se manda una buena actuación llena de emotividad, tanto que le alcanza para prestarle un poco a Sofía Oportot, una carismática persona que más que actuar es ella misma en pantalla.

El autor no contento con latearnos con una historia con menos ritmo que una gotera, nos hace ver una película con una fotografía plana y sin gracia, matizada con un par de escenas de pelambres que poco aportan al resto de la trama, salvo sacarnos un poco de la única locación donde transcurre la "acción". En resumen, una muestra más del cine chileno actual que ha logrado hacer que el espectador se divorcie cada vez más de las salas nacionales.

En su presentación un periodista amigo del director dijo que esta película había partido como un ejercicio del autor, a mi gusto..y a pesar de su presencia en varios festivales en calidad de muestra y un par de premios nacionales (que hacen cuestionar cada vez más el nivel de los mismos) es un ejercicio reprobado.

Lo único emocionante de haber ido a la premiere ayer fue el lamentable atropello que ocurrió frente al cine; pobre tipo, no quedó bien.

Por otro lado el domingo realicé otra nostálgica actividad de mi época de estudiante, gracias a la dinámica de los multicines, que es ir a ver una película y cambiarme de función para ver otra gratis. La beneficiaria de dicho fraude mínimo (si, lo reconozco, no soy un tipo con la moral de un santo) fue El Luchador de Darren Aronofsky.

Una historia dura de tragar, tanto que en varias ocasiones algunas damas espectadoras hacían gestos de que lo que veían superaba su tolerancia, y no es que tenga una seguidilla de imágenes ultraviolentas o crudas (salvo un tipo corcheteándose billetes en la cara...) sino que muestra la destrucción de la dignidad humana a tal nivel que a uno no le queda más que sacudir la cabeza y de verdad rezar porque no le pase a algún conocido suyo.

La historia trata de la vida actual de un luchador de lucha libre extrema, Randy "the Ram" Robinson (El carnero, pa quien no cache mucho inglés) y sus esfuerzos por parar la olla con cierta dignidad tratando de aprovechar la escasa fama que le queda después de haber tenido un pasado glorioso en los 80´s. Es en verdad un triste canto de cisne de un hombre que entrega su cuerpo y alma a una actividad que lo ha destruído pero que él sigue amando, o sea, el que nace chicharra muere cantando.

Hasta el más rudo de la sala de cine se emocionó cuando comienza a sonar "Sweet child o`mine" de Guns`n Roses en una de las escenas mejor construídas que he visto en mucho tiempo...de hecho bien se puede decir que toda la película no es más que el prefacio para la escena final.

Una fotografía naturalista pero no por eso descuidada, notables actuaciones de los actores principales (Marisa Tomei...guau!!) y una banda sonora cargada del hair metal ochentero, con frases notables como: "el rock de los 80 era lo mejor pero, llegó el mamón de Kurt Cobaín y lo cagó todo". Resumiendo una emotiva película que no solo nos trajo de vuelta a un buen actor como Mickey Rourke sino que emociona por la potencia de su historia.

El resultado de nuestro combate es: triunfo por paliza de El Luchador por sobre Las Niñas y solo con el esfuerzo de la cara destruída de Mickey Rourke

A MÉLIÈS CON CARIÑO: Flash Gordon

2009-04-22T09:32:00.000-07:00

La película más cara que se haya improvisado.

Título Original: Flash Gordon

Año: 1980

Director: Mike Hodges

Escrita por: Alex Raymond (creador del comic), Michael Allin y Lorenzo Semple jr.

Reparto: Sam Jones, Melody Anderson, Max Von Sydow, Topol, Ornella Mutti, Timothy Dalton y una manga de locos disfrazados en mallas.

Si yo les contara que Fellini iba a dirigir esta película de seguro me llamarían lisérgico, inmaduro o algún otro epíteto que revelase mi falta de credibilidad, pero es cierto...el director de arte de esta película había trabajado mucho con Fellini y Dino de Laurentis estuvo en algunas conversaciones que, por suerte para la carrera de Fellini, no dieron frutos. Es más, el director de esta película fue el octavo en la lista después de que los otros 7 previos renunciaran por diversos motivos, la mayoría causas directas de las técnicas matonescas y mafiosas de Dino de Laurentis y sus amigotes. La cosa es que no tengo ganas de entrar en pelambres con mi tío Dino porque en una de esas algún día trabajo con su hija que ahora está a cargo de la empresa (soñar es gratis) y prefiero hablarles de un poquito de cine pop corn para variar un poco.

Flash Gordon era primero un comic de la Golden Age, de esos que salían en los diarios a inicios del siglo XX y que después se pegó el salto a la pantalla grande como serie de matiné (Mi abuelita me contaba que ella no se perdía función de Flash Gordon en el cine Metro cuando era niña, claro que acá llegaba doblada al español ibérico como "Roldán el temerario"). Mi primer approach con Flash Gordon era una muy pulenta serie animada que daban en Pipiripao, de los mismos tipos que después hicieron He-Man y que utilizaban una técnica que después derivó en lo que los ñoños conocemos como motion capture pero que de hecho es más vieja que el hilo negro y que Walt Disney ocupó en Blanca Nieves, que era filmar actores reales y animar sobre sus movimientos... creo que me desvié un poco del tema pero bueno.

Flash era el héroe dorado por definición, el tipo perfecto, rubio, alto, de ojos azules, musculoso, educado y con un sentido de la caballerosidad y las buenas costumbres que ya lo querría el Porvenir de Chile para sus filas, representaba todo lo bueno del sueño americano y luchaba contra todo lo malo, perverso y corrupto encarnado en Ming el Despiadado, una mutación entre Fu-manchú, Hitler, Genghis Khan y otros modelos dictatoriales de la época de los 30. Flash Gordon era tan ABC1 que en el comic original era un jugador de Polo...en esta película lo pusieron mas Pop y lo transformaron en mariscal de Campo de los New York Jets y le decían Flash porque era..como el rayo.

La trama en si es demasiado pueril así que había que tenerle bastante cariño al personaje y al cine de matiné para dejar pasar todas las incongruencias físicas, teóricas y estéticas de Flash Gordon. Ming, Senador vitalicio...digo, tirano del planeta Mongo mueve su planeta (afírmate Carl Sagan) hasta las proximerías de la Tierra con la intención de jugar un poco y provocar unos cuantos cataclismos como granizo caliente, huracanes y terremotos para su divertimento. En la tierra, el doctor Hanz Zarkov, ve que los cataclismos podrían ser provocados por una entidad extraterrestre con tendencias marxista leninistas que amenaza el estilo de vida americano así que construye una nave espacial para ir a pararle el carro a dicho personaje, justo justo justo, el avión en donde viajaban Flash Gordon y la guapa periodista Dale Arden (una candorosa Melody Anderson que acompaño varias de mis fantasías infantiles..) cae en el patio de la casa de Zarkov y los invita a viajar al espacio para salvar el mundo y así luego de un trip alucinógeno más cercano a algún pasaje del submarino amarillo de los Beatles que a un viaje espacial; Flash, Dale y Zarkov llegan a Mongo en donde Ming quiere puro casarse con Dale, Aura la hija de Ming (Ornella Mutti...cosiiiita) se quiere puro comer a Flash y como Zarkov anda puro weveando, le borran la memoria y lo dejan de esclavo, luego Flash se une a los disidentes de Mongo, el principe Varin (Timothy Dalton)una especie de jefe de los Robin Hood interestelares y Zultan el príncipe de los hombres halcón..viene la batalla final, se salvan los buenos, mueren los malos y la tierra se salva. La raja no?

La pregunta del millón es..¿cuál es la gracia?. La música de Queen?, Ornella Mutti mas guapa que nunca enfundada en trajes de latex rojo y botas con taco de aguja?, Max Von Sydow demostrando que aún en papel mas insulso es un tremendo actor?. La trama pueril, los efectos especiales de mala factura? la sobrecargada dirección de arte?..para nada, cinematográficamente esta es una película de mierda, pero tiene ese olor a matiné que hecho tanto de menos... Como todos mis ávidos lectores deben saber soy un Coquimbano trasplantado a Santiago cuando niño y si bien el cine de provincia lo tengo grabado en el código genético y ha marcado mi caracter de por vida, había algo en en Santiago que es uno de mis más gratos recuerdos de infancia; el cine Huelén.

En una época compleja en mi infancia, en medio de los 80, con temporales, peloteras, protestas, cesantía al chancho y una crisis económica de verdad, no como este ataque de pánico bancario... Mi papá tenía un trabajo esclavizante en una empresa de computación que practicamente no tenía horarios y muy seguido tenía que trabajar los sábados y para no perder tiempo familiar me llevaba con él y cuando la cosa se ponía latera en la oficina (dicho sea de paso, conocí internet a mediados de los 80 en los Vax monocromáticos con base Unix) me llevaba al cine Huelen que quedaba a la vuelta de la esquina y ahí me devoraba los programas dobles de matiné, no sé por qué pero parece que no tenían mucho stock porque siempre repetian 2 o 3 películas en los programas dobles y una de esas era Flash Gordon, debo haberla visto unas 6 veces en la pantalla grande y si me gusta esta película es porque me recuerda aquella época en que uno simplemente se dejaba llevar y se entretenía, no se cuestionaba cosas, los malos eran malos por que si y los buenos eran buenos porque era lo que se tenía que hacer y uno se creía Flash Gordon o Remo Williams (por favor recuérdenme hablarles de esa película) y llegaba a la casa alucinado y soñando ser héroe.

En fin, esta película es muy buena porque me recuerda una época en que ir al cine era simplemente un momento de entretención que mi papá me brindaba cuando no podía estar conmigo, en suma, una muestra de amor.

Así que los invito a desempolvar esta viejuja película de donde sea que esté guardada... lo malo es que es una película que al igual que la abominable Superman IV no está en nigún video club, como que era tan malita que nadie quiso distribuirla en video...

Pero hay lugares en internet donde se puede descargar (algunos pagando) y saquen a su niño o niña interior y disfruten de una película solo por el placer de pasar el rato

Chrysalis (2007)… El cine francés aún tiene algunas sorpresitas…

2009-04-13T23:06:00.000-07:00

Es difícil aún para mí concebir que los franceses, tan buenos para hacer cine cabezón, metafísico y seriote, se estén poniendo las pilas y “vendiéndose” al mainstream. Claro, siempre en su particular estilo, con comedias que aunque comerciales, no dejan de ser inteligentes, filmes de acción y artes marciales como El Pacto de los Lobos (Christophe Gans, 2001) y hasta algunos experimentos de terror y ciencia ficción, siempre con el sello artístico de los galos que se caracterizan en general por historias bien contadas, guiños a sus maestros de décadas pasadas, brillantes bandas sonoras, una fotografía más que trabajada y temáticas un tanto complejas. Claro, todo esto mezclado con las enseñanzas del mercado hollywoodense que ellos toman, meten en una batidora junto a su propia historia en 35 mm. y que luego destilan para obtener resultados sorprendentes.

Chrysalis no escapa de esta nueva fórmula. Que si quieren vender o venderse o arrendarse al sistema, es cosa de ellos. Yo, en lo personal, alabo estos intentos de llegar a una mayor cantidad de público sin dejar de lado las particularidades de la propia historia, de la propia idiosincrasia. Y el señor Leclercq algo logra con su ópera prima, una cinta de ciencia ficción. Estamos en el año 2025. Un policía con oscuro pasado llamado David Hoffman (Albert Dupontel, que pueden ubicarlo en Irreversible y Un Romance Eterno), sigue el rastro de de Manon (Mélanie Thierry), una chica que aparentemente había muerto hace algunos años, pero que parece viva y coleando, pero con unas extrañas marcas en el párpado izquierdo. Unido a la fuerza a otra policía (Marie Guillard) comienza a investigar el caso, que al poco rato, se ve enraizado al criminal Dimitri Nicolov, quien probablemente es también el asesino de la esposa de Hoffman. Las pistas los llevan a una clínica de cirugía plástica dirigida por la doctora Brügen (Marthe Keller) en la que se están realizando oscuros experimentos no sólo para extender la vida física, si no que también para preservar la memoria y los recuerdos. Es así que Hoffman descubre que parte o toda su existencia anterior ha sido borrada y cambiada por falsos recuerdos, mientras prosigue, con tozudez espartana, la búsqueda del secreto oculto detrás de Manon que, por cierto, también es el suyo…

Con esta premisa, Chrysalis avanza entre secuencias de acción muy bien medidas, diálogos un tanto estereotipados, actuaciones dignas y por supuesto, una banda sonora perfecta y un trabajo de fotografía abrumador, opresivo y asfixiante, capaz de sumergir al espectador en la oprobiosa realidad del año 2025 en colores opacos que ahondan la exhaustiva y terrible búsqueda de Hoffman. Y aunque en la cinta podemos encontrar incontables similitudes con otras películas del género, lo cierto es que se deja con ver agrado y que la hora y media que dura se pasa volando.

Además, se agradece el talento del director para evitar a toda costa las secuencias tipo Matrix a las que la galucha juvenil (bueno, ahora ya no tanto, jejejeje) se había acostumbrado. Con sobriedad y estilo, nos presenta interesantes secuencias de acción en las que el trabajo de cámara supera toda expectativa, convirtiendo estas secciones en piezas delicadas y correctamente tratadas.

Se las recomiendo. Un cine que aunque con su carga de influencias anteriores, todavía es interesante y aporta lo suyo a un género que de tanto en tanto, luce de capa caída, pero que gracias a estos singulares experimentos, logra volver a flotar en la superficie…

LA PELICULA
Chrysalis
(Chrysalis)
Dirigió Julien Leclercq
Produjo Franck Chorot
Escribieron Julien Leclercq, Nicolas Peufaillit, Franck Philippon y Aude Py
Fotografía de Thomas Hardmeier
Editó Thierry Hoss
Música de Jean-Jacques Hertz y François Roy
Actuaron Albert Dupontel, Estelle Lefébure, Marie Guillard, Marthe Keller, Mélanie Thierry, Alain Figlarz y otros tantos franchutes en roles secundarios…

Cuando los Dinosuarios Gobernaban la Tierra XII

2009-04-06T17:08:00.000-07:00

Anthony Phillips - Wise After the Event (1978)

Últimamente me estuve acordando de los discos que me marcaron cuando era chico, cuando recién estaba entrando en el maravilloso mundo del rock progresivo. Y uno de los primeros que se me vino a la mente, fue este Wise After the Event, el segundo álbum solista de Anthony Phillips, más conocido por la fanaticada prog como el primer guitarrista de Genesis.

Ok, debería haber empezado por comentar un disco de Genesis antes de hablar de Phillips, pero como este es un blog de amigos y cada quien hace lo que se le viene en gana, empiezo por este discazo que si bien no es tan-tan-tan prog, tiene los elementos básicos del estilo y nos muestra la introspectiva, pacífica y talentosa personalidad de Mr. Phillips que de muchacho estuvo en las filas de Genesis, junto a Mr. Gabriel y compañía, pero que no pudo soportar la presión de las giras y el público. Sufrió una crisis nerviosa y optó por convertirse en un ermitaño, y aunque la volada le duró varios años (no ha hecho muchas presentaciones en vivo), volvió a la música -por suerte- en la segunda mitad de los 70, con un discazo de aquellos llamado The Geese and the Ghost (1977), con bastantes influencias medievales y un par de temas grotescamente hermosos e inolvidables.

Al año siguiente, se despacho esta joyita, un disco entrañable, íntimo, reflexivo, medio ecologista, delicadamente melódico... Un manjar para disfrutar en silencio, a oscuras en una habitación, ojalá en vinilo. Y a pesar de la quietud de sus pistas, aún posee secuencias maravillosas en donde sus complejas escalas y armonías salen a relucir en gloria y majestad, de la mano de soberbias secciones de piano y guitarra.

Ya habrá tiempo de comentar sus maravillosas Private Parts and Pieces o aquel discazo que hizo con Guillermo Cazenave, The Fields of Englewood... Por ahora los dejo con este ALBUM, así con mayúsculas, una pieza monumental del progresivo, de la mano de uno de los guitarristas más talentosos, sensibles y mágicos de la escena prog mundial. Si lo ven por ahí, no duden en hacerse de él. Es una verdadera y completa obra de arte, desde sus primeros acordes hasta su maravilloso y tenue final...

EL DISCO
1. We're all as we lie (4:34)
2. Birdsong (7:30)
3. Moonshooter (5:52)
4. Wise after the event (8:45)
5. Pulling faces (4:32)
6. Regrets (5:15)
7. Greenhouse (3:00)
8. Paperchase (5:28)
9. Now what (are they doing to my little friends)? (8:30)
Bonus track en el CD:
10. Squirrel (4:28)

LOS MUSICOS
- Anthony Phillips / voz y armónica
+ Perkin Alanbeck / sintetizadores (2)
- Mel Collins / saxo (1), flauta (2)
- Jeremy Gilbert / teclados (7), arpa (9)
- Michael Giles / batería
- Rupert Hine / percussion, coros
- John G.Perry / bajo
- Robin Phillips / oboe
- Rodent Rabble / sonidos
- Humbert Ruse / batería (7)
- Vic Stench / bajo (7)
- The Vicar / guitarras, teclados
Orquesat conducida por Gilbert Biberian, arreglos de Anthony Phillips (6)

INFO DEL DISCO
Cd. Virgin OVD 322 (1991) / Cd. Virgin 261 069

Deathwatch (2003)... Entre la guerra, la paranoia y buenas intenciones

2009-04-01T18:31:00.000-07:00

Son escasas las películas que se arriesgan a hacer terror y suspenso fuera de los parámetros "normales" (por llamarlos de algún modo), establecidos, en especial, por la poderosa maquinaria gringa que nos bombardea con cintas de este tipo producidas en cadena, muchas de ellas, de poca calidad y destinadas al público adolescente y chillón de la galucha.

Deathwatch es uno de esos filmes que se sale de la norma. Aunque ni tanto. Proviene del Reino Unido y es una coproducción con Francia y Alemania, así es que por ahí va la mano. Todavía los que las llevan con buenas, interesantes y terroríficas ideas para hacer terror en estos momentos, son los japoneses. Pero las buenas ideas e intenciones también vienen de otras latitudes y hy que reconocer que en Europa, se han hecho experimentos criticables, pero al menos jugados e innovadores. Y Deathwatch es una de esas pruebas de fe, bastante digna por lo demás. Hay un par de actores conocidos por ahí. El protagonista es Jamie Bell, que luego de la entrañable Billy Elliot (2000), se metió en este proyecto del director y guionista Michael J. Basset, emplazado en medio de la Primera Guerra Mundial. Un grupo de soldados ingleses se halla a la deriva en medio del campo de batalla, entre neblina, humo, cadáveres y alambrados. Logran llegar a una trinchera laberíntica en donde se refugian. Descubren que es alemana y no tardan en percibir extraños sonidos y situaciones que desembocan en el hallazgo de un soldado germano con el que el joven soldado Charles Shakespeare (Bell) trata de comunicarse en francés. Durante la primera noche, la locura se desata. Los alambres de púas se convirten en brutales armas manejadas por una misteriosa fuerza, terminan con la vida de un tropa y a partir de agí, se genera la locura y la paranoia del destacamento inglés, partiendo por el desequilibrado comportamiento del Capitán Jennings (Laurence Fox), el salvajismo desatado del soldado Quinn (Andy Serkis, sí el mismísimo Gollum), la locura del soldado McNess y el extraño y atemorizante comportamiento del soldado Bradford (Hugh O'Connor), todo complementado por el comportamiento cada vez más errático del soldado alemán que tiene más injerencia en la histora de la que en un primer momento, sospechamos... Así, el espectador es testigo de la rápida degradación de los personajes de esta cinta, uno de cuyos mayores logros es justamente, la notable y putrefacta ambientación de la sucia trinchera alemana, asediada por la muerte, la lluvia sempiterna y despojos apenas reconocibles del mundo civilizado.

Ya lo dije, es un buen experimento, pero algo fallido. Hay influencias bastante notorias en su desarrollo y construcción. Por ahí hay algo de The Keep (1983), el notable y subvalorado debut de Michael Mann en el cine. Algo de Clive Barker también, en esa monstruosa animación vital de los alambrados; y algo también de la locura deforme de El Pelotón Perdido (1983, David A. Pryor). Un mix variopinto que se salva eso sí, por un par de elementos notables, la ya mencionada ambientación que logra con creces dotar cada minuto de una correcta sensación de claustrofobia y opresión, un delicado trabajo fotográfico que esboza el terror siempre oculto de la demoníaca trinchera y las actuaciones de la mayor parte del elenco, en especial del joven Bell, que logra traspasar al espectador el temor y la confusión de un personaje que no entiende mucho de lo que lo rodea, pero que intenta mantener sus convicciones en pie.

Y bueno, la segunda lectura es la de siempre: la guerra es una mierda, mata el cerebro, pone a hermanos contra hermano y toda esa sarta ética de film antibélico. Mejor es pensar en que, a pesar de sus defectos y varios hoyos en el guión, la peli se sostiene como un correcto film de terror y suspenso en un ambiente atípico, pero que de todas maneras, es en el que más horrores se ven...

LA PELICULA

Deathwatch
(Deathwatch)
2003
94 minutos
Dirigió y escribió Michael J. Basset
Produjeron Mike Downey, Frank Hübner y Sam Taylor
Fotografía de Hubert Taczanowski
Música de Curt Cress, Chris Weller y Robert Lane
Editó Anne Sopel
Actuaron Jamie Bell, Hugo Speer, Matthew Rhys, Andy Serkis, Rúaidhrí Conroy, Laurence Fox, Dean Lennox Kelly, Hugh O'Connor, Hans Matheson, Kris Marshall, Mike Downey y varios maniquíes envueltos en alambre de púas…

El Quinto Infierno (2000)... o el síndrome de los hermanos gatillo loco...

2009-03-30T16:24:00.000-07:00

Fue mi queridísimo amigo Pepe Ossandón quien me recomendó esta peli, hace varios años ya. Aquí en Chile, había pasado inadvertida. No es raro. Ni la crítica ni el público acompañaron esta interesante cinta de vigilantes, asesinos, venganza, tradición católica, reencuentros... En fin, por lo menos a su director parece haberle tincado el tema porque se rumorea que está preparando una secuela. Hay que ver qué pasa.

No hay mucha info de Duffy desperdigada en la red. Es músico más que cineasta. Por ahí hizo un documental, por allá algunas cosas para TV. Nada del otro mundo. Y sinceramente, El Quinto Infierno o The Boondock Saints (un título original mucho más acertado que esa incorrecta versión en español), a simple vista no tiene muchas gracias. Hay que verla con un poquito de calma, algo de humor y estar preparado para encontrar muchas referencias y similitudes con otros filmes de mafia y acción. En primera, un estilo un tanto tarantinesco para narrar la historia. Los saltos temporales contribuyen a involucrarse en la historia, mostrando dos principales líneas paralelas: por un lado, la trama de dos hermanos gemelos, Conner y Murphy McManus (Sean Patrick Flanery y Norman Reedus), de ascendencia irlandesa y católicos fervientes. Trabajan en un carnicería de Boston y a los pocos minutos sabemos que su madre fue salvajemente asesinada hace algunos años. Los muchachos son buena gente y muy amigueros. Es durante la realización del Día de San Patricio que junto a otro piño de borrachos irlandeses, descrestan a un par de prepotentes mafiosos rusos quienes poco más tarde, buscarán venganza. Pero van por lana y salen trasquilados y luego de una interesante secuencia de acción (que incluye el lanzamiento dea taza de baño desde un sexto piso, para aplastarle la cabeza a uno de los rusos), los hermanitos McManus se ven envueltos en una serie de hechos que los llevan a decidir tomar la justicia en sus propias manos.

La otra historia: Las brutales muertes de los mafiosos rusos comienzan a ser investigadas por el agente especial del FBI, Paul Smecker (Willem Dafoe), un tipo amanerado, muy inteligente y bastante sarcástico. Él, junto a la policía de Boston comenzarán la búsqueda de los asesinos de los rusos. Nuevos crímenes se suceden, todos ellos involucrando la muerte de delincuentes de diversa calaña. Así, Smecker y compañía deducen que nada es coincidencia si no que todas aquellas muertes corresponden a un mismo asesino.

Además, se suma la aparición de Papa Joe Yakavetta (Carlo Rota), el capo mafioso de la ciudad que también hará lo posible por dar con el paradero de los misteriosos y casuales justicieros.

A través de una estructura narrativa basada en el media res, Duffy alterna pequeños saltos en el tiempo para dar mayor efectividad a la acción. En medio, algunas secuencias de antología, como el carrete en el departamento de Roc (David Della Roco), el amigo fiel de los McManus, luego de una espectacular matanza en el interior de un hotel, y por supuesto, el tiroteo en el que se enfrentan a un temible exterminador. Nada más. Tienen que ver el resto.

Sin ser una película descoyante, cumple con el siempre necesario objetivo de entretener, de sostenerse por casi dos horas en base a personajes queribles, interesantes secuencias de acción, algunos estrereotipos que no encajan mucho con la historia, pero que de todas maneras funcionan y aportan. Nada mal para un debut de bajo presupuesto, que se la juega por el tema de la justicia fuera y hasta en contra del sistema, atreviéndose a opinar (aunque tenuemente) en torno a la posibilidad y facultad que todo ser humano podría tener, de tomar el toro por las astas y dejar de esperar que jueces y policías funcionen de una buena vez. Y ahí, tenemos para discutir hasta que nos de hipo...

Ah! Y además, para los más freaks, un dato. En un papel secundario, como un mafioso y italiano con aspecto de proxeneta, nuestro querido y recordado actor porno Ron Jeremy... Un rareza de aquellas para una película que, a estas alturas, tendría bien merecido el rótulo de "de culto"...

LA PELICULA

El Quinto Infierno

(The Boondock Saints)

2000

110 minutos

Dirigió y escribió Troy Duffy

Produjeron Elie Samaha, Lloyd Segan, Robert Fried y Chris Brinker

Fotografía de Adam Kane

Editó Bill DeRonde

Música de Jeff Dana

Actuaron Sean Patrick Flanery, Norman Reedus, Willem Dafoe, Carlo Rota, BIlly Connolly, David Della Roco, David Ferry, Brian Mahoney, Bob Marley, Ron Jeremy y caleta de locos con cara de irish men...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Japón (2002)

2009-03-27T21:59:00.000-07:00

La Mirada Omnipresente de Reygadas

Es una rareza. Un fenómeno. Esas cosas que sólo ves en Cannes o Berlín. No tienes otra opción. Bueno, de repente por un rajazo divino (no del dios común y corriente), una peli como esta tienes la suerte, la gran y tremenda suerte de encontrarla en DVD. O en el cable. Es una apuesta extraña para ojos nuevos, para terráqueos acostumbrados a fórmulas fáciles, a recibir la comida masticada... No tanto así para los más avezados, pero aún así desconcertante...

Carlos Reygadas, joven director mexicano al que tuve la oportunidad de conocer, nos brinda una opera prima de aquellas. Tipo inteligente y bien formado, opta por una apuesta tarkovskiana para contar la historia de un tipo común y corriente que va en busca de la muerte. Cojea y avanza con su muleta por los territorios más rústicos de México, buscando un lugar en dónde echar sus huesos, hasta que después de algunos encuentros con diversos personajes puros y naturales, se relaciona con una anciana que lo acoge en una "ruquita" en medio de las montañas. Los hijos de la vieja quieren verla morir pronto para quedarse con la ruca o venderla. El hombre se encariña con la vieja. Le apestan las malas intenciones de los hijos. La trama se desata... de manera insospechada...

Reygadas, a una edad casi pendeja (cual pinche cabrón), apuesta por las secuencias larguitas y remolonas en la onda de Tarkovski. Visiones fantasmagóricamente amplias de un paisaje agobiante; retratos naturalistas de personajes reales, la quietud y el movimento de la cámara muy medido y simbiótico... Naturalismo probo en hombres, mujeres e instancias que retrata con su cámara pero que no pertenecen a escuelas de teatro, ni tienen contacto alguno con esas expresiones un tanto manoseadas y pasadas por embudo. No. Reygadas se la juega, tal como se la jugaba el tan manoseado Tarkovski. El manoseado Cassavetes. El manoseado Warhol. Reygadas utiliza el plano secuencia y los contrastes y los silencios y los colores y cada detalle en sus planos en pro de una historia sencilla y la cuenta a través de recursos audiovisuales tan básicos como olvidados. Reygadas trabaja con la imagen, señores... Con la imagen...

Bueno, toda esa diatriba demagógica de Tarkovski y sus secuaces fue simplemente porque existe una gran cantidad de directores que se llena la boca con ellos y con suerte han leído sinopsis en Wikipedia. Y es aún más grande la cantidad de comentaristas de cine que hace lo mismo. A la mierda con ellos. Reygadas, se nota, vio, estudió y homenajeó. En Japón se pecibe aquella vibra exquisita, sincera y ofrendada. Una tromba de sensaciones y viajes heroicos a través de planos tan austeros como significantes. Para un viejo cinéfilo como yo, un manjar olvidado como este, es un manjar consumible sin fecha de vencimiento...

LA PELICULA

Japón

(Japón)

2002

136 minutos

Dirigió y escribió Carlos Reygadas

Produjo Gerardo Tagle

Editaron Daniel Melguizo, Carlos Serrano y David Torres

Música de Gilles Laurent

Actuaron Alejandro Ferretis, Magdalena Flores, Yolanda Villa, Martín Serrano, Rolando Hernández y varias personas... Muchas personas que no actúan...

Hellboy (2004)... Un demonio que tiene corazoncito...

2009-03-25T09:57:00.000-07:00

Si hay una gracia que tiene el director mexicano Guillermo del Toro es que es capaz de trabajar con abultados o escasos presupuestos, pero obtiene siempre excelentes resultados, todos ellos basados en ideas sólidas y bien llevaditas de la mano hasta llegar a la boletería del cine.

Desde que hizo la perturbadora Cronos (1993), su nombre comenzó a ser comidilla de los grandes estudios y de los fanáticos del sci fi y el horror. Pero no fue si no hasta el 2001, cuando realizó la sobrecogedora El Espinazo del Diablo, que comenzó su producción sostenida gracias al reconocimiento de la crítica y el público, tanto como director, escritor y productor. Poseedor de un estilo muy ligado al comic, ágil aunque no por ello desprolijo, preocupado por sus personajes y por mantener al público en vilo en cada secuencia, del Toro ha convertido sus filmes en deliciosos productos que si bien han alcanzado al gran público, son la droga de los más adeptos a la fantasía y la la ciencia ficción. Y aunque en su filmografía destacan obras iluminadas como el "espinazo" ya mencionado, y la premiada y alabada El Laberinto del Fauno (2006), desde hace semanas que ando con la bala pasada con el comic y por supuesto con Hellboy.

Iba a comentar la parte dos primero, pero una no es nada sin la otra, así es que empecemos "por el principio". Del Toro toma el comic que desde inicios de los 90 vienen realizando Mike Mignola y John Byrne. Es una historia que comienza el año 1944, cuando una secreta logia nazi encabezada por Grigori Rasputin (Karel Roden) y el sádico Karl Kroenen (Ladislav Beran) buscan traer del otro mundo a los Ogdru Jahad (los Siete Dioses del Caos) que esperan atrapados en otra dimensión. Sin embargo, una tropa de soldados estadounidenses encabezados por el profesor Trevor Bruttenholm impiden que la ceremonia se concrete. Pero algo ha traspasado la barrera dimensional, un pequeño demonio de piel roja y cuyo brazo de derecho es de piedra, y que es adoptado por el profesor y bautizado por la tropa como Hellboy.

Pasan 60 años y un adulto Hellboy (Ron Perlman) forma parte del Departamento de Defensa e Investigación Paranormal, encabezado por un envejecido Bruttenholm (John Hurt) y en donde comparte labores con otros "fenómenos" como el anfibio Abe Sapiens (Doug Jones) y la pirokinética Elizabeth Sherman (Selma Blair), soportando la burócrata y desafiante postura del comandante del áera, un tal Tom Manning (Jeffrey Tambor). Aquí descubrimos que Hellboy está enamorado de Liz, que lima sus cuernos ara verse un poco más "humano", que está cansado de vivir en secreto aunque se ha pasado la vda salvando a la raza humana. Es en esta situación que Rasputin vuelve a aparecer con la convencida intenición de traer a este mundo a los Ogdru Jahad utilizando a Anung Un Rama (que no es otro que el mismísimo Hellboy), cuyo pétreo brazo derecho esla llave para abrir las puertas del infierno.

Basándose principalmente en la novela gráfica Hellboy: Semilla de Destrucción, del Toro nos sumerge con asombrosa facilidad en el mundo de este humanizado demonio, fanático de los chocolates, de los gatos y de los habanos, enamorado secretamente y cuyo sarcasmo aflora en todo momento. Con secuencias de acción de acabada factura y bien dosificadas, juega con el misterio y alusiones directas a Lovecraft, Machen y otros autores de los fantástico y lo horrendo, convirtiendo muchas secuencias en un deleite para los fanáticos de la literatura y también del celuloide.

No pudo haber mejor elección para el rol principal que la de Ron Perlman, que nos ofrece un Hellboy sumamente parecido al del comic, sumándole algunos aditivos que lo convierten en un personaje querible y atrapante. Es más, el casting funciona de maravillas, pero destaca especialmente el carácter de Kroenen, un sádico desalmado y silencioso que practica cirugías horrorosas en su mismo cuerpo, maldito y maldecido por los demonios y por el tiempo. Bueno, los que se quedaron pegados con el personaje deben saber ya que volverá a aparecer en la tercera entrega de la saga, misma que del Toro ya está planificando así como también en ua posible cuara parte, pero que se han visto postergadas por la realización de El Hobbit, que será exhibida en dos prometedoras entregas los años 2010 y 2011. Por ahí también se rumorea que está metido en interesantes proyectos que sería fascinante ver surgir de su mano y pulso como una nueva versión de Frankenstein, Dr. Jeckyll and Mr. Hyde, Matadero Cinco, en base a la inmortal obra de Kurt Vonnegut, y Drood, en base a la novela de otro maestro de la fantasía que es Dan Simmons.

En fin, Hellboy es de esas películas que da gusto ver una y otra vez, mezcla casi perfecta de fantasía, drama, acción y ciencia ficción, llena de referencias para los más avezados, pero que no empañan el correr de este film que sin lugar a dudas, es uno de los mejores realizados en base a un comic. Bien por del Toro, uno de esos directores que con extremo talento se ha ganado un más que merecido espacio en la mitología cinéfila actual.

LA PELICULA

Hellboy

(Hellboy)

2004

122 minutos

Dirigió Guillermo del Toro

Produjeron Lawrence Gordon, Lloyd Levin y Mike Richardson

Escribieron Guillermo del Toro y Peter Briggs, basados en las novelas gráficas y personajes creados por Mike Mignola y John Byrnes

Fotografía de Guillermo Navarro

Editó Peter Amundson

Música de Marco Beltrami

Actuaron Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones, John Hurt, Karel Roden, Ladislav Beran, Jeffrey Tambor, Rupert Evans y varios extras desfrazados de nazis o de agentes secretos...

Beetlejuice (1988)... o cómo me convertí en un fanático de Tim Burton

2009-03-24T09:28:00.000-07:00

Hoy desperté con bajón de Tim Burton. Como el fin de semana con Cindy vimos Sweeney Todd, The Demon Barber of Fleet Street (2007), me quedé pegado con la casi siempre maravillosa cinematografía del viejo Tim, su humor negro, sus (casi) siempre deliciosas andanzas como director, guionista y/o productor que han concretado algunos de los momentos más memorables del séptimo arte en las últimas décadas.

Creo que aún Burton es por sobre todo, un adulto con alma de niño. Se nota en los temas que trata, la forma de mirarlos, de esbozarlos, de proyectarlos a la audiencia. Incluso en un film tan "serio" como Big Fish (2003) se nota esa mirada inocentona y cándida. Traspasar a la pantalla grande aquellos sueños, deseos y pesadillas infantiles tratando de mantener la misma percepción de la pubertad más insigne es una tarea que Burton ha sabido llevar con claridad, tino y mucho oficio.

Entre trazos oscuros, toques góticos, personajes insanos y homenajes varios, el viejo Tim ha convertido su filmografía en la filmografía de muchos fanáticos del cine que jamás han tomado una cámara, esa legión de freaks colgados de mucho cine bastardo, de baja estofa, escasa calidad, pero muy buenas ideas. Burton sembró su semilla en esas páramos medios lóbregos y transformó sus cintas, o nosostros la transformamos, en himnos y metraje de culto para una legión de nostálgicos esbirros del cine de trasnoche.

Una vez que su arte fue rentable, después de algunos cortos y la freakiada Pee Wee's Big Adventure (1985), Burton se despachó esta joyita del humor negro, inolvidable y signada por uno de los personajes más desfachatados y desenfrenados de los últimos tiempos. La historia es trastornada desde el comienzo. Barbara y Adam Maitland (Geena Davis y Alec Baldwin) se trasladan a una solariega casita de Nueva Inglaterra. Ambos fallecen en un accidente y sus almas se quedan penando en el lugar. El asumir el fantasmazgo obligado, el vivir en el limbo, se ve interrumpido por la aparición de la familia Deetze, burgueses extravagantes que rompen la paz en la que los Maitland pretenden pasar sus años de espectralidad. Al poco tiempo, establecen amistad con Lidia (Wynona Ryder), la hija de la pareja, una chica gótica y con tendencias suicidas. Hasta ahí, los problemas no son tan graves, pero en busca de fórmulas para echar a los Deetze de la casa, los Maitland se topan con Bethelgeuse (Michael Keaton), un bioexorcista descarado y neurótico que se enamorará de Lidia, convirtiendo sus acciones en una bomba de tiempo...

Beetlejuice es una cinta extremadamente divertida, morbosamente insana, llena de momentos notables y frases para el bronce. Juega con los elementos más básicos y atractivos del añejo cine de terror "B" que tanto le gusta a Burton. Y juega bien, encandilando con una historia ágil, plagada de guiños, sin pausas ni concesiones. El personaje de Beetlejuice es una tromba apestosa que encanta y provoca rechazo por partes iguales. Su acelerada coprolalia y rápidas intervenciones congelan al espectador en un rictus casi catártico constante. Un personaje sólido que deambula entre la oscuridad difusa del limbo, ls emociones sin control y fraseos cáusticos que no hacen si no provocar una constante sonrisa.

Una cinta memorable. Un film casi redondo, bien concebido y bien hechito, sin tanta ínfula ni presupuesto millonario. Una peli hecha con amor y convencimiento, apoyada en un guión sólido, complementada por una cinamatografía acabada, excelentes escenarios y decentes actuaciones. Un casi-debut espectacular para un director que posteriormente no hizo si no confirmar los pergaminos que se le otorgaron luego del estreno de esta memorable comedia de fantasmas...

LA PELICULA

Beetlejuice

(Beetlejuice)

1988

92 minutos

Dirigió Tim Burton

Produjeron David Geffen, Larry Wilson, Michael Bender y Richard Hashimoto

Escribieron Michael MacDowell y Warren Skaaren, sobre la historia de Michael McDowell y Larry Wilson

Fotografía de Thomas E. Ackerman

Editó Jane Kurson

Música de Danny Elfman

Actuaron Michael Keaton, Geena Davis, Alec Baldwin, Wynona Ryder, Catherine O'Hara, Jeffrey Jones, Sylvia Sidney, Glen Shadix y uno que otro fanstasma trágicamente fallecido...

Watchmen (2009)... Los superhéroes también se mueren...

2009-03-23T16:10:00.000-07:00

Debo reconocer que, hace años, cuando me enteré que algunos desequilibrados mentales pretendían llevar el comic book Watchmen al cine, me emocioné como un cabro chico. Y cómo no. Gracias a mi compadre Pupo había tenido la posibilidad de acercarme al oscuro mundo de Los Vigilantes y saber que por fin se convertirían en personajes tridimensionales, era algo que me sobrecogió.

Después pasé a la etapa del miedo. Era una locura. Una ridiculez ¿A quién se le ocurrió semejante brutalidad? Bueno, entre otros a Terry Gilliam y Darren Aronofsky, quienes formaron parte de proyectos anteriores que no llegaron a buen puerto, hasta que el cacho cayó en manos de Zack Snyder, la mano negra detrás de 300... Un tipo relativamente joven que, a legua, se le nota el gusto por la estética de las viñetas, pero al que consideraba falto de mayor experiencia. Y sépanlo, había que tener cojones para hacerse cargo de Watchemen, especialmente después que el mismísimo y legendario Alan Moore (uno de los cerebros del comic), declaró que no creía que su creación fuera filmable.

En fin, después de más de una década de partidas de caballo inglés, abandonos, dimes y diretes y muchas dudas, Mr. Snyder se hizo cargo de esta guagua no muy deseada. Y el producto, desde mi punto de vista, fue más de lo que esperaba, pero menos de lo que podría haber sido.

Dejemos de lado el comic para centrarnos en lo que se ve en pantalla. Los créditos de la peli nos dan a conocer parte del pasado de los Watchmen y de sus antecesores, los Minutemen. Sabemos que estamos en 1985 y que la existencia de superhéroes (algunos de ellos con verdaderos poderes, otros simplemente seres muy hábiles e inteligentes) ha alterado algunos hechos históricos. Estados Unidos triunfó en Vietnam gracias a la participación del Dr. Manhattan (Billy Crudup), antes conocido como Jon Osterman, y el presidente Nixon va para su cuarta reelección. En este ambiente, el agente secreto Edward Blake (Jeffrey Dean Morgan) es brutalmente asesinado en una secuencia de antología. El misterioso Rorschach (Jackie Earle Haley) llega hasta el lugar del crimen pues sabe que la identidad secreta de Blake era la de El Comediante, un miembro más de los Watchmen. Sospechando una vendetta en contra de sus compinches, comienza a contactarlos para darles a conocer sus temores, aún sabiendo que reunirse con ellos puede acarrearle graves consecuecias pues desde hace años, sus actividades han sido prohibidas y en cierta forma, están fuera de la ley. Es así como contacta a Night Owl (Patrick Wilson) que más parece un conformista veterano de guerra; Silk Spectre (Malin Akerman), la única mujer del grupo que está viva y que aunque está junto a Manhattan, no tiene una vida sentimental nada de agradable; y a Adrian Veidt, antes conocido como Ozmandyas (Matthew Goode), el único que dio a conocer su verdader personalidad al público y que se ha convertido en un potentado y reconocido empresario gracias a que también es "el hombre más inteligente del mundo".

Al mismo tiempo, un inminente enfrentamiento con la Unión Soviética desata otra línea de acción, que también se entrelaza con los flashbacks que nos muestran antecedentes de la evolución no sólo de estos equipos de heroicos defensores, si no que también de las personalidades particulares de cada uno, abriendo los ojos del espectador a las virtudes pero por sobre todo a los defectos de cada uno de ellos, sus psicopatologías y sociopatías desarrolladas tras décadas de ser testigos de lo más bajo de la raza humana.

Es en estas líneas que se desarrolla Watchmen. La estética es alucinante y de verdad se agradece el trabajo de fotografía que logra acercarse bastante al comic book. Pero hay ciertos importantísimos puntos de la traslación a la pantalla grande que se pierden, especialmente los flashbacks con que conocemos el pasado de cada uno de los personajes principales. Y si bien la historia "actual" se desarrolla correctamente, los ripios que se encuentran son producto de la débil exploración de la historia de estos humanos superhéroes.

Los que vayan en busca de una película de acción, perderán el tiempo. De que la hay, la hay, per en dosis medidas. El guión se centra más en los conflictos internos de cada uno de los personajes, ahondando en sus filosofías de vida, el peso de sus máscaras, el desprecio por la vida humana, sus no siempre heroicas motivaciones... Los mejores momentos de la película están justamente en las elucubraciones espúreas de Rorschach, los discursos volátiles del Dr. Manhattan y las palabras frías y desencantadas de Ozmandyas y El Comediante. Pero sí, las secuencias de acción igual están de chuparse los dedos por si quieren saberlo.

Mención a parte merece la selección de casting. El parecido entre los actores y los dibujos del comic es notable y bien logrado, además de una banda sonora y música incidental que acmpañan y elevan ciertas escenas a niveles de emoción insospechados.

En parte, Moore tenía razón. Era casi imposible llevar Watchmen a la pantalla grande. Pero el esfuerzo de Snyder y compañía bien valió la pena. No es una película redonda y para quienes leímos el comic, cojea en varias partes, pero el intento se agradece... y funciona. No perfectamente, pero funciona y se levanta como una película relativamente memorable, con una visual más que interesante, personajes bien estructurados aunque imcompletos, y llevdera aún con sus casi tres horas de duración. Con algunas reticencias, recomendable, pero sólo para cierto público...

LA PELICULA

Los Vigilantes

(Watchmen)

2009

162 minutos

Dirigió Zack Snyder

Produjeron Lawrence Gordon, Lloyd Levin y Deborah Snyder

Escribieron David Hayter y Alex Tse, basados en la novela gráfica homónima de Alan Moore y Dave Gibbons

Fotografía de Larry Fong

Editó William Hoy

Música de Tyler Bates

Actuaron Billy Crudup, Malin Akerman, Jackie Earle Haley, Patrick Wilson, Jeffrey Dean Morgan, Matthew Goode, Carla Gugino, Matt Frewer y un montón de secundarios que nadie conoce...

Una Guerra de Película (2008)... Sí, los gringos también se ríen de Vietnam y de sus actores...

2009-03-18T08:55:00.000-07:00

Me provocaba cierta desconfianza esta película. La cuestión es que la Cindy la eligió y bueno, la vimos. Y me reí como hace tiempo no lo hacía con una de estas comedias gringas que aún conservan la inteligente desfachatez de reírse de sus íconos, de sus dolores crónicos, de sus penas y fracasos pasados y hasta del mismo soporte sobre el cual trabajan.

Ben Stiller ha demostrado ser un tipo bastante inteligente al momento de hacer películas. El éxito generalmente lo ha favorecido, comenzando por Reality Bites (1994), un drama/comedia que reflejó de manera bastante sincera el sentir de la incongruente Generación X; la incomprendida y bastante oscura The Cable Guy (1996), que critica abiertamente el hipnotismo que produce la TV; y la desternilante Zoolander (2001) en donde se ríe abiertamente del mundo del modelaje, sin contar sus mútliples apariciones como guionista y poductor en otras tantas casi-rarezas del cine gringo y sus colaboraciones, amistad y locuras varias junto a sus panas Owen Wison, Jack Black, Will Ferrell, Danny De Vito, Vince Vaughn, Luke Wilson y Steve Carell. Hijo de comediantes y comediante por naturaleza, ha sabido compartir roles en filmes medianamente desechables con sus propias creaciones. Y una de ellas es esta, Una Guerra de Película, una cinta que parte riéndose de mucho filmes de guerra basados en el trauma de Vietnam, que también se burla de los actores famosillos que van en bajada, de los actores adictos al método Strasberg, de los raperos que incursionan en el mundo del cine, de los productores todopoderosos, de los agentes, de los actores neófitos, de los comediantes drogadictos... Una película llena de referencias a hechos y personajes recientes y hasta cercanos al mismo Stiller y que con bastante gracia y un guión inusualmente inteligente, sale muy bien parada luego de dos horas y varias secuencias más que divertidas.

Entre decenas de referencias a cintas de guerra, actores y momentos clásicos de la historia reciente del mainstream cinematográfico gringo, Stiller y compañía nos muestran el desastre en que se ha convertido la filmación de la cinta Tropic Thunder, basada en el libro homónimo del veterano de Vietnam John "Four Leaf" Tayback (Nick Nolte). El ego de sus actores ha retrasado la filmación en un mes, provocando la ira del coprolálico y pragmático productor Les Grossman (un irreconocible Tom Cruise, gordo, calvo y de brazos peludos) quien urge al inexperto director Damien Cockburn (Steve Coogan) a poner en línea a las conflictivas estrellas y terminar de una vez por todas la filmación.

¿Y quiénes son estas estrellas? En cada uno, encontramos caracterísiticas estereotipadas de varios famosillos de Hollywood. En primer lugar Tugg Speedman (Stiller), protagonista de masivas películas de acción que pretende levantar su carrera luego de desastrosas incursiones en películas dramáticas de escasa calidad. Kirk Lazarus (Robert Downey Jr.), multipremiado actor de carácter que se convierte en los personajes que interpreta, a tal punto de cambiar quirúrgicamente el color de su piel para interpretar el papel de un sargento de color en Tropic Thunder, que corresponde también al nombre de la falsa producción que están rodando. Alpa Chino (Brandon T. Jackson, con un nombre cuya referencia es más que obvia), un rapero sexualmente reprimido que hace su debut en el mundo del cine. Jeff Portnoy (Jack Black) un comediante que hace películas desechables (algo del cine de Eddie Murphy hay ahí), adicto a las drogas y con ganas de desencasillarse. Y el debutante Kevin Sandusky (Jay Baruchel), un desconocido secundario que realmente se ha tomado en serio la película al punto de ser el único que leyó el guión y el libro de Tayback.

Este es el elenco que a poco andar el film, será sometido a una situación de guerrilla casi real para terminar con sus salidas de madre y diferencias, sin imaginar que aquella aventura, terminará por enfrentarlos a sus propios vicios y temores y peor aún, a desalmados y muy reales productores de droga alojados en la selva vietnamita.

Parodiando sólidamente los patrones de los filmes de Vietnam y los estereotipos de algunas estrellitas hollywoodenses, Stiller y compañía desarrollan una serie de situaciones que echan por el suelo el heroísmo de esta película falsa que sólo sirve como excusa para abordar con cierta saña el despliegue de ego de sus protagonistas, atrapados en sus propios personajes, vicios y traumas con medidos toques de humor que si bien no alcanzan cotas desmedidamente creativas, funcionan a la perfección en el marco de una historia que aborda diversos temas sujetos a las más variadas críticas y sobr todo, burlas.

No sólo destaca el molesto rol interpretado por Robert Downey Jr., una pequeña joyita en su filmografía, si no que también las pocas, cortas pero cototas intervenciones de Nick Nolte y por supuesto el nada despreciable esfuerzo de Tom Cruise en el odioso rol de Les Grossman... un panqueque con harto manjar de un actor que en lo personal no me gusta, pero que aquí sale totalmente de sus clásicas interpretaciones para modelar un personaje a lo menos, detestable.

En fin, no son pocas las gracias de Una Guerra de Película, a estas alturas una comedia bastante digna, inteligente y recordable. No será un film que revolucione la historia del cine y menos el género, pero por lo menos se deja ver con agrado, invita a leer entre líneas y descubrir la infinidad de referencias que lujosamente despliega cada diez segundos. Y eso, a esta alturas del partido, es un logro que pocas comedias se pueden dar.

LA PELICULA

Una Guerra de Película

(Tropic Thunder)

2008

121 minutos

Dirigió Ben Stiller

Produjeron Stuart Cornfeld, Eric McLeod y Ben Stiller

Escribieron Ben Stiller, Justin Theroux y Etan Cohen

Fotografía de John Toll

Música de Theodore Shapiro

Actuaron Ben Stiller, Robert Downey Jr., Jack Black, Brandon T. Jackson, Jay Baruchel, Nick Nolte, Tom Cruise, Danny McBride, Steve Coogan, Matthew McConaughey, Bill Hader y un montos de orientales con cara de malos...

Cuando los Dinosaurios Gobernaban la Tierra XI

2009-03-16T09:34:00.000-07:00

Ayreon - The Human Equation (2004)

Después de un mes de pausa obligada, volví con toda la cuerda. En ese lapso, volví a revisar este alucinante disco que si bien no corresponde a la época dorada del rock progresivo, si posee elementos que lo relacionan directamente con la época más injundiosa del prog, convirtiéndolo en una de esas joyas de invaluable valor en la colección de cualquier melómano.

Ayreon es una de las tantas creaciones del multiinstrumentista y compositor holandés Arjen Lucassen. Su primer disco data de 1995 y se llama Actual Fantasy. Ahí ya hay señales de los elementos principales que marcan con fuego la música de Ayreon: narraciones y lyrics conceptuales, juegos entre diferentes estilos musicales, desde el metal, al prog sinfónico, pasando por algo de sicodelia y contundentes secciones instrumentales en donde preponderan los teclads y las guitarras, además de la participación de diversos músicos pertenecientes a un sin fin de agrupaciones mundialmente reconocidas.

Pero no fue hasta el año 1998 con la edición de Into de Electric Castle que el sello de Ayreon quedó bastante claro. The Human Equation no es sino la hasta ahora, mejor y mayor expresión del sentir musical de Lucassen y compañía, quienes con esta obra no sólo levantaron un sólido monumento al metal progresivo, si no que también revivieron en siempre complejo, criticado, vapuleado y a veces añejo género de la ópera rock.

En base a una decena de personajes, The Human Equation narra en más de 100 minutos de música el paso por el coma de un hombre luego de un accidente automovilísitco y las emociones por las que pasa mientras navega por su mente, por su presente y sus recuerdos. En forma paralela, conocemos también lo que pasa afuera de él, a través de lo diálogos de su esposa y su mejor amigo. Durante veinte días, viajamos a través de una increíble y variopinta gama de sensaciones, sentimientos, cruentas batalls internas, esperanza, tristeza, alegrías y dolor, guiados por letras de profundo contenido y constantes giros musicales que expresan sólidamente las diversas aristas de esta historia.

Así, Lucassen nos regala una obra mayor que si bien puede no ser para todos los gustos, dado sus sentido bastante ecléctico, si se destaca por la contundencia de sus interpretaciones vocales e instrumentales, en donde destacan las intervenciones de Devin Townsend, Mikael Akerfeldt, Marcela Bovio y Heather Findlay y por supueto, las brillantes dotes musicales de tipos como Ed Warby, Ken Hensley, Martin Orford y Jeroen Goossens. Todos ellos constribuyen a la construcción de un disco de poderoso sonido, redondo en el sentido formal y conceptual y por supuesto, de una moderna obra maestra que a pesar de ser generada desde los nuevos tiempos con todas las influencias e innovaciones de la época, posee la magia de los viejos clásicos.

En especial, para fanáticos del metal progresivo, pero muy recomendable para cualquier admirador de la buena música. Otro de los imperdibles de la última década... Les dejo la ficha técnica que es un poco larguita, pero vale la pena conocerla para sorprenderse con los monstruos musicales que participan de esta moderna ópera rock..

EL DISCO
CD 1:
1. Day One: Vigil (1:33)
2. Day Two: Isolation (8:42)
3. Day Three: Pain (4:58)
4. Day Four: Mystery (5:37)
5. Day Five: Voices (7:09)
6. Day Six: Childhood (5:05)
7. Day Seven: Hope (2:47)
8. Day Eight: School (4:22)
9. Day Nine: Playground (2:15)
10. Day Ten: Memories (3:57)
11. Day Eleven: Love (4:18)

CD 2:
12. Day Twelve: Trauma (8:59)
13. Day Thirteen: Sign (4:47)
14. Day Fourteen: Pride (4:42)
15. Day Fifteen: Betrayal (5:24)
16. Day Sixteen: Loser (4:46)
17. Day Seventeen: Accident? (5:42)
18. Day Eighteen: Realization (4:31)
19. Day Nineteen: Disclosure (4:42)
20. Day Twenty: Confrontation (7:03)

Tiempo total: 102:14

Extras del DVD:
1. Inside: Behind The Scenes
2. Concept: The Concept Of The Human Equation
3. Ayreon: The Story Of Ayreon
4. Drums: Ed Warby´s Drums
5. Video: Day Eleven-Love
6. Teaser: Teaser-Trailer

LOS MUSICOS

Vocalistas:
- Devon Graves (Dead Soul Tribe) como Agonía
- Devin Townsend (SYL) como Rabia
- Eric Clayton (Saviour Machine) como Razón
- Mikael Åkerfeldt (Opeth) como Miedo
- Magnus Ekwall (The Quill) como Orgullo
- Heather Findlay (Mostly Autumn) como Amor
- Irene Jansen (Karma) as Pasión
- James LaBrie (Dream Theater) como Yo
- Marcela Bovio (Elfonia) como la Esposa
- Mike Baker (Shadow Gallery) como Padre
- Arjen Lucassen (Ayreon) as el Mejor Amigo

Músicos:
-Arjen Lucassen / guitarras eléctrica y acústica, baja, sintetizadores, Hammond, Mellotron, teclados adicionales, mandolina
- Ken Hensley (Uriah Heep) / Hammond (16)
- Oliver Wakeman (Nolan & Wakeman) / teclados (17)
- Martin Orford (IQ, Jadis) / teclados (15)
- Ed Warby (Gorefest, Orphanage) / batería
- Joost van den Broek (Ayreon) / sintetizador (2), spinet (13)
- John McManus / flauta (13,16,18)
- Jeroen Goossens / flauta (2,3,5,9,14,18), gaita (6), grabador (13), didgeridoo (16), bassoon (18)
- Robert Baba / violines
- Marieke van der Heyden / cello

INFO DEL DISCO

InsideOut: IOMCD 168 - SPV 092-60702 DCD

Toda la música y las letras fueron compuestas por Anthony Arjen Lucassen
Devin Townsend escribió las letras para Rabia en los Días 3, 8 y 16
Heather Findlay escribió las letras para Amor en el Día 13
Devon Graves escribió las letras para Agonía en el Día 17

Soy Leyenda (2007)... Revisando el mito del último hombre sobre la Tierra...

2009-03-15T21:39:00.000-07:00

Debo comezar reconociendo que Soy Leyenda superó mis expectativas. Claro, a estas alturas no son muchas las cosas que lo sorprenden a uno en el cine ni en TV, pero esta peli, a pesar de sus ripios y lugares comunes, realmente me dejó un gustillo más que dulce.

Es más, no fui al cine a verla. Pensé, "loco, otra vez Will Smith salvando al mundo, tratando de demostrar que es un actor serio... Loco, otra peli de ciencia ficción que va a dejar por el piso una buena novela y al género"... Pero por suerte, estaba equivocado. No es que sea un film fundamental en el sci fi de todos los tiempos, pero si logra convencer y traspasar el delirio, la desazón, la tristeza terminal del "último hombre sobre la tierra", un mito muchas veces manoseado pero que sale muy bien parado en esta obra del realizador Francis Lawrence (Constantine) que, con justeza, mucho amor, un gran presupuesto y correcto pulso, hace de Soy Leyenda, un pequeño manjar.

Es el año 2012. El planeta ha sido devastado por un incurable virus nacido de una potencial cura contra el cáncer. Casi toda la población del planeta se ha convertido en una raza primitiva, carnívora e instintiva, corroida por este virus que además, les impide exponerse al sol, por lo que sus correrías son sólo nocturnas. Esto representa una gran ventaja para el doctor y teniente coronel Robert Neville (Smith) quien se ha fortificado en una casa de Washington Square, junto a su perra Samantha. No ha visto a ningún otro ser humano normal en tres años y sólo a través de casi pesadillescos flashbacks sabemos que tuvo una esposa y una hija, y conocemos la histeria colectiva producida por la expansión del virus. Lo demás, son sus paseos diarios por un desolado Manhattan que realmente luce aterrador, y en los que comprendemos la solitaria rutina de Neville, la búsqueda de una cura para la enfermedad, sus conversaciones con maniquíes que ha instalado estratégicamente en los lugares de la ciudad que visita y con los que intenta mantener conversaciones que le ayuden a conservar la cordura. Pero también están los Darkseekers, los infectados que sólo se toman la ciudad de noche, en una salvaje y atemorizante búsqueda de alimentos y sobrevivencia. La captura de una hembra de esta apocalíptica raza, con la que Neville experimentará nuevos sueros, será el factor que desencadenará la trama posterior de la película.

Soy Leyenda tiene muchas gracias a su favor. Si bien coincide en muchos puntos con la brillante novela de Richard Matheson, también vuela con alas propias y profundiza en la horrible soledad obligada en la que vive Neville, llenando cada secuencia con una mezcla de angustia y esperanza difícil de ignorar. A más de diez años de iniciado el proceso creativo del film y luego de haber pasado por las manos de varias productoras, directores y actores, uno agradece que haya caído en las manos de este equipo, que logró conjugar emociones íntimas y elementales con grandiosos y solitarios escenarios que invocan uno de los mayores temores de cada no de nosotros, que algún día se haga realidad eso de "el último hombre sobre la tierra estaba sentado en un habitación. De pronto, alguien golpea la puerta..."

Antes de cerrar, alo de trivia: los efectosd vocales de los Darkseekers fueron hechos por Mike Patton... Sí, el mismo, ustedes lo conocen: Faith No More, Fantomas, Mr. Bungle... Para el rol de Neville, se consideró a actores como Mel Gibson, Arnold Schwarzenegger, Michael Douglas y Nicoas Cage y entre los diectores que casi se hacen cargo del proyecto estuvieron Rob Bowman, Ridley Scott y Michael Bay.

Totalmente recomendable. Una de esas pequeñas pero brillantes joyitas bien logradas que si bien no son grandes clásicos de la historia del cine, por lo menos si me hacen tener fe en la sincera creatividad de algunos sujetos que andan por ahí y que saben sacarle provecho a todos los recursos de los que disponen. Y en Soy Leyenda, esa humilde gracia, se nota. Y mucho...

LA PELICULA

Soy Leyenda

(I Am Legend)

2007

100 minutos

Dirigió Francis Lawrence

Produjeron Akiva Goldsman, David Heyman, James Lassiter y Neal . Moritz

Escribieron Akiva Goldsman y Mark Protosevich, de la novela homónima de Richard Matheson

Fotografía de Andrew Lesnie

Editó Wayne Wahrman

Actuaron Will Smith, Alice Braga, Salli Richardson, Willow Smith, Charlie Tahan, Emma Thompson, Dash Mihok, Joanna Numata y la demoniaca voz de Mike Patton para los Darkseekers...

Premios Razzie 2009... Y los nominados son...

2009-02-19T17:14:00.000-08:00

Faltan poco más de dos días para que el honorable John Wilson y su siempre agudo séquito, entreguen las Frambuesas Doradas a lo peor de lo peor del cine gringo del 2008... He aquí la lista de nominaciones, para que lo disfruten un poco y si quieren más info, visiten http://www.razzies.com/

And the nominees are...

PEOR PELICULA

-Disaster Movie

-Una Loca Película de Esparta

-El Fin de los Tiempos

-The Hottie and the Nottie

-In the Name of the King

-El Gurú del Amor

PEOR ACTOR

-Larry the Cable Guy por "Witless Protection"

-Eddie Murphy por "Tripulación Dave"

-Mike Myers por "El Gurú del Amor"

-Al Pacino por "88 minutos" y "Righteous Kill"

-Mark Wahlberg por "El Fin de los Tiempos" y "Max Payne"

PEOR ACTRIZ

-Jessica Alba por "Visiones" y "El Gurú del Amor"

-El reparto completo de "Mujeres" (Annette Bening, Eva Mendes, Debra Messing, Jada Pinkett-Smith y Meg Ryan)

-Cameron Diaz por "What Happens in Vegas"

-Paris Hilton por "The Hottie and the Nottie"

-Kate Hudson por "Guerra de Novias" y "Fool's Gold"

PEOR ACTOR DE REPARTO

-Uwe Boll por "Uwe Boll's Postal"

-Pierce Brosnan por "Mamma Mia!"

-Ben Kingsley por "El Gurú del Amor", "War Inc." y "The Wackness"

-Burt Reynolds por "Deal" y "In the Name of the King"

-Verne Troyer por "El Gurú del Amor" y "Uwe Boll's Postal"

PEOR ACTRIZ DE REPARTO

-Carmen Electra por "Disaster Movie" y "Una Loca Película de Esparta"

-Paris Hilton por "Repo! The genetic Opera"

-Kim Kardashian por "Disaster Movie"

-Jenny McCarthy por "Witless Protection"

-Leelee Sobieski por "88 Minutos" y "In the Name of the King"

PEOR PAREJA CINEMATOGRAFICA

-Uwe Boll y cualquier actor, cámara o guionista

-Cameron Diaz y Ashton Kutcher por "What Happens in Vegas"

-Paris Hilton, Christine Lakin y Joel David Moore por "The Hottie and the Nottie"

-Larry the Cable Guy y Jenny McCarthy por "Witless Protection"

-Eddie Murphy en Eddie Murphy por "Tripulación Dave"

PEOR PRECUELA, REMAKE, RIP-OFF O SECUELA

-"The Day the Earth Blowed Up Real Good" (hahahahaha)

-"Disaster Movie"

-"Una Loca Película de Esparta"

-"Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal"

-"Meteoro"

-"Star Wars: las Guerras Clon"

PEOR DIRECTOR

-Uwe Boll por "Tunnel Rats". "Uwe Boll's Postal" y "In the Name of the King"

-Jason Friedberg y Aaron Setzer por "Disaster Movie" y "Una Loca Película de Esparta"

-Tom Putnam por "The Hottie and the Nottie"

-Marco Schnabel por "El Gurú del Amor"

-M. Night Shyamalan por "El Fin de los Tiempos"

PEOR GUION

-Jason Friedberg y Aaron Setzer por "Disaster Movie" y "Una Loca Película de Esparta"

-M. Night Shyamalan por "El Fin de los Tiempos"

-Heidi Ferrer por "The Hottie and the Nottie"

-Doug Taylor por "In the Name of the King"

-Mike Myers y Graham Gordy por "El Gurú del Amor"

PEOR LOGRO EN SU CARRERA

-Uwe Boll, la respuesta alemana a Ed Wood

Bueno, estimad@s, hagan sus apuestas... Conversamos después de la entrega de las Frambuesas de Oro que, en realidad, son de plástico pintadas de dorado, jejejejeje...

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Krull (1983)

2009-02-19T16:44:00.000-08:00

No es otra tonta película de príncipes heroicos...

Ya sé que muchos me dirán que el título no corresponde, que se acuerdan perfectamente de Krull, de cuando eran muy pendejos y la vieron en uno de esos cine que parecían catacumbas o después, en la tele, en una de esas tardes de cine llenas de tandas comerciales. A mí sí me parece una película que se olvido, sobre todo porque ahora los más cabritillos alucinan con la saga de Harry Potter, Eragon, Corazón de Tinta y otras por el estilo, sin saber que hace más de dos décadas, el Ken Marshall en el rol del Príncipe Colwyn las llevaba y a nosotros, los más mayorcitos, nos hacía soñar despiertos.

Krull tenía de todo. Un príncipe un tanto inocentón que se hace adulto, valiente y fuerte en el viaje que lo llevará a rescatar a la princesa Lyssa (Lyssette Anthony); un cíclope cuyo destino es más que oscuro (Bernard Bresslaw), un mago torpe y cobarde (David Battley), una pandilla de rufianes que se redimen con esta aventura, caballos que corren a asombrosa velocidad, una misteriosa y tétrica fortaleza, regida por la Bestia, que cambia de ubicación geográfica cada amanecer (lo que dificulta dar con el paradero de Lyssa), un anciano sabio, brujas, batallas y un arma fantástica, el Glaive, una estrella de cinco afiladas puntas que sólo Colwyn sabe utilizar.

Con esos elementos, el guionista Stanford Sherman y el director Peter Yates arman una película llena de ripios, pero aún así deliciosa, quizás por su candidez y simpleza. No hay grandes actuaciones ni muchas sorpresas, pero las andanzas de Colwyn divierten y enganchan. Los estereotipos sobran: un príncipe jovencito, audaz y enamorado; una princesa en constante peligro, malosos que se redimen, fieles animales y seres mitológicos, anatgonistas feos, hediondos y diabólicos... Pero todos funcionan de maravilla para darle a esta historia un gustito de matiné como pocas tienen en la actualidad, sin pretenciones ni ambiciones mayores que ofrecer casi dos horas de entretención sana y atrapante.

En fin, una de esas películas menores que cumple cabalmente con sus objetivos. Si la ve por ahí, en el cable o DVD, no se la pierda. Más de un recuerdo le va a traer. Y si es de aquella generación de los veinticinco para abajo, véala y aprenda de donde viene tanta idea "brillante" y sepa que, con mucho ingenio y pocos recursos, también se puede hacer una película digna... Ah! Y como plus, además puede ver a Robbie Coltrane y Liam Neeson en una de sus primeras apariciones en pantalla grande...

LA PELICULA

Krull

(Krull)

1983

117 minutos

Dirigió Peter Yates

Produjo Ron Silverman

Escribió Stanford Sherman

Música de James Horner

Fotografía de Peter Suschitzky

Editó Ray Lovejoy

Actuaron Ken Marshall, Lyssette Anthony, Bernard Bresslaw, David Battley, Alun Armstrong, John Welsh, Graham McGrath, Francesca Annis, Liam Neeson, Robbie Coltrane, Todd Carty y varias bestias mitológicas...

Un Niño de Otro Mundo (2007)… Los marcianos llegaron ya!!!

2009-02-10T12:19:00.000-08:00

Si hay algo que me gusta de John Cusack es que, salvo escasas excepciones, no hace películas cuáticas. Tampoco tiene muchas memorables, pero se salva con Say Anything (1989, todo un símbolo de la juventud ochentena), la genial The Grifters (1990), la oscurita Grosse Point Blank (1996, de la que también fue guionista), Pushing Tin (1998), la incomparable Being John Malkovich (1998), High Fidelity (2000) y esa entrañable comedia que es America’s Sweethearts (2001). En fin, es un tipo que a pesar de sus ticks, expresiones repetitivas y no muchos recursos actorales, se la ha jugado por cosas que difieren bastante de lo común que se hace en Hollywood o del cine netamente comercial en general, por lo menos, en lo que a temáticas se refiere. Y claro, con un currículum envidiable en loq ue se refiere a producir y apoyar cine independiente y teatro.

Con Un Niño de Otro Mundo la cosa funciona como en gran parte de su filmografía: una temática interesante, con actores conocidos pero buenos en sus papeles y uno que otro mensaje sonre el cual pensar después de ver la peli. Cusack hace el rol de David Gordon, un escritor de ciencia ficción al que le ha ido bastante bien con su más reciente novela, pero que ha sufrido la muerte de su esposa. Uno de sus proyectos inconclusos como familia, había sido el adoptar un hijo, así es que David decide concretar aquel sueño, aún no muy seguro de poder dar ese paso. Con el apoyo de Sophie (la hermosa Sophie Okonedo), una bonachona asistente social, logra dar con Dennis (Bobby Coleman), un chico que aún no llega a los diez años, pero sumamente desadaptado e introvertido, al punto de pasar el día dentro de una caja de cartón, convencido de venir de Marte.

La primera en oponerse a la decisión de (intentar) adoptar un hijo es su propia hermana, Liz (Joan Cusack, siempre en el punto justo), que se despacha algunos de los mejores diálogos de la peli pues, aunque es madre de dos diablillos, tiene la película muy clara en lo que se refiere a deberes y responsabilidades paternas. Aún así, David corre el riesgo y comienza a convivir con este muchacho que, por momentos, realmente hace pensar en su verdadera y espacial procedencia. Ayudado por su paisajista Harlee (Amanda Peet), David comienza a aprender a ser padre y Dennis, a ser un chico normal… bueno, no normal, pero si a adaptarse un poco al mundo que lo rodea y que por cierto, no le agrada mucho...

Como ven, la premisa es sencilla. De marciano, el muchacho tiene sólo momentos, algunos muy buenos por lo demás (como cuando le habla a David de los deseos marcianos), pero se trata simplemente de un viaje de descubrimiento que en el guión, tiene algunos baches. No es una mala película, para nada. Sus casi dos horas se dejan ver con cierto agrado, en especial por el deseo que se genera en el espectador por descubrir el origen del dolor de Dennis que provoca la inestabilidad emocional que David lucha por equilibrar usando herramientas distintas y lejanas a las de la psicología o psicopedagogía establecida, al sentirse identificado con el pequeño que usa cinturones con plomo para no irse “volando” a su planeta de origen. En medio, una historia de amor no resuelta, la visión un tanto demonizada de los servicios sociales, algunas frases para el bronce… poco humor y por suerte, poca cebolla (eso sí que se agradece)… Nada del otro mundo…

Deja la sensación que pudo haber sido una película mejor. Que el tratamiento del mundo interno del niño pudo haber sido mayor, quizás cercano a Hombre Mirando al Sudeste o su remake gringo K-Pax, pero la película se queda en la anécdota. El hecho que el cabro chico venga de Marte es una excusa para explorar las dificultades al momento de enfrentar la paternidad y también, la oportunidad de adaptarse a una familia que, en este caso, por suerte no es la típica familia gringa que quiere hacer el bien de todas las maneras posibles. Pero algo falta. Quizás un poco más de sinceridad, a lo mejor no haberla presentado como una comedia sino como el drama que es. Quizás un John Cusack más comprometido con un papel que por momentos parece no calzarle. Quizás un poco más de ciencia ficción, sembrar la real duda del origen del niño que detesta el sol, que no cree en los lazos afectivos y que vive en medio de un mundo que lo ha desilusionado… ¿Les suena conocido eso?...

De todas maneras y a pesar de mis críticas, es una película recomendable. Se pierde más cosas no viéndola que disfrutándola un domingo en la tarde, ojalá junto a la familia…

LA PELICULA
Un Niño de Otro Mundo
(Martian Child)
2007
110 minutos
Dirigió Menno Meyjes
Produjeron Ed Elbert, David Kirschner y Toby Emmerich
Escribió David Gerrold basado en su novela homónima
Fotografía de Robert D. Yeoman
Música de Aaron Zigman
Editó Bruce GreenActuaron John Cusack, Bobby Coleman, Amanda Peet, Joan Cusack, Sophie Okonedo, Oliver Platt, Richard Schiff, Howard Hesseman y Anjelica Huston en un papel cortito pero contundente...

CICLO CINE VERANO

2009-02-04T10:23:00.000-08:00

Invita: Consejo de la Cultura y las Artes II Región
Con el Apoyo de: Biblioteca Viva
ENTRADA LIBERADA

JUEVES 5 DE FEBRERO
"El Regalo" de Cristian Galaz y Andrea Ugalde
18:00 hrs.: Consejo de Cultura (Washington 2631)
18:30 hrs.: Biblioteca Viva (Terrazas Mall Plaza)

SINOPSIS: Francisco, viudo y recién jubilado, está pasando por un momento difícil. Para animarlo sus dos amigos deciden hacerle un regalo. Lo invitan a un paseo a las termas de Chillán y además invitan a Lucy, novia de juventud de Francisco, quién ilusionada acepta acompañarlos.
Pero las cosas no siempre resultan como las ideamos. Este paseo les traerá muchas sorpresas, conocerán a Carmen, Nicolás y Martín y cambiará los planes y las vidas de todos.
El Regalo es una comedia romántica, dónde se mezclan divertidos enredos con encantadores personajes, en un viaje que será una experiencia inolvidable.

*La exhibición del film contará con la presencia de Camilo Castro (Productor)

JUEVES 11 DE FEBRERO
"Currículum" de Patricio Valladares
19:30 hrs.: Consejo de Cultura (Washington 2631)

SINOPSIS: Dos sicarios son enviados a matar a la misma mujer, desconociendo la competencia que existe entre ellos por asesinarla. Una vez que se presentan en un galpón en las afueras de la ciudad y ante la víctima, amordazada de pies y manos, da comienzo una serie de diálogos, de quien y como dar muerte a esta mujer, donde los requisitos son la experiencia, la ética y creatividad para quitarle la vida a un ser humano. Los discursos de estudios en anatomía humana, terrorismo, arte, formación teórica y autodidacta serán los diálogos protagónicos de la historia, que conllevará al clímax de la conversación, para al final enfrentarse en una lucha a muerte, olvidándose por completo de su víctima y su profesión.

LUNES 16 AL SÁBADO 21 DE FEBRERO
Ciclo de Cine de Pueblos Indígenas Latinoamericanos
17:00 hrs.: Biblioteca Viva (Terrazas Mall Plaza)
19:30 hrs.: Consejo de Cultura (Washington 2631)

*Es posible exhibir este ciclo en Antofagasta gracias al apoyo del Centro de Extensión de la Universidad Católica de Chile

JUEVES 26 DE FEBRERO
"El Diario de Agustín" de Ignacio Agüero
19:30 hrs.: Consejo de Cultura (Washington 2631)
+ Mesa Redonda con Ignacio Agüero y representantes del audiovisual regional

SINOPSIS: "El Diario de Agustín" registra la investigación de seis estudiantes de Periodismo de la Universidad de Chile que realizan su tesis de grado acerca del comportamiento de El Mercurio en casos de violación a los derechos humanos.El film revela el enorme poder que el diario mantiene hasta el día de hoy y su impunidad en relación a su impunidad en el quiebre democrático y las violaciones a los derechos humanos perpetrados a lo largo de años en nuestro país.

*Diariamente iremos agregando más información de cada exhibición específica

*Para más información: Consejo Nacional de la Cultura y las Artes - Washington 2631 - Fono: 450630 / *Iván Avila: 9-6863216

Cuarentena (2008)... Un mediocre remake de una buena pelicula de terror...

2009-02-02T06:07:00.000-08:00

Para los que vieron la película española REC (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), le recomiendo ahorrarse leer este comentario y más aún, ir al cine a ver Cuarentena. No encontrarán absolutamente ningún elemento novedoso ni el nervio ni el ritmo que tenía la original ibérica.

Ok, a lo mejor es porque vi primero REC y bueno, al presenciar un remake realizado tan cercanamente, que además cuenta con cierta participación de los directores, guionistas y productores del original, puede parecer un mero truco comercial. Y lo es. No tengo nada en contra de hacer cine vendible, pero personalmente creo que si te vas a arriesgar con una fórmula probada, exitosa a nivel de crítica y público, premiada en festivales del género, lo menos que se le exige a los realizadores es un poquito de creatividad. Y Cuarentena no la tiene.

La trama es sencilla. Un reportera llamada Ángela Vidal (Jennifer Carpenter, que no convence a nadie) y su camarógrafo llegan hasta una estación de bomberos en donde cubrirán el turno nocturno para un noticiero local. Un llamado de emergencia los saca del empalagoso aburrimiento en que están sumergidos y junto a los bomberos llegan hasta un edificio de departamentos bastante dejado de la mano de dios. Un desconocido y extraño virus (ni tan desconocido ni extraño para los fanáticos del cine de terror apocalíptico) afecta a algunos de los habitantes del edificio. Poco después, una agencia gubernamental cierra el lugar, dejando atrapados a sanos e infectados que, como no, traspasan la enfermedad por medio de la saliva y la sangre, es decir, a mordisco limpio, lo que permite la generación de algunas decentes secuencias harto gore. La gracia de REC y de este film es que toda la acción es seguida por la cámara de televisión. No hay muchos cortes, todo se trabaja en torno a planos secuencias, desenfoques, sorpresivos zooms... lo que por supuesto, pretende dar la impresión en el espectador de estar viendo un documento real o televisión en vivo. Pero algo no funciona.

Quizás es que en un comienzo, la iluminación y los planos son demasiado limpios, demasiado cinematográficos, quitándole la sensación al espectador de estar viendo lo que ocurre a través de una cámara de televisión y en esta película, eso es un pecado mortal. A pesar de contar con una gran cantidad de actores conocidos, entre los que destacan Jay Hernández (Hostal), Greg Germann, Rade Serbedzija, Rita Moreno (Oz) y Marin Hinkle (de la serie Two and a Half Men), las actuaciones distan de ser creíbles y se tornan en caricaturas de personas desesperadas en medio de una situación aterradora... Se extraña el tratamiento de personajes logrado por George Romero en la atrapante y angustiosa nueva versión de su propio film El Amanecer de los Muertos (2004) o por en Ceguera (Fernando Meirelles, 2008), dado que, guardando las diferencias, se trata de situaciones similares en las que las acciones y reacciones de los personajes marcan una notable diferencia al momento de generar terror de calidad.

Quizás, simplemente sea porque tengo a REC fresquita en la memoria, mucho más creíble, mucho más arriesgada y artesanal, más sucia en el buen sentido de la palabra. Esas entrañables maravillas que en Cuarentena se encuentrab demasiado dosificadas y hasta perdidas. Pero ojo, si usted no ha visto aún REC, puede que se lleva un par de sustos y sobresaltos con esta cinta apenas lograda y que no cuesta mucho desechar...

LA PELICULA

Cuarentena

(Quarantine)

2008

89 minutos

Dirigió John Erick Dowdle

Produjeron Roy Lee, Doug Davison, Sergio Agüero, Drew Dowdle, Carlos Fernández, Julio Fernández y Glenn Gainor

Escribieron Hohn Erick Dowdle y Drew Dowdle basados en el guión de la película REC, escrito por Jaume Balagueró

Música de Pilar McCurry

Fotografía de Ken Seng

Editó Elliot Greenburg

Actuaron Jennifer Carpenter, Jay Hernández, Rade Serbedzija, Columbus Short, Rita Moreno, Steve Harris, Greg Germann, Marin Hinkle, Jonathon Schaech y varios secundarios con la boca llena de sangre...

TARDES EN EL REX: Delito en la Playa del Vicio (1977)

2009-01-20T07:37:00.000-08:00

Esta es un clásico del cine Z. No hubiese podido verla y aprender de esta película si en Antofagasta, así como en cada ciudad de Chile, no hubiese existido una sala de cine como la del Rex. Es que se los juro, me acuerdo de esta película y todavía me parece un logro casi olímpico el haberla visto y aún retenerla en la memoria.

Su director, Hubert Frank, jamás será recordado. De hecho, no existe una sola biografía de este personaje en internet, aunque se nota por los pocos datos disponibles, que siempre se dedicó a hacer películas de baja estofa, consagradas al desnudo gratuito y carentes de roda originalidad. Información de la película, poca. Apenas algunas menciones en ciertos blogs (como este) que se dedican a rescatar lo más freak y oscuro del cine. Delito en la Playa del Vicio es una de esas extrañas bellezas feas, una película execrable, con un guión malísimo, actuaciones horrendas, fotografía de principiantes, cero dirección, muchos desnudos… Una perfecta película Z de esas que da gusto ver en una sala de cine chanta, un jueves por la tarde, entre 2001 y algún western setentero.

Porque de repente, a eso íbamos al Rex, simplemente a ver minas en pelota y Delito... tiene de sobra. Conocida también como El Ángel y las Bestias o Triángulo de Lujuria, narra (?) la historia de Susan (Patricia Adriani), una chica bastante casquivana que es amante de Tom, un tipo con pinta de gángster italiano con tisis que corre el riego de ser asesinado por su esposa si continúa con el adulterio. Un paseo en avioneta casi termina en catástrofe, lo que obliga a Susan a tirarse en paracaídas a una isla que parece desierta, pero que es habitada por un montón de motoqueros con pinta de pandilleros que cazan a Susan y la convierten en un juguete sexual. Y si ahí la historia ya era confusa, de aquí en adelante se convierte en una sucesión de encuentros sexuales algo violentos, mientras no sabemos qué diablos pensaba Tom realmente ni porque uno de los pandilleros se engancha de Susan ni porque ella, a pesar de toda la violencia y sumisión en que vive, de todas maneras parece disfrutarlo.

Mala, mala, mala… Por donde se la mire. Pero es un clásico. Es de la época aquella en que ver una pechuga era suficiente para masturbarse. Aquella era en que las minas no se hacían cortes ridículos en el vello púbico ni tenían que usar silicona para verse bellas. Esa época en que los cines también servían como nidos de palomas y podías ver los guarenes corriendo frente a la pantalla; esos años nostálgicos en los que salías picado por una docena de pulgas de la sala que podía derrumbarse sobre tu cabeza en cualquier momento, mientras disfrutabas de un rotativo triple por 500 pesos. Esa época en cada película podía convertirse en un clásico, incluso Delito en la Playa del Vicio, una cinta que todos aquellos que se quejan por la explotación femenina deberían tener como caballito de batalla si lograran encontrarla aunque sea en VHS porque es tan mala y cutre que hasta los más fanáticos del cine en sus más deleznables expresiones la han borrado de su disco duro. Insisto, es un film que no posee un guión, plagado de malas actuaciones, sin ningún sentido medianamente perceptible, pero aún así, un gran y maravilloso recuerdo de aquellas tardes en el Rex, cuando todo era sorprendente y novedoso, cuando no importaba el sonido tarriento de parlantes decadentes ni ver las quemadas de cigarro en la cinta antes de acabar el rollo que, por cierto, a veces demoraba minutos en ser repuesto por el carrete siguiente…

Buenos tiempo aquellos… Irrecuperables por lo demás. Pura nostalgia concentrada en la pésima seguidilla de desastres que Delito en la Playa del Vicio, una de esas películas que ni siquiera se han vendido al cable, que valdría la pena sepultar y olvidar, pero que con el tiempo se ha convertido, por lo menos para mí, en un nostálgico paradigma de los buenos tiempo del cine, aquellos en que incluso en los afiches subidos de tono, las partes íntimas de los actores eran cubiertas por nada hábiles manos de pintores que dibujaban calzoncillos, tangas y sostenes de colores chillones…

LA PELICULA
Delito en la Playa del Vicio
(Teufelscamp Der Verlorenen Frauen)
1977
82 minutos
Dirigió Hubert Frank
Produjeron José Maesso y Dieter Rauh
Escribieron Hubert Frank y José Maesso
Música de Gerhard Heinz y Adolfo Waitzman
Fotografía de Paco Joan

Actuaron Patricia Adriani, Bárbara Rey, José Antonio Ceinos, Miguel Ángel Godó, Eric Wedekind, José Luis Alexandre, Florentino Alonso, Brigitte Stein, Alexander Alleson, Andrés Santana y un montón de tipos y tipas semidesnudos…

Los Crímenes de Oxford (2008)… Un buen experimento… pero fallido...

2009-01-19T12:58:00.000-08:00

Cuando la película terminó, Cindy y yo nos quedamos mirando sin saber muy bien qué decir, pero ambos, con un gusto muy amargo en el paladar. A ella no le gustó. Yo esperaba más… mucho más. Es que es Álex de la Iglesia, un ícono del cine B, maestro y creador de algunas de las cintas más originales y alucinantes de las últimas décadas. Y cuando un director de esa calaña se pega un tropezón, el fanático promedio lo odia, aunque el tropezón no sea tan grande ni grave.

No es una mala película. Tiene nervio, tiene ritmo, algo le queda del humor negro clásico de de la Iglesia, algo tiene de misterio y algunas secuencias muy atractivas. El problema es el desenlace, es tanta acumulación de pistas y posibles sospechosos en las que el guión se entrampa, en un intento por homenajear el cine negro de los 50 y los clásicos Agatha Christie. Algo hay en los actores que no convence. Quizás si Santiago Segura o Álex Angulo hubieran tenido una breve aparición, todo se hubiera hecho más familiar e identificable. Porque con esta película a de la Iglesia le pasa lo que a los jugadores que se identifican por mucho tiempo con la misma camiseta y después se cambian de equipo. Juegan mal, no mojan la sudadera, se ponen fomes… Algo así como el “síndrome Barticcioto”, aunque en este caso ese desafío se traduce en un film más bien frío, tosco, plagado de lugares comunes y lleno de discutibles sorpresas que buscan hacerlo impredecible hasta llegar a un desenlace que se desmorona en soluciones un tanto sencillas y que tienen poco que ver con la poderosa hipótesis original que se plantea al inicio de la película y patentada por Wittgenstein: ¿Podemos conocer la verdad?.

Martin (Elijah Wood, desabrido como siempre) es un joven estudiante gringo que llega a Oxford con el objeto de conseguir que el profesor Arthur Seldom (John Hurt, brillante como siempre) guíe su tesis. Aloja en la casona de la Señora Eagleton (Anna Massey) y su hija Beth (Julie Cox), una cellista que desde un comienzo luce como sospechosa. Más adelante, conocerá a Lorna (Leonor Waitling), una enfermera bastante calentona y a su compañero de estudios, un ruso de apellido Podorov (Burn Gorman), un tipo que por su aspecto también parece sospechoso… de lo que sea, pero sospechoso. En la trama, todos saben más de lo que pretenden, y se van descubriendo retazos de pecados pasados que comienzan a surgir luego de la misteriosa muerte de la Señora Eagleton. Martin y Seldom son quienes descubren el cadáver y comienzan una investigación que tiene muchos elementos de matemática, lógica y filosofía, debido a que el asesino vuelve a atacar, dejando mensajes que tienen mucho de estos elementos y las discusiones en torno a los crímenes que comienzan a sucederse, terminan por convertirse en pequeños tratados acerca de la comprobación de la verdad.

Es aquí que el guión se pierde. No he leído la novela en que se basó la historia, escrita por el argentino Guillermo Martínez y que en Internet tiene muy buenas críticas, pero lamentablemente, me da la impresión que la película se convirtió en una versión menor y más desprolija de El Código Da Vinci (Ron Howard, 2006) aunque son dos cintas con marcadas diferencias. Mientras la película de Howard estaba basada en un superventas y apostó por la persecución policial, de la Iglesia se queda a medio camino entre la observación intelectual (brillante en filmes como El Nombre de la Rosa, 1986, de Jean Jacques Annaud), la investigación policial, elementos clásicos del cine negro y el thriller. Y aunque sus casi dos horas de duración no resultan aburridas, la dispersión de sus elementos, que se hace consistente con el paso de los minutos, es la que desinfla el desenlace que por lo demás, es tan rebuscado y a la vez sencillo, que no deja satisfecho a nadie.

Me duele por de la Iglesia, uno de mis directores y guionistas preferidos. Pero en fin, nadie es perfecto. Quizás lo único positivo es que fracaso de esta cinta conmine al viejo Álex a volver a sus raíces y deleitarnos con lo que sabe hacer, uno de aquellos filmes extremos, oscuros, llenos de humor negro y personajes extravagantes… elementos que en Los Crímenes de Oxford no están por ninguna parte…

LA PELICULA
Los Crímenes de Oxford
(The Oxford Murders)
2008
110 minutos
Dirigió Álex de la Iglesia
Produjeron Mariela Besuievski, Gerardo Herrero y Álex de la Iglesia
Escribieron Jorge Guerricaecheverría y Álex de la Iglesia
Editaron Alejandro Lázaro y Cristina Pastor
Música de Roque Baños
Fotografía de Kilo de la Rica
Actuaron Elijah Word, John Hurt, Leonor Watling, Julie Cox, Anna Massey, Jim Carter, Dominique Pinon, Burn Gorman, Alex Cox y varios secundarios ingleses muy flemáticos…

Cuando los Dinosaurios Gobernaban la Tierra X

2009-01-19T06:57:00.000-08:00

Deep Purple – Made in Japan (1978)

Como diría mi compadre Muñoz Cazaux, “sandía calá”… Sí, es cierto, Made in Japan de Deep Purple es el disco en vivo más vendido de la historia y quizás uno de los cinco mejores registros en concierto de la historia de rock. Pero hay que comentarlo, hay que homenajearlo, hay que recordarlo y volver a escucharlo una y otra vez, porque siendo sincero, todos los elogios y reconocimientos habidos y por haber, se los tiene bien merecidos y son pocos los álbumes (de cualquier calaña existente) que pueden congregar tal cantidad de opiniones positivas, sin mucha discusión.

Es que las presentaciones de Deep Purple con su formación más exitosa, grabadas en los conciertos realizados en Osaka (15 y 16 de agosto de 1972) y Tokio (17 de agosto de 1972), poseen un nivel técnico que poquísimas bandas han alcanzado. La fuerza interpretativa de la banda es realmente impresionante y cada improvisación resulta un deleite que otorga mayor calidad a los temas que se incluyeron la original edición doble de la gira por el país del sol naciente.

No es de extrañar de todas maneras. Aunque la primera alineación de DP había cosechado algunos éxitos, no fue si no hasta la llegada del vocalista Ian Gillan y del bajista Roger Glover que la banda despegó finalmente, concretando el sonido hard-prog que la hizo tan característica hasta mediados de los 70. Y es de los discos In Rock (1970), Fireball (1971) y Machine Head (1972) que se extrajeron la mayoría de los temas de este álbum lleno de riffs pesados, excelentes bases de bajo, endemoniados ritmos en la batería, el poderoso sonido del Hammond y el mejor registro de la apabullante voz de Ian Gillan.

No hay que ser fanático del rock para deleitarse con este álbum. Si bien es un disco pesado de comienzo a fin (o sea, parte con un himno del rock pesado como Highway Star), el talento de sus músicos y las deliciosas secciones instrumentales pueden apreciadas y disfrutadas por cualquier melómano. El festín continúa con Chile in Time, una pieza en la que las atmósferas del Hammond de Jon Lord son una delicia y prosigue con el clásico y pesadísimo Smoke on the Water. The Mule cierra el disco uno de la versión en vinilo, otra pieza clásica, cargada de poderosos riffs, obra y gracia del maestro Blackmore. Nada que decir de Strange Kind of Woman, una de las canciones que, en lo personal, está entre las diez mejores compuestas por la banda y que en vivo se convierte en una locomotora desbocada, al igual que Lazy, con su pegajoso riff de guitarra. Space Truckin’ da brillante cierre al álbum, una pieza asombrosa, llena de detalles, totalmente heavy pero al mismo tiempo melódica y prog.

Uno queda con gusto a poco aunque se trata de casi una hora y media de música. Algo saca el empacho el disco extra incluido en la edición de celebración de los 25 años, pero aún así, dan ganas e seguir y seguir y seguir con Deep Puple en los oídos por mucho tiempo más. Claro que fue una lástima que los conflictos internos de la banda terminaran con la partida de Gillan y Glover en 1973, después de la edición de Who Do We Think We Are. La llegada de David Coverdale (después fundador de Whitesnake) y Glenn Hughes le daría a los fanáticos dos discos de excelente calidad (Burn y Stormbringer) hasta el final de esta primera etapa en la carrera de DP, que concluiría luego de la edición de Come On Taste de Band con Tommy Bolin en sus líneas, talentoso músico que fallecería a corta edad, en 1976, víctima de una sobredosis.

La tradicional alineación de DP volvería a las pistas en 1984 y aunque ya nada era lo mismo, de todas maneras el sonido y la pasión Purple se sentía en cada una de las pistas de Perfect Strangers y The House of thje Blue Light (1987). Nuevos discos y nuevos cambios en la alineación, otra vez producidos por el a veces intratable carácter de Ritchie Blackmore, dejarían como resultado el engrandecimiento de la leyenda DP, álbumes de irregular calidad, giras que incluso trajeron a la banda a Chile (caída de torre de sonido y heridos varios de por medio) y un hasta ahora, último disco de sorprendente calidad, Rapture of the Deep, nuevo capítulo de la historia de una de las bandas legendarias del rock que como uno de sus muchos legados, nos ha dejado el aún incomparable, inflamante, infartante y apoteósico Made in Japan, sin dudas, uno de los mejores discos en vivo de todos los tiempos…

EL DISCO
1.- Highway Star (6:50)
2.- Child in Time (12:24)
3.- Smoke on the Water (7:31)
4.- The Mule (9:49)
5.- Strange Kind of Woman (9:35)
6.- Lazy (10:50)
7.- Space Truckin’ (19:41)

En la versión remasterizada de 1998, se agregaron los registros de Black Night (6:17), Speed King (7:25) y Lucille (8:03)

LA BANDA
Ritchie Blackmore / guitarra
Ian Gillan / voces, armónica, percusiones incidentales
Roger Glover / bajo
Jon Lord / Hammond, teclados, piano eléctrico
Ian Paice / batería, percuciones

DATOS DE CD
EMI / Purple TPSP 351

Warner Bros.

LAS PELICULAS QUE OLVIDAMOS: Equilibrium (2002)

2009-01-14T10:00:00.000-08:00

Otras distopía perturbadora

Luego del estreno de Matrix, salió una chorrada de películas que decían tener los mismos o mejores efectos que la cinta de los hermanos Wachosky. No me parece muy buena publicidad promocionarse comparándose con otra cinta, más encima si esta ha sido un bombazo de taquilla. La cuestión es que entre esa majamama de cintas de escaso valor y fácilmente desechables, apareció Equilibrium.

Nadie la pescó mucho. También se promocionó refiriéndose a Matrix. Con ese antecedente, era lógico que no iba a prender mucho y me parece que ni aún a seis años de su estreno es muy cotizada, aunque tiene como estrella al actual Batman, Christian Bale en el rol del Clérigo John Preston. Nada. Ni aún así es mucha la gente que la ha visto lo ha pescado, siendo que a pesar de los obvios paralelos con Matrix, es quizás una de las cintas más rescatables del género híbrido que mezcla sci fi con acrobacias sobrehumanas, cableado invisible, patadas, combos y balazos.

Pero las secuencias de acción no son lo más rescatable de Equilibrium. Más llama la atención la tremenda mezcolanza de referencias a 1984 de Orwell, Un Mundo Feliz de Huxley y Fahrenheit 451 de Bradbury, generando un guión que si bien no es original, es sencillo y sale bien parado, por lo menos para justificar los enfrentamientos que envuelven al Clérigo Preston.

Pero vamos a la historia. Luego de la Tercera Guerra Mundial, las cabezas pensantes se dan cuenta que la única forma de evitar otra catástrofe es suprimir las emociones humanas que son las que llevan a la gente a exacerbar las pasiones. Es así que toda la humanidad termina sometida al Prozium, una poderosa droga supresora que evita que las personas tengan emociones. Esta sociedad distópica es gobernada por el Padre (Sean Pertwee) y un directorio que mantienen férreo control a través de contante y enfermiza propaganda sobre la sociedad. Sin embargo, como siempre, hay un grupo disidente que se conoce como los “Subterráneos”, quienes se niegan a tomar la droga y viven prófugos en las profundidades de Libria, la ciudad donde se desarrolla la acción. El aquí donde entran los Clérigos del Tetragrámaton, oficiales encargados de perseguir, apresar y hasta asesinar a todos aquellos disidentes y a cualquier persona que se atreva a tener un rastro de sentimientos. Preston es el más bacán de todos, pero dos hechos lo hacen cambiar: la muerte de su esposa y la decisión de uno de sus compañeros de no tomar el Prozium. Preston comienza a sentir y así, a contactarse con la resistencia hasta tomar la decisión de acabar con el orden social imperante, sin saber que es sólo un peón en una inmensa maraña de mentiras que concluirán en un medianamente predecible final.

Su director destaca más como guionista. Algunas de las obras de su autoría como escritor son Ultraviolet (2006) de la que además fue director y que no deja de tener similitudes con Equilibrium; El Recluta (2003) y Esfera (1998). Así es que no espera mucho del guión, pero si de la foto y las coreografías. Están bastante buenas, sobre todo si se tiene en consideración que las acrobacias están hechas en base al Gun Kata, técnica que permite a sus practicantes adivinar el movimiento de sus contrincantes para saber dónde estarán, y así disparar sus armas sin mirar su objetivo. La técnica también permite a quien practica esta técnica adivinar la dirección que tomarán las balas dependiendo de la posición de quien dispara y así, evitar los tiros. Por supuesto, todo esto en el plano de la teoría, pero se muy bien y bonito en las coreografías, en especial la del mismo Wimmer en los créditos iniciales de la película.

En suma, entretenida. No más que eso. Sí, opacada por el síndrome Matrix, pero muy interesante de ver un domingo en la tarde o en un aburrido trasnoche de fin de semana. No se encontrarán con ninguna sorpresa, pero de seguro pasarán un buen rato…

LA PELICULA
Equilibrium
(Equilibrium)
2002
107 minutos
Dirigió y escribió Kurt Wimmer
Produjeron Jan de Bont y Lucas Foster
Editaron Tom Rolf y William Yeh
Música de Klaus Badelt
Fotografía de Dion BeebeActuaron Christian Bale, Emily Watson, Taye Diggs, Sean Bean, Angus McFayden, Christian Kahrmann, John Keogh, Sean Pertwee, William Fichtner y un lote de giles con cascos oscuros...

Empire Records (1995)… Aunque usted no lo crea, hay películas adolescentes dignas…

2009-01-12T05:37:00.000-08:00

Verano. Flojera. No muy buenas películas ni en el cine ni en el cable. De vez en cuando, un trasnoche más o menos entretenido. En una de esas, te topas con películas que te traen recuerdos de tiempos mejores. Y una de esas es Empire Records.

Con el paso del tiempo, esta humilde película para adolescentes rockeros, se convirtió en un film de culto, a tal punto de tener una edición especial con casi veinte minutos que quedaron fuera del film originalmente estrenado en 1995, fecha en la que no mucha gente le dio pelota.

Empire Records no es una gran película, aunque no por eso deja de ser interesante. Basada en algunas de las experiencias de Carol Heikkinen (su guionista) como dependiente de una de las sucursales de Tower Records, demoró bastante tiempo en despertar el interés de algún productor. Su director, Allan Moyle, es un tipo más bien dedicado al cine independiente y a los documentales relativos al tema musical. Sus dos mayores éxitos de taquilla podrían ser Times Square (1980), que no alcanzó a terminar totalmente al ser despedido por el productor, y otra de adolescentes pero mucho más mamona, Suban el Volumen (1990) con John Cusack. Empire Records, va por el mismo lado, es una película destinada a jóvenes un tanto rockeros, que retrata un complicado día en una tienda musical independiente, que está a punto de ser vendida a una cadena comercial que la convertirá, bueno, ya saben, en una más de consumo masivo y pop. Lucas (Rory Cochrane) toma la recaudación del día anterior con la intención de apostar y multiplicar el dinero para así, evitar la venta, pero lo pierde. Es así que al día siguiente, en el que se desarrolla la acción, Joe (Anthony La Paglia) le ordena recuperar lo perdido, mientras de muy mala gana se prepara para el “Día de Rex Manning”, pues recibirán la visita de este cantante (que bien podría ser una parodia del líder de T-Rex, Tommy Bolan) que resulta ser un tipo ególatra, despectivo y autocomplaciente. La única persona emocionada con la visita es Corey (Liv Tyler) una joven con algunos problemas de bulimia y baja autoestima que espera perder la virginidad con Manning, mientras AJ (Johnny Withworth), busca la manera de declararle su amor. Paralelo a eso, se desarrolla la trama del posible suicidio de Deb, una joven entre punkie y gótica, bastante ácida y amargada, que terminará fingiendo su propio funeral para comprobar si realmente vale la pena vivir. A eso se agrega la irrupción de un ladronzuelo menor de edad que se hace llamar Warren Beatty (Brendan Sexton III) y múltiples situaciones cómicas a cargo de Mark (Ethan Embry), otro de los dispares dependientes de esta tienda que, sin embargo, es capaz de unirlos a todos en torno a un objetivo común: salvarse de la venta.

Ya lo dije. No es una gran película, pero si tiene un tremendo atractivo en base a las características de sus personajes que se convierten en deliciosos retratos de la juventud de comienzo de los 90 y eso es suficiente para explicar el apego que los fans tienen por este film menor, pero aún así entrañable y con algunas secuencias muy interesantes, como la discusión entre Corey y Gina, en la que ambas se acusan mutuamente entre lágrimas y gritos para terminar, otra vez, de los más amiguis luego del desahogo. Y ya que hablamos de estas dos chicas, es un hecho que este film fue el que proyectó sus carreras artísticas, convirtiéndolas en estrellas internacionales, protagonistas de películas taquilleras y ganadoras de premios. Y aunque no llegaron al nivel de Tyler y Zellweger, otros actores de la cinta también proyectaron sus imágenes gracias a esta cinta, como Ethan Embry, Robin Tunney y Rory Cochrane.

Una película menor, pero con muchas gracias, llena de nostalgia, bien interpretada, con una banda sonora más que decente (y en la que destacan Toad The Wet Sprocket, Edwin Collins, Better Tha Ezra, The Cranberries y Gin Blossoms, entre otros) y cargada de recuerdos de una época que para muchos puede haber sido mejor, por lo menos, musicalmente hablando. No me encuentro dentro de ese lote, pero sí debo reconocer que es una de las películas con las que me quedo pegado en el cable, no sólo por lo ágil y divertido de su guión, si no que también por la banda sonora y porque, mal que mal, Liv Tyler se ve tan dulce y angelical que es imposible cambiar el canal, esperando que aparezca de nuevo en pantalla…

LA PELICULA
Empire Records
(Empire Records)
1995
90 minutos
Dirigió Allan Moyle
Escribió Carol Heikkinen
Produjeron Tony Ludwig, Arnon Milchan, Michael G. Nathanson y Alan Riche
Editó Michael Chandler
Música de Mitchell Leib
Fotografía de Walt Lloyd

Actuaron Anthony La Paglia, Rory Cochrane, Liv Tyler, Renee Zellweger, Debi Mazar, Maxwell Cauldfield, Robin Tunney, Ethan Embry, Brendan Sexton III, Johnny Withworth, Coyote Shivers y Tobey Maguire, claro que su papel fue eliminado de la edición final…

Los Doce del Patíbulo (1967)… ¡Esas eran películas de guerra!

2008-12-30T06:21:00.000-08:00

Aunque en una época un tanto snob de mi vida, desprecié y rechacé el cine de acción, el tiempo me hizo madurar y darme cuenta que hay películas buenas, excelentes y soberbias en cada género. Y Los Doce del Patíbulo es una de esas películas de acción, guerra y balazos que aún sorprende.

Pero vamos por partes. La maquinaria gringa ha sido la única capaz de convertir al género bélico en una apología que incluso, por muchos años, les sirvió como propaganda pro capitalista, por lo tanto, la mayor parte de sus productos, hasta promediar los 70, era de bastante baja y dudosa calidad con algunas honrosas excepciones. Los Doce del Patíbulo es una de esas excepciones, aunque no por los motivos por los que generalmente una película de guerra lo es, es decir, no es una cinta antibélica, muy por el contrario, en la época fue criticada por su extremada violencia. Tampoco se trata de una película que filosofe sobre los efectos sicológicos de un conflicto armado. No es una cinta que aborrezca a los comandantes, generales, presidentes que por intereses políticos sacrifican la vida de millones de personas y ni siquiera tiene el contenido sarcástico de aquella obra maestra que es Dr. Strangelove. No. Los Doce del Patíbulo se pasa por el trasero todas aquellas observaciones y se dedica exclusivamente a la acción, pero de la buena, bien dosificada, explosiva, emocionante, con algunos toques de humor negro, buenas actuaciones y una edición salvajemente bien concebida.

No extraña, en todo caso. Dirigió Robert Aldrich, un tipo que durante toda su carrera, entre los 50 y los 70, se especializó en cine de corte comercial, en películas de acción, algunos pololeos con el terror y unos pocos dramones. Entre sus logros destacan cintas como Apache (1954), El Último Atardecer (1961), la famosísima ¿Qué Pasó con Baby Jane? (1962) de la que fue director y productor, y la primera versión gringa de The Longest Yard (1971) que ha tenido una infinidad de remakes, la mayoría de ellos bastante indignos. Es en la cúspide de su carrera, que Aldrich toma la dirección de Los Doce del Patíbulo, centrándose en la figura del Mayor Reisman (Marvin), un tipo duro y fogueado, experto en guerrillas, al que se le encarga liderar un comando que tiene como fin una misión suicida en el corazón de un asentamiento nazi. Como la misión es suicida, se le ordena escoger para su escuadrón sólo soldados que por diferentes motivos disciplinarios están pagando algún tipo de condena en a cárcel militar: un tipo que fue miembro de la mafia, un ex oficial con problemas disciplinarios, una fanático religioso, un negro activista… en fin, un lote variopinto del que Reisman se convierte en comandante y mentor, rescatando lo mejor de las cualidades de cada uno de sus impetuosos subalternos y cuando él y la audiencia ya se han encariñado bastante con el dispar equipo, éstos deben partir a cumplir con su misión que, cosa rara en el cine mainstream, tendrá algunos giros bastante sorprendentes.

A pesar de su superficial sencillez, la película igual toca temas como el patriotismo, el racismo, el individualismo y la redención. Ya dije que no filosofa demasiado sobre estos tópicos, pero le da cierto peso al guión y contribuye a justificar la misión final y el tiroteo consecuente.

Hay que reconocer que esta maravilla de cinta bélica tuvo secuelas horribles, la primera de ellas de 1985 en la que, lamentablemente, Marvin fue otra vez protagonista. Mejor no hablar de ciertas cosas. Prefiero quedarme con el original, una película de guerra de aquellas, bien hecha, sin mayores pretensiones, ideal para ver a cualquier hora, cualquier día y que se ha convertido en toda una obra maestra del género, no sólo gracias a sus tres nominaciones al Oscar en esa época (Mejor Actor Secundario para Cassavetes, Mejor Edición y Mejor Sonido) y por un reparto que incluyó a los machos recios más cotizados de la época si no que, creo yo, por levantar la figura de Marvin como tipo rudo pero con corazoncito. Inolvidable.

LA PELICULA
Los Doce del Patíbulo
(The Dirty Dozen)
1967
145 minutos
Dirigió Robert Aldrich
Escribieron Nunally Jonson y Lukas Heller, basándose en la novela de E.M. Nathanson
Produjeron Raymond Anzarut y Kenneth Hyman
Editó Michael Luciano
Música de Frank De Vol
Fotografía de Edgard Scaife
Actuaron Lee Marvin, Charles Bronson, John Cassavetes, Telly Savalas, Donald Sutherland, Richard Jaeckel, Ernest Borgnine, Robert Ryan, George Kennedy, Trini López y una larga lista de extras con pinta de nazis...

Tommy (1975)… La madre de las Operas Rock en el Cine

2008-12-23T11:51:00.000-08:00

No es muy fácil hablar de Tommy, la obra que su mismo director, Ken Russell, ha llamado “la única ópera rock de la historia del cine”. Cierto o no, la película es un manjar, un deleite audiovisual como pocos y señera en muchos sentidos, algo así como El Acorazado Potemkin de las óperas rock o de la generación del LSD, junto con el monumental documento musical y sensorial que es Woodstock.

Uniéndose a la andanada progresiva y conceptual de la época, los muchachos de The Who, liderados por el guitarrista Pete Townsend, se despacharon un discazo doble titulado Tommy en 1969, en el que a través de una serie de canciones pobladas por diversos personajes y situaciones, cuentan la historia de Tommy (la voz de Roger Daltrey), un muchacho que luego de presenciar el asesinato del amante de su madre en manos de su padre, se vuelve a si mismo ciego, sordo y mudo, convirtiendo su interior en un complejo mundo sensaciones y expresándose externamente sólo a través del pinball o flipper, como es más conocido por estos lares. Una serie de acontecimientos, lo llevan a recuperar milagrosamente sus sentidos y a convertirse en una especie de mesías seguido por miles de seres humanos que juran que el cerrarse al mundo exterior es la pomada de la nueva era.

Esa es la base del disco y de la película. Pero Russell hizo algunos cambios al momento de hacer el guión, para darle un giro más dramático a las acciones y por supuesto, acompañado por los muchachos de The Who, creó un mundo estrafalario y desbordante para rodear las avanzadas composiciones de la banda. Usando al mismo Daltrey como protagonista, el film sigue el camino de este muchacho que se niega a sentir, sus paseos por diferentes iglesias paganas en busca de una cura, la codicia de su madre y padrastro quienes descubren en su talento para el pinball una veta de oro; las alucinaciones de Nora Walker (Ann Margret), la madre de Tommy y la conversión del muchacho en una especie de profeta lisérgico y un gran final en donde la música, así como en toda la película, ocupa un lugar de privilegio, convirtiéndose en la varita mágica que da sentido y vida a la desbordante imaginería de Russell y de los chicos de The Who que, por esos años, estaban en la cima de su creatividad.

Entre los personajes, destaca Elton John como el Local Lad, rey del pinball antes de la llegada de Tommy; Oliver Reed como el aprovechador padrastro y Tina Turner como la Reina del Ácido, uno de los personajes que intenta sacar a Tommy de su mutismo. Entre las secuencias, el surgimiento de la iglesia de Tommy, la visita al seudo profeta (Eric Clapton) que propicia el culto a Marilyn Monroe y por supuesto, las volátiles secuencias de Tommy frente a los espejos, en los cuales parece reconocer su reflejo a pesar de la ceguera de desconocidas causas que lo afecta. No hay mucho que criticarle a Russell respecto de la adaptación que hizo del álbum. Si bien el orden original de las canciones es alterado para darle mayor dinamismo a la historia, no hay un diálogo o palabra que no sea cantado, respetando así el concepto original. Bueno, no sorprende tanto, considerando que gran parte de la filmografía de Russell está consagrada a grandes músicos (incluyendo la alocada Lisztomania, con Daltrey como protagonista y musicalizada por Rick Wakeman, el teclero más famoso de Yes), pero que quizás es más reconocido por los freakies del cine por haber dirigido la extravagante película de sci fi Estados Alterados, un alucinante viaje en reversa al original, instintivo y violento ser humano de comienzo de los tiempos.

Criticada y alabada por partes iguales, lo cierto es que Tommy es un ícono en la historia del cine y la música. Quizás las palabras de Russell que mencioné en el primer párrafo suenen soberbias, pero con la perspectiva de este tiempo, si no es la única sí tiene el honor de ser la primera ópera rock de la historia de cine, antecedente directo de The Wall y un hito para todos aquellos fanáticos del cine y la música por partes iguales.

No sería la única obra de The Who llevada al cine. Años después, sería el turno de Quadrophenia, aunque no con el éxito de Tommy, una de esas obras que marcaron con fuego la historia de la música rock y gracias al talento de Ken Russell en combinación con el de Townsend y compañía, también la historia del cine.

Me voy a ahorrar los datos del disco y de la película porque son enormes y cada edición de los discos en diversos formatos incluye o excluye temas, así es que si quieren saber detalles del disco pinchen acá y para la ficha técnica completa de la película, aquí.

Saludos a todos y Feliz Navidad y Año Nuevo!!!

LA PELICULA
Tommy
(Tommy)
1975
111 minutos
Dirigió Ken Russell
Escribieron Ken Rusell y Pete Townsend, basado en el disco homónimo de la banda The Who
Produjo Robert Spottiswoode Organization
Editó Stuart Baird
Música de Pete Townsend
Fotografía de Rick Bush y Ronnie Taylor
Actuaron Roger Daltrey, Ann Margret, Oliver Reed, Elton John, Tina Turner, Jack Nicholson, Eric Clapton, Pete Townsend, John Entwisttle, Keith Moon y un montón de extras en ácido...